Pablo Kurt

"[Crítica 1ª temporada]: La formidable "Ozark" es mucho más que una de las series del año. Y eso que el listón estaba demasiado alto: Narcotráfico y familia. ¿Les suena? Con trazas en el guion de "Breaking Bad", un desarrollo lento pero creíble y una ambientación que recuerda a la primera temporada de "The Affair", esta intriga consigue pronto, y de qué manera, hacerse con identidad propia. Comienza bastante potente, y luego tarda algo en reposar, pero la tensa espera ante el ultimátum de los narcos actúa como disolvente de cualquier empantanamiento del relato. Consolidando los personajes con acierto, "Ozark" ofrece suficiente dosis de suspense y emoción como para atraparte. Es eficaz, aunque sin resultar tremendamente fascinante ni obligarte a rebajar expectativas. Atención especial a las magníficas interpretaciones principales y a una historia que hace honor a las sinuosas costas de los Ozarks de Missouri. Se agradece que no avance a golpes de giros de guión y que no apueste cada episodio a los instantes finales. Tiene ideas y escenas muy interesantes, aunque carece de los momentos épicos (Say My Name) y de tramas paralelas (Pollos hermanos, Saul Goodman) que hubieran hecho de "Ozark" una de las grandes.

Aventura pura sin sutileza ni metáforas, "The Revenant" invoca a los instintos primarios, no al intelecto. Conviene advertirlo antes de entrar en esta gran experiencia sensorial -y visceral-, último paradigma de cómo el arte humano y el digital se alían en busca de nuestra atención. Si el año pasado Iñárritu nos recordó el significado espiritual de estar viviendo -en la realidad y en el cine- una época de vacíos superhéroes (que es lo que pretendía ser 'Birdman'), el director entrega ahora otro duro retrato del hombre. La marca de la casa del mexicano, la naturaleza inmisericorde y todos sus seres, ahora basada en hechos reales. Un zarpazo cinéfilo a los 'blockbusters' de pacotilla. Puede que "The Revenant" no sea una compleja odisea emocional, pero es una potentísima historia sobre la supervivencia que te arrastra por la Norteamérica más fría y salvaje tirando de tus entrañas. Es cruda e implacable como la tierra sin dios ni clemencia que pisa. También es una pequeña oda a la paternidad y al refugio de la civilización de una belleza inabarcable y una seriedad atroz. Como el inmenso DiCaprio, descansen mientras puedan en las escenas-homenaje al Terrence Malick más poético: cuando lleguen las brutales secuencias de un realismo cercano a lo inaudito, no estarán preparados. Resulta además paradójico que, tras un rodaje en plena naturaleza, con un gran reparto entregado en medio de imponentes paisajes, lo que quede grabado en la retina sean los efectos visuales de un equipo técnico de genios más allá del elogio. La hiperrealidad digitalizada tiene aquí algunas de las escenas cumbre en su campo. Eso sí, no aptas para todos. De forma incomprensible la acusaron de áspera y grandilocuente, pero por lo mismo que unos la rechazan, otros la amaremos. La propuesta es sencilla: un "Jeremiah Johnson" del siglo XXI incubado en la mente de un tipo de DF, sin los remilgos de Hollywood. Simplemente no esperen esta vez trascendencia, déjense llevar y una tormenta visual de paroxismo e intemperie les zarandeará hasta estamparlos contra el asombro.

El innegable entretenimiento y la instructiva aventura que durante la proyección le ofrece "The Martian" puede que le distraigan de un pequeño detalle: que la película fracasa en mostrar de forma verosímil la angustia de la soledad extrema, el espanto ante la certeza de la muerte en el abandono más absoluto. Por muy astronauta que uno sea. Y esa es la distancia insalvable entre un 'blockbuster' formidable y una gran obra. Sí, es sin duda una lujosa y eficaz producción excepcionalmente filmada, pero no hay rastro de transmitir al espectador qué significa emocionalmente quedarse solo en Marte, el abismo frente al hambre y la presumible locura. Más preocupada en epatar enseñando el ingenio del hombre -y su apoyo en la ciencia- para superar retos imposibles en pos de la supervivencia, resulta nula como retrato de los sentimientos de alguien al límite, más allá de la autosatisfacción y de sus numerosas bromas -muy bien acogidas por el público, pero que restan seriedad-. Recordando la frase promocional de la magistral "Alien", en Marte "nadie puede oír los gritos de Matt... simplemente porque no los da".

Clásico del cine con impronta de leyenda, "Qué bello es vivir" (It's a Wonderful Life, 1946) es un cuento encantador, una fábula perfecta y un canto a la bondad que, convenientemente, las televisiones de medio mundo programaban durante las fiestas navideñas. Verla siempre reconforta. Su misión es recordarnos lo que somos alrededor de una idea no por sencilla menos genial: ver lo que serían otros si nosotros no fuéramos. Dicho de otro modo: buenos sentimientos e inolvidables interpretaciones arropan la historia de un hombre -enorme Stewart- que contempla cómo hubiera sido la vida de los suyos si él no hubiera existido, ayudado por un ángel entrañable que quiere conseguir sus alas. En 1946, recién terminada la II Guerra Mundial, el gran Capra entregó esta obra maestra tan oportuna como imprescindible. Emulando su título original y argumento, si esta película no se hubiera creado, la vida -al menos la del séptimo arte- sería menos maravillosa.

Groucho y compañía dirigen la república más desternillante de la historia del cine en la, para muchos, mejor comedia de los hermanos Marx (junto a "Una noche en la ópera"), lo cual es decir la comedia más delirante y el humor surrealista más divertido del séptimo arte. Definirla como magistral es quedarse corto, pues "Duck Soup" es la quintaesencia de unos cómicos geniales que, a pesar de no tener apenas éxito en su estreno, supuso el primer clásico de una serie de legendarios títulos (ya no en la Paramount, sino en la MGM) como "A Night at the Opera, 1935", "A Day at the Races, 1937", "Room Service, 1938", "At the Circus, 1939" y "Go West, 1940". Casi nada.

En plena crisis económica mundial la imprevisible Sofia Coppola nos intenta dar pena con el singular relato de una estrella de cine, un actor joven, guapo y millonario que de repente se percata de su gran vacío existencial. Pobrecillo, que no le encuentra sentido a su vida sin rumbo y sin hogar (el tipo vive en un hotel: "Home, suite home"). Pues lo siento pero como que no (que no me invade la tristeza, digo). De estética y narración atípica -una especie de dogma hollywood-, la realizadora alarga además los planos hasta el límite de tu paciencia con ínfulas de cine 'neoreality'. Pero no pasa nada, que ya se sabe que, en lugar de pagar un precio, estas moderneces se suelen recompensar -aquí con el premio de un León de Oro en Venecia, nada menos-. Si entran en el juego de Sofia y en la cabeza de Stephen Dorff enhorabuena, pero uno prefiere los documentales de los famosos tipo "Behind The Music" del canal VH1. Puede que, como dice el gran crítico Roger Ebert, nadie hubiera contado antes así cómo vive una 'celebrity', pero más razón tiene Boyero al destacar lo bien que retrata la nadería, o Rex Reed al sentenciar que es una película sin origen ni destino. Su comienzo confunde. Su final confunde. Y lo de en medio, a ratos, aburre. Con estilo original, eso sí.

La deslumbrante novela de Nabokov tuvo una adaptación cinematográfica más que digna (era imposible igualar la perfección del texto), a cargo de otro maestro singular. La empresa era arriesgada, pero Kubrick se atrevió con la turbulenta relación de un hombre y su hijastra adolescente, creando una película bella, sugerente y desgarradora sobre el deseo y la perversa obsesión de la naturaleza humana. La polémica ya estaba servida de antemano, pero el arte acalló las voces religiosas que se levantaron contra su exhibición. Formidable.

Ocho años después de su exitosa "Yentl", la polifacética Barbra Streisand vuelve a ponerse detrás de la cámara para filmar este excelente drama que adapta un best-seller de Pat Conroy. Su principal cualidad es el conseguido equilibrio de una trama que caracteriza muy bien a sus personajes, y que se difurca en varios terrenos -familiar, profesional y personal- con una hábil mezcla de tonos: hay mucha seriedad, una pizca de humor, un interesante romance y una tragedia innombrable. Obtuvo buenas críticas, numerosas nominaciones y premios -especialmente a un Nick Nolte colosal- y muy buena taquilla. Una película tan sugerente y atractiva como promete su título.

Formidable melodrama, una aclamada adaptación de "Una tragedia americana", la famosa novela de Dreiser. Multipremiada y de gran éxito de público -fue una de las películas más taquilleras de su año-, la jovencísima Elizabeth Taylor -contaba apenas con 19 años- deslumbra en todos los sentidos en su primer papel protagonista como chica de la alta sociedad. Supuso la primera de las tres colaboraciones que Liz Taylor y Monty Clift realizaron en los años 50. Todo un clásico imborrable. "Te quiero. Te quise desde el primer momento que te vi. Te quise incluso antes de verte por primera vez".

Nunca es tarde para ver a Dustin Hoffman y Emma Thompson haciendo de Dustin Hoffman y Emma Thompson en este agradable, previsible y convencional "pastelón" que busca la empatía del espectador ante dos maduritos desafortunados en el amor. Ambos actores fueron nominados al Globo de Oro por dos papeles de ¿comedia? hechos a su medida, y que ya han interpretado en el pasado en varias ocasiones. Tan sencillo como intrascendente, "Last Chance Harvey" es un drama que despliega los inevitables tópicos de este tipo de cintas (mucha naturalidad, poco riesgo, algunas lágrimas y ligeros toques de comedia), mejorando sensiblemente en sus momentos más emotivos y melodramáticos.

Roland Joffé, realizador británico curtido en la televisión, sorprendió al mundo con una ambiciosa y magistral ópera prima producida por David Puttnam -que venía de obtener gran éxito con "Carros de fuego" (1981) y "El expreso de medianoche" (1978)-. Un drama intenso, adulto y realista, donde todo -la dirección, el guión, la fotografía, la música de Mike Olfield- alcanza un nivel de excelencia. Por sus numerosas similitudes en la temática de periodismo y conflicto asiático, se recomienda ver en sesión continua junto a "El año que vivimos peligrosamente" (The Year of Living Dangerously, 1983), dirigida por Peter Weir un año antes. La del australiano narraba una historia de amor en la convulsa Indonesia de mediados de los 60. Aquí Joffé sobrecoge con una historia sobre el horror y la amistad en la sangrante Camboya de principios de los 70. Una película basada en hechos reales de un impacto profundo, que resonará en tu cabeza con la escalofriante sensación de haber hundido medio cuerpo en el lodazal del espanto.

Delicada, preciosa y vitalista desde su título, "My Fair Lady" es un maravilloso musical que adapta la obra "Pigmalión" (1912) de George Bernard Shaw, y que obtuvo un enorme éxito de crítica, público y reconocimiento -en forma de importantes premios-. De forma sorprendente, entre las 12 nominaciones a los Oscar en otras tantas categorías, no estuvo la encantadora Audrey Hepburn entre las candidatas a mejor actriz. Viendo esta arrebatadora obra maestra se puede comprobar que es una gran injusticia.

Estupenda e infravalorada película histórica y de aventuras del maestro Ridley Scott. Cierto que acusa un metraje demasiado excesivo, pero a nivel narrativo y visual contiene momentos de cine de altísimo nivel, en absoluto acordes con los pobres resultados de crítica, taquilla y público que cosechó en su día. La pegadiza y magnífica banda sonora de Vangelis envuelve una cinta -hoy en día casi olvidada- a reivindicar.

Entretenidísima historia -de simpático título- que, cual salsa hogareña con receta de la abuela, mezcla con gran acierto pequeñas dosis de melodrama, humor, ternura e intriga para conseguir uno de los grandes éxitos "boca a boca" del cine norteamericano de los años noventa -recaudó en Estados Unidos más de 80 millones de dólares-. "Tomates verdes fritos" iba a ser una cinta de mujeres destinada a una audiencia femenina adulta, pero conquistó igualmente a todo tipo de público. Con mucho encanto.

Esta obra maestra expone más matices que ningún otro western, y sin duda el más relevante es que define con hábil precisión un momento significativo de los Estados Unidos: aquel en el que el salvaje oeste comenzó a perder su condición de territorio sin ley y la civilización entró de la mano de los abogados, decididos a imponer las leyes sobre las pistolas. La clave es que Stewart rehúsa llevar revólver, hasta entonces único consuelo de sheriffs y espectadores ante la injusticia y el mal. Que sólo haya un abogado y que luego pase lo que pase es ya terreno y culpa de los códigos de honor y la americanizada necesidad de forjar héroes, pero sobre todo de la preferencia de imprimir la leyenda sobre la realidad. Nada que objetar. Es además un estudio sobre la condición humana tan interesante como memorable, y seguramente uno de los mejores 2-3 westerns de la historia del cine -aquí ya cada uno que se imprima sus gustos-.

Obra maestra de Welles de deslumbrante reparto y compleja historia sobre el poder y la corrupción. Atención a su espectacular plano secuencia de apertura, un prodigio de dominio de la técnica y puesta en escena, y sin duda uno de los mejores comienzos de la historia del cine.

Obra maestra basada en la obra teatral homónima de Ben Hecht y Charles MacArthur, que ya había sido llevada a la gran pantalla por Lewis Milestone en 1931 (con el título "Un gran reportaje") y por el gran Howard Hawks en la también magistral "Luna nueva" (His Girl Friday) en 1940.

Excelente drama de época en la que destaca la maravillosa banda sonora de Jordi Savall. Una joya para los melómanos.

El famoso guionista Richard Curtis, autor de los éxitos "Four Weddings and a Funeral", "Bridget Jones’s Diary" y "Notting Hill" -de hecho se nota la similitud de estilo, ambiente y humor-, debuta como pastelero -perdón, como director- en esta entretenida comedia romántica navideña. Lo mejor, con mucho, un desternillante Bill Nighy como viejo rockero, que pone además el perfecto contrapunto a tanta sobredosis de azúcar. Sólo por él ya merece la pena tirarse en el sofá y ver este desfile de actores y actrices británicos en busca del romance de sus vidas.

Documental que explora el proceso creativo del artista a través de la contemplación del pintor Antonio López pintando un árbol, un membrillo. Una clase magistral de tempo pausado y asombrosa sencillez que trata de seguir el rastro evolutivo de la creación de una obra de arte. Teniendo en cuenta que se trata de un documental poco convencional -incluso dentro de este género tan proclive a la experimentación- obtuvo un considerable éxito de taquilla, consiguiendo además -en general- muy buenas críticas. Desde luego, al menos por su singularidad y su temática, merece la pena verlo. Ahora bien, si busca consejo sobre si le gustará o no, poco importa la opinión de un crítico; "El sol del membrillo" es un film de autor personalísimo y diferente que atrapa, aburre o, como tercera opción, interesa al principio pero cansa algo al final de su largo metraje. En resúmen: a muchos les llegó a fascinar, pero no es apto para impacientes.