Primera película del manifiesto Dogma. Por la que se renuncia al cine superficial y artificioso, buscando el cine puro como documento realista, reflejo de la realidad del ser humano.
Este primer film lo firma Thomas Vinternberg, que también lo escribe. Junto a Von Trier y otros cineastas daneses encabezaron este movimiento fílmico que duró apenas la década de los noventa pero que ha gozado del favor de la crítica.
En el 60 cumpleaños del patriarca de la familia, ésta se reune en un hotel para celebrarlo. En el día que transcurre la celebración todos los fantasmas familiares que estaban ocultos en el armario saldrán a escena provocando que el día se convierta en una caótica catarsis familiar.
Este tipo de cine afronta este tipo de temáticas duras y realistas y tiene en la interpretación de sus actores uno de sus pilares artísticos. En este filme ambos propósitos se cumplen a la perfección: una voraz crítica a la institución familiar de mano de unos actores desconocidos pero cristalinos en sus emociones.
Buen cine no por lo estúpido de las autolimitaciones que se imponen sino por la historia que cuenta y como se presenta ante un espectador atónito.

Mifune, caústico homenaje el mítico actor japonés, es una delirante y desconcertante película danesa hecha bajo el paraguas del manifiesto dogma. Realizada por los desconocidos Andres Thomas Jensen y Soren Kragh Jacobsen y protagonizada por los también desconocidos actores daneses a excepción de la belleza nórdica Iben Hjelje (Alta Fidelidad).
La película comienza con la boda de una pareja de la clase alta urbanita. En la noche de bodas al marido Kresten le llaman comunicándole la noticia de la muerte de su padre. La novia se queda paralizada, puesto que él decía que era huérfano. A partir de ahí se destapa la antigua vida de Kresten que ha estado ocultando: su vida en la granja junto a su hermano retrasado.
Kresten marchará a la antigua granja y allí los sucesos y vuelcos en su vida se sucederán. Especialmente al conocer a Liva, antigua prostituta.
La obra mantiene las coordenadas del Dogma: luz natural, música si sólo entra en escena, cámara al hombro, etc. Pero bordea y juega con otras, puesto que la obra tiene elipsis temporales, varios espacios y acciones paralelas. Por ello la obra puede que tenga una mayor riqueza estructural y dramática. Los giros en la historia son una constante a la vez que la alternancia del drama y la comedia.
Se distingue de sus hermanas en un aspecto fundamental y enriquecedor, el uso del humor y las situaciones cómicas. En las que se percibe la influencia de Kitano y el surrealismo de Kaurismaki (lo del retrasado tocando flamenco habla por si solo).
Entretenida, alegre y triste se presenta está obra bastante singular, que tiene en sus virajes y finales continuados su punto de desconcierto. Pero que está impregnada de una visión personalísima de la vida.

Josecho San Mateo debuta en la dirección con este drama sobre una pareja de jóvenes perdidos que cae en las redes de la mala vida: heroína, barrios chungos de Madrid, prostitución, trapicheo, etc
Basada en la de homónima novela de Daniel Valdés, Josecho demuestra mejores intenciones que resultados. Porque? Porque es una historia mil veces contada en nuestro cine, porque huele a tópicos, porque a los personajes ya los has visto antes y porque a penas aporta novedades a este subgénero. En lo único que se sustenta es en la pareja de actores protagonistas Unax Ugalde y Pilar Lopez de Ayala, pues si son otros de su “portentosa” generación la cosa hubiese estado más que risible.
Agrada si a uno le gusta este subgénero. Pues ésta tiene todos los clásicos del género: un super camello malo (grande A Dechent), unos maricas, un amigo traidor, un pirao graciosete, un buena persona, la paliza, la traición, el olor a barrio y los sueños rotos.
Estas historias son muy compremetedoras para el director, al elegir este tema lo has de conocer bien (algo que casi nunca pasa), no puedes hablar de ello de “oídas”; y tiene que tener verosimilitud. Con respeto y buenas intenciones se queda en un pastiche de niño bien que juega a ser pobre y malo.

Sorprendente y refrescante encuentro con la obra de Spike Lee, un cineasta tan adherido a su cultura y sus códigos, como desigual y errático. En el verano de Sam, Spike Lee ofrece un vistoso fresco del Nueva York de 1977, cuando un asesino en serie aterrorizó a toda la ciudad en ese caluroso verano. Lee aprovecha ese suceso real para ofrecernos un fresco de las gentes de Brooklyn, de esa época de cambios Para ello usa una narrativa estructurada en numerosas historias, en un reparto coral que ilustra muy bien la sociedad cambiante que era el Brooklyn ítaloamericano de los ´70: los primeros punkis (A. Brody) o los ítaloamericanos más tradicionales (J. Leguizamo, Mira Sobrino).
La historia se ve acompañada de un acaloramiento sexual que supone un aditivo para la contemplación del filme, dejando en un aspecto deliberadamente secundario al asesino en serie.

Estrafalario filme basado en una serie de culto inglesa de los años ´70 del mismo nombre. Con un reparto con las caras más conocidas del Hollywood reciente y con un recuperado R.Doney Jr, se puso en pie este homenaje a la serie inglesa.
Tras el visionado del filme y sin apenas referencias sobre la obra, la confusión es el resultado: números musicales, literatura de gangsters, alucinaciones y efluvios freudianos juegan con el finísimo hilo argumental que sostiene el juego de personajes.