No tengas Miedo (Cobweb) se trata de un agradable sorpresa dentro del cine de terror. La película que dirige Samuel Bodin (Marianne) después de cruzar el charco desde Francia y se estrena en cines el 25 de agosto en España, después de haber pasado ya por taquilla estadounidense. 

La película no viene a innovar y es consciente de ello. Esa es a la vez su punto fuerte y su debilidad. La obra nos presenta a un niño introvertido, interpretado por Woody Norman, que tiene unos padres que rayan el maltrato físico y mental, interpretados por Lizzy Caplan y Anthony Starr (el casting es uno de los grandes puntos fuertes de la película, sin duda) y que le ignoran cuando este les dice que hay una entidad al lado de su habitación que además le provoca pesadillas.

La película es una mezcla del cine de hadas más terrorífico, con una vertiente que incluye el terror psicológico y porque no decirlo, el drama social (con el maltrato infantil). A pesar de que nunca vemos a los padres del protagonista alzar la mano contra él, lo cierto es que sus acciones resultan bastante inquietantes y ponen un buen nudo en la garganta del espectador. Inteligentemente el guion no los condena moralmente, sino que deja al espectador que sea él quien se haga sus propias percepciones. 

La atmósfera del filme es también una de las grandes bazas. Se lograr crear una particular ambientación en la que somos capaces de creernos ese juego entre la realidad y la ficción. Obviamente la fotografía se basa en una gama de colores muy fríos (parece que es un must de este tipo de cine), pero dentro de lo que cabe podríamos decir que es competente. Y en cuanto a sustos, podríamos destacar un par, que tampoco pueden faltar en este tipo de cintas.

Como decíamos, Cobweb no enseña nada nuevo, pero lo que enseña lo hace muy bien. Recogiendo influencia de numerosas filmografías (la entidad bebe claramente del terror japonés) y mezclando muchas texturas, la película consigue que, a pesar de que nos hagamos una idea de lo que a va a pasar con bastante antelación, mantener la intriga y el misterio principal hasta bien entrado en su metraje. 

Conclusión

No tengas Miedo (Cobweb) es una película que no intenta aportar nada, pero tiene una combinación de elementos bastante curiosos que entre todos la dotan de una personalidad curiosa. Una rareza, porque normalmente no acostumbran a funcionar semejantes experimentos. ¿Será el inicio de una interesante filmografía de Samuel Bondin? Esperemos que sí.

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Mona Lisa y la Luna de Sangre (2021) se trata de la segunda película dirigida por Ana Lily Amirpour. La película, que tiene mucha relación con la opera primera de la cineasta, Una Chica vuelve sola a casa de Noche se emparenta con el cine de terror y fantástico. Está disponible en Prime Video.


Al igual que sucedía en Una chica vuelve sola a casa de noche (2014) la película no solo cuenta una historia relacionada con el cine de género, sino que aprovecha para contarnos también elementos sociales. Ambas películas nos muestran la solitud e impotencia de la mujer en una sociedad masculina que se aprovecha de su fuerza física para degradarla y utilizarla a su antojo (en ese sentido los poderes mentales de la protagonista lo que hacen es contrarrestar este estado). Y esto es de aplaudir. Pero el cine no basta con buenas intenciones, y Mona Lisa y la Luna de Sangre tiene muchos problemas cinematográficos detrás. La crítica, especialmente la norteamericana, que a veces simplemente se dedica a valorar una película en función de los valores morales que corresponden con los que el medio difunde, se ha empeñado en ensalzar una película mediocre (en su sentido latino originario, mediocritas). 

Eso sí, hay que señalar que hay una gran secuencia en la película, y que perfectamente podría resumir el mensaje de la película. Se trata de la escena en la que el personaje de Mona Lisa apenas ha salido del manicomio y vagabundea desorientada por las calles. En ese momento, un hombre se acerca a ella e intenta aprovecharse de ella, dándole un mínimo de atención. Esa secuencia sí resulta brillante, porque resume muy bien la esencia de la violencia implícita y el acoso que tienen que soportar numerosas mujeres. Rozando la violación y creando un malestar al espectador pero siempre desde un punto de vista elegante. Sin embargo, esto no es más que un pequeño milagro, que no vuelve a repetirse en toda la cinta.

La premisa es la siguiente. Mona Lisa ha estado encerrada en un manicomio y sale de el. Tiene poderes mentales y puede hacer que otras personas obedezcan su voluntad. ¿Qué creen que harán? Exactamente, el guion, disperso e incoherente sigue lo que cualquier escritor novel haría con esta premisa. Desde "robar" el dinero (obligar a gente a qué se lo de) de otras personas hasta ganar peleas callejeras con sus poderes. Entre estas, muy a medias, el guion intenta hacer avanzar la película de manera artificial elaborando una red de personajes que se relacionan con Mona Lisa. 

Así pues, exceptuando algunas secuencias aisladas, la película no tiene ni un rumbo claro ni algo que la destaque por encima de otras películas. Y no solo eso, sino que además lo que cuenta tiene tan poco interés que el espectador acaba en un letargo somnífero.

Mona Lisa y la Luna de sangre cuenta con una irregular fotografía. Por momentos la sensación es horrible, creando involuntariamente una estética amateur que desde luego no parece la esperada, como es el caso de la secuencia en el manicomio. Sin embargo, a la hora de enfocar algunas localizaciones la película es capaz de elaborar planos que nos retrotraen a una combinación de la pintura de Edward Hopper y las luces de neón tan características de la nocturnidad de ciertas ciudades norteamericanas.

Conclusión

Mona Lisa y la Luna de sangre no es una mala película. Tampoco es la gran obra maestra que se ha intentado vender desde algunos medios. Y es que las buenas intenciones no valen por si mismas para filmar una película, se necesita mucho más.

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Nefarious (2023) se trata de una controvertida película, aparentemente catalogada con el cine de terror, que en realidad se trata de una de aquellas películas de producción evangélica y que son consumidas solo por el cinturón bíblico de los USA (una zona geográfica donde los creyentes, que son legión, tienen un gran poder para aclamar o derribar una película). Normalmente ese tipo de películas no traspasan ese tipo de audiencia, pero en esta ocasión han conseguido un "pelotazo", que les va a reportar grandes beneficios.

Comentan que cuando se estrenó el Exorcista del recientemente fallecido William Friedkin, de puertas para fuera el Vaticano expresó su desagrado, mientras que dentro de la Santa Iglesia abrazaron la película con entusiasmo. "Si no creen en Dios, que crean al menos en el diablo". Y es que el miedo siempre ha sido uno de los grandes acicates que han tenido todas las religiones (no solo la cristiana) para conseguir adeptos. Y salvando las distancias, eso es lo que sucede con Nefarious, una película que siendo aparentemente de terror, en realidad viene a soltarnos un discurso ideológico cercano a los sermones evangélicos fanáticos que tantas veces hemos visto y oído.

¿Qué nos encontramos en Nefarious? En primera instancia vemos la lucha dialéctica entre un doctor que tiene dictar sentencia sobre la enfermedad mental sobre un reo que van a ejecutar, quien afirma a su vez que es el demonio que actúa poseyendo al recluso.

Con las películas de Exorcismos uno no tiene porque ser creyente para poder disfrutarlas (si es que disfrutar es el verbo correcto). La mayoría de ellas no se toman nunca lo demasiado en serio el hecho de que el Diablo exista. Nefarious sí lo hace. El demonio existe, y la humanidad está condenada precisamente por no creer en ello. Pero no es que se afirme una existencia metafísica o conceptual, no. Se habla en la película de una existencia real, donde las posesiones son el pan de cada día. Y esto no sería un problema si no fuera porque Nefarious no quiere ser ficción. Nefarious quiere mostrar a la humanidad que el diablo está entre nosotros. 

¿Cómo lo hace la película para articular su discurso? Pues bien, y aquí viene por cierto lo paradójico, se sirve del mismo diablo, quien a través del recluso narra el discurso ideológico que le interesa a la película. Algunos ingenuos defensores del filme han afirmado que es el personaje del diablo y tiene que engañar a la humanidad, es su idiosincrasia. Bien, en este caso, primero recordar quienes son los personajes que hay detrás de la producción del filme, y por otro decir que ya nuestro ilustre Cervantes, en sus novelas ejemplares utilizaba los locos como medio de escapar la censura, haciéndole poner en sus palabras cosas que eran críticas con la época pero que no podían ser reprochadas por "tratarse de locos".

Así, el diablo de Nefarious nos suelta un tostón ideológico de primero de teología en el que se realiza un discurso antieugenesia (pero con una persona ya mayor y con cáncer terminal, nada de un caso digamos sospechoso o más polémico) así como antiabortista. La película no tiene ningún reparo en igualar esos actos al asesinato. Tal cuál suena. 

Conclusión

Y me gustaría terminar afirmando algo. No considero Nefarious horrible por el mero hecho de ser cristiana. Hay películas como El Árbol de la Vida o la propia Exorcista (que fue escrita por un sacerdote, como todo el mundo sabe) que muestran una ideología contraria a mi agnosticismo. El problema de la cinta es que se trata de propaganda mal hecha y con un mensaje peligroso detrás. 

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Sympathy for the devil (2023) se trata de una película más de Nicolas Cage, y aunque esto por sí solo no suene demasiado bien y teniendo en cuenta que en esta cinta el actor está más desatado que nunca, lo cierto es que estamos ante un adrenalítico Thriller donde el entretenimiento está asegurado. Servidor diría que incluso la película está por encima de otras que se han estrenado en salas del actor, por tener a grandes distribuidoras detrás (Renfield concretamente). 

Sí, es cierto que en Symphathy for the Devil nos encontramos con un Cage histriónico, que seguramente ha forzado su interpretación a niveles "meméticos". Y aún con todo, su interpretación es perfecta, para lo que requiere su papel. Gran parte de la película se sustenta en todo lo que representa y hace. La manera en como está vestido, sus arrebatos de furia, sus gestos...todo está pensado para encarnar una especie de Lucifer terrenal, un personaje que no sabes por donde va a salir y que te mantiene en vilo durante todo el metraje, hasta que poco a poco se va desvelando la trama (aunque es cierto que el guion no es demasiado hábil escondiendo lo que se oculta, uno de los puntos débiles de la película, sin duda). 

Así pues, podríamos decir que dentro del Cagemetro, esta película se sitúa por encima de la media. Un guion solvente que deja rienda suelta al actor para realizar lo que mejor sabe hacer. Y a buena fe que dejará una gran cantidad de gifs con el paso del tiempo. ¿Esa era parte de la intención del filme? En todo caso, ese es un (interesante) debate que no tocaremos aquí. Por otra parte, como contrapartida tenemos a un más que solvente Joel Kinnaman, que cumple en un papel aparentemente secundario que sin embargo requiere matices. 

Teniendo en cuenta que estamos ante una producción de bajo presupuesto, lo cierto es que Sympathy for the Devil no luce como una película barata. Más bien al contrario. La fotografía de la película absorbe la ambientación de la película (las Vegas)  y sin utilizar demasiadas localizaciones (en parte por la escasez de recursos) sabe comprimir bien la idiosincrasia de la ciudad, mediante el recursos de una combinación de neones y luces que no empachan al espectador, sino que al contrario, se ajustan a lo que pide el guion.

De igual manera podemos hablar de una puesta en escena que se interesa por mostrarnos secuencias bien dirigidas y que se alejan de películas de serie Z en las que Cage ha estado. Nos encontramos con una buena combinación de planos, algunos de ellos que se deleitan en lo estético, dejando la narrativa de lado. Todo esto en gran parte se debe a que detrás de las cámaras tenemos a un director con una trayectoria abalada, como es Yuval Adler

Conclusión

Sin ser una gran película, Sympathy for the Devil es un entretenimiento divertido que servirá para complacer a todos los seguidores de uno de los grandes actores de Hollywood, Don Nicolas Cage. Una película que a pesar de tener un presupuesto más bien exiguo, sabe competir por encima de su liga.

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Falcon Lake (2022) se trata del debut en la dirección de Charlotte le Bon...y ¡Qué debut! con una película que explora el crecimiento de un adolescente (lo que en inglés se denomina coming of age) y sus primeros flirteos con el amor en esas típicas relaciones de verano, fuera de casa...La película, rodada en 16mm es una de aquellas películas que se cimenta en su buen hacer para transmitir una sentimiento, más que una historia que viene a cambiar el séptimo arte. 

Es difícil describir Falcon Lake con palabras. Principalmente, porque la obra de Charlotte le Bon prescinde de ellas en numerosas ocasiones, prefiriendo optar por silencios. Pero no se asusten, la obra no se trata de una de aquellas pedanterías en las que se deja al espectador de lado, sino todo lo contrario. Al margen del elemento fantástico final, lo que cuenta el guion basado en la obra de Bastien Vives es algo muy cercano a la gran mayoría de la audiencia. 

Lo que pretende la película, es transmitir aquel primer amor romántico de verano, que todo adolescente ha tenido o ha soñado con tener. Y es que en verano, tal y como transcurre en la película, muchas veces se juntan generaciones diferentes, en las que normalmente grupos que en la ciudad se quedarían al margen, se arrejuntan y se acaban haciendo cosas antes de tiempo (como beber u otras cosas que los lectores ya se pueden imaginar). Así, el personaje que interpreta Joseph Engel de unos 13 años de edad, conoce al que interpreta Sara Monpetit de unos 16 y quien acostumbra a rodearse de unas compañías más adultas. La película nos cuenta el enamoramiento del joven chico, que apenas empieza a descubrir su cuerpo, por una adolescente que en principio lo ve como un simple amigo. 

La película es una obra mágica. Algunos críticos la han denominado como de realismo mágico, aunque en realidad considero ese adjetivo desafortunado (exceptuando el comentado final, el resto de la película es una obra que no toca en ningún momento el fantástico). La película, en la gran mayoría del metraje consigue contarnos algo mágico pero humano, que todos hemos podido vivir. ¿Cuál es la fórmula del éxito?

Charlotte le Bon se sirve de numerosos recursos para contar una historia que conoce a la perfección, seguramente porque la ha vivido. La fotografía de la película va en perfección con esa atmósfera que coquetea con lo sobrenatural (el guion se apoya en una iconografía sobre el fantasma más tradicional, del sayo blanco) con tonos muy particulares, rosas cuando salen los dos protagonistas de la casa, y oscuros cuando están dentro de esta (creando un gran contraste entre ambos mundos).

También tenemos una gran composición de planos en los que se apoya la directora. Son destacables aquellos en los que se deja la cámara estática y con una gran amplitud de campo somos testigos de los dos protagonistas inmersos en esa particular naturaleza (que es prácticamente un personaje en sí mismo). La química entre ellos es otro pilar imprescindible para que la película fluya tan bien. 

Conclusión

Falcon Lake es una pequeña maravilla que augura una trayectoria próspera para su directora, Charlotte de Bon, quien debuta con esta opera prima. Una película de imágenes más que palabras, en la que es muy fácil que el espectador se pueda sentir identificado, transportándose a su adolescencia. 

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