En 1999, con el paso al nuevo milenio en ciernes, Matrix supuso un cambio en el cine de ciencia-ficción: la combinación de nuevos y atractivos efectos especiales con un relato imbricado y recargado, donde se mezclaba filosofía y una visión ecléctica de varias religiones dejó huella y abrió una saga. Su trama del viaje del héroe en la era ciberpunk derivó en una trilogía que se enriqueció en unos aspectos y se agotó en otros.

Casi veinte años después de Matrix revolutions y Matrix reloaded, Lana Wachowski se une a dos guionistas con los que ha trabajado en la serie Sense 8 y Cloud Atlas.

David Mitchell y Aleksandar Hemon aportan un aire de novedad a un producto que es autoconsciente de sí mismo, de que ha pasado mucho tiempo y de que tenía que aportar chispa suficiente para justificarse. En este sentido, el sarcasmo que revolotea en el guion invita a no tomarlo demasiado en serio y así evitar decepciones.

Por otra parte, la película juega muy bien con las narrativas multiplicadas y múltiples para ofrecer, con frecuencia, un juego de espejos y dobles lecturas. La idea de la cueva de Platón, mezclada con la especie de vida como sueño (la presencia de las anteriores entregas en pantallas y flashbacks); el videojuego inspirado en lo que vivieron los personajes y que activa recuerdos en el presente; la codificación informática que abre y cierra espacios y tiempos simultáneos; la realidad dentro de la realidad; todo esto no deja espacio para más piezas de matrioskas.

La abundancia de violencia coreografiada y de acción bien rodada no compensa lo caótico y embrollado de un largometraje que alberga unas cuantas secuencias demasiado explicativas.

En el capítulo de actualizaciones sociológicas, Matrix resurrections no tiene muchas cuentas que saldar respecto a la igualdad. En 1999, blindó esta cuestión con unos roles y una narrativa que huía de cánones estereotipados. Y lo que propone en 2021 supone una evolución interesante o, al menos, tiene lógica dramática y no resulta tan impostada como en otras propuestas de superhéroes y heroínas.

Al mismo tiempo, Wachowski maneja con proporción las dosis de nostalgia con las de novedad para entretener a los amantes de esta mitología y recabar nuevos seguidores. Su apuesta por la gravedad existencial de los protagonistas (ajados por el paso del tiempo) y el tono irónico que inunda las secuencias del psicoanalista también da pie a puntos sugerentes y, en el segundo caso, además divertidos.

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Las historias paralelas que relata En los márgenes recuerdan, sin poder evitarlo, a las de Ken Loach. Se trata, en efecto, de un film de cine social, lleno de buenas intenciones, que deja un sabor agridulce en el espectador.

Juan Diego Botto consigue asfixiar al público en una carrera a contrarreloj con los protagonistas. Aunque es cierto que a la película puede carecer de tensión dramática, no le falta humanidad. De este modo, uno puede llegar a empatizar con las desgracias ajenas que presencia.

El punto de luz de esta cinta en concreto reside en la solidaridad de sus personajes –muy bien interpretados por el elenco–. A pesar de las injusticias que retrata, el guion no se olvida de la bondad de la gente y deja entreabierta una puerta a la esperanza.

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Una de las características que hacen grandes a los clásicos es que son incombustibles. Pasan años, décadas y siglos; cambian los escenarios geográficos y las mentalidades pero las historias que nos narran, desde la mítica Troya hasta la plácida Mancha, siguen calando muy hondo en el alma del lector o el espectador. Por muchas y variadas adaptaciones que se les hagan (siempre que respeten el espíritu que las hizo grandes), la columna vertebral que las convierte en clásicos hace que resistan cualquier envite y sean, como decía, incombustibles.

David Copperfield, de Charles Dickens, es un claro ejemplo de ello. Después de diversas adaptaciones de corte académico y respetado historicismo (entre las que destacaré, por pura preferencia personal, la miniserie de la BBC de 1995 con unos estupendos Bob Hoskins, Imelda Staunton o Daniel Radcliffe) llega ahora la original y fascinante propuesta Armando Iannucci.

En La increíble historia de David Copperfield, asistimos a la narración que el protagonista, convertido ya en un famoso escritor, hace de su propia vida. A partir de la introducción en el escenario de un pequeño teatro, el espectador se sumerge en un caótico viaje en el que acompañamos al pequeño David desde su alumbramiento, literal, hasta el momento en que ya es un respetado y reconocido autor. Como hiciera Dickens en la novela original, por el film desfilan una variopinta sucesión de personajes que, para bien o para mal, influyen en la existencia del protagonista forjando su carácter e impulsando sus decisiones.

El director y guionista Armando Iannucci imprime a esta película un sello personal, entre el humor, la ironía y la reflexión, que lo emparenta con el esperpento y que ya había mostrado en su anterior largometraje La muerte de Stalin. De este modo, una trama conocida se transforma en algo novedoso que impide el conformismo del público y le fuerza a prestar una atención que sería innecesaria en una exposición tradicional.

Iannucci se mueve como un trapecista en el borde de lo transgresor, soslayando lo burdo y equilibrando lo excesivamente sorprendente (como el elenco multirracial o los pintorescos escenarios) con un sincero respeto al espíritu del libro. Incluso con los cambios que realiza en el argumento (como en los desenlaces de Dora y los Micawber) la atrayente personalidad y el afable talante de Copperfield, punto esencial de su relato, es el cimiento sobre el que Iannucci despliega su creativa, vitalista y desbordante imaginación.

Se disfruta enormemente, además, asistiendo a las sinceras y comprometidas interpretaciones de un elenco entregado que, liderado por un solvente Dev Patel, deja que los veteranos Hugh Laurie, Tilda Swinton o Peter Capaldi se luzcan. Un lujo.

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La secuela de A todo tren. Destino Asturias es muy similar en tono y guion. Con una trama prácticamente igual que su predecesora, vuelve a dividirse en dos historias paralelas: la de los niños y la de los adultos. E igual que en la anterior, es la segunda la que tiene más gracia (aunque no tanta frescura como la del trío de hombres en Asturias).

Por lo demás, el relato es simple, las actuaciones forzadas por momentos –especialmente las de los niños, cuyos personajes resultan repelentes en algunas secuencias– y la conclusión fácil y predecible.

Como va destinada al público infantil, son cosas que no molestan en exceso y se pasan por alto pues, en su conjunto, es una película amable e inocente, para pasar un rato en familia. Además, hay varias escenas que pueden lograr la carcajada del espectador. Y, como viene siendo costumbre en otros títulos familiares de Santiago Segura, hay alguna broma más adulta.

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Takashi Katagiri presenta "Spy X family código: blanco" , el primer largometraje del manga creado por Tatsuya Endo y su posterior adaptación animada: "Spy X family". Esta entrega es una propuesta óptima para los seguidores de este universo y sus personajes tanto en papel como en la pequeña pantalla.

El film tiene toques de humor, a veces un poco absurdos, que en ocasiones despiertan alguna carcajada en el público. A pesar de ello, la acción es trepidante y exige al espectador un especial nivel de atención. En ocasiones suceden tantas cosas a la vez que puede llegar a ser algo confuso.

"Spy X family código: blanco" tiene un target muy específico y eso puede ocasionar cierto desconcierto en aquellos que se sumerjan por primera vez en el universo de Tatsuya Endo. Además, es una película divertida y seguramente ilusionante, sobre todo para los seguirodres, pero duración puede acabar percibiéndose como un tanto extensa.

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