*Lluvia de estrellas

Desde luego, si Amigos Imaginarios no funciona, no será por el equipo del que se ha rodeado John Krasinski, que, además de dirigir, firma el guion de su película: al dúo protagonista, formado por Cailey Fleming (‘The Walking Dead’) y Ryan Reynolds, aquí sin rastro de su habitual carisma, se suman, poniendo voz a los amigos imaginarios, nombres como Steve Carell, Phoebe Waller-Bridge, Luis Gosset Jr. o, ya como cameos, Brad Pitt, Matt Damon o George Clooney. Por si fuera poco, Krasinski ha ido a buscar, para la banda sonora y la dirección de foto, respectivamente, nada menos que a Michael Giacchino (‘Up’, ‘La sociedad de la nieve’ o ‘Perdidos’) y a Janusz Kaminski (‘La lista de Schindler’ o ‘Salvar al soldado Ryan’). Precisamente el trabajo de ambos es lo mejor de la película.

La pena es que, mientras reclutaba a todos estos nombres, John Krasinski parece haberse olvidado de algo bastante importante: escribir un buen guion. Vale que Amigos Imaginarios está dirigida al público infantil, pero también lo estaban ‘Del revés’ o ‘Soul’, que están a años luz de esta. La historia, que parte de una premisa ciertamente original, que podría dar lugar a mil ideas, es extremadamente previsible. Desde el prólogo, todas las situaciones que se nos plantean nos recuerdan a algo que ya habíamos visto, mejor, en otra parte, hasta llegar a un giro final en el que la película, directamente, se contradice a sí misma y tira por tierra las normas que había puesto.

*Un Krasinski viene a verme

A riesgo de ser yo ahora el que se contradice, la previsibilidad no es lo que me ha matado el visionado. La propia Pixar, a la que John Krasinski tiene TANTAS ganas de emular, es muchas veces previsible en sus tramas, pero lo compensa con algo que Amigos Imaginarios no encuentra nunca: emociones. No tengo claro a qué quiere jugar en este sentido: si quiere ser una comedia disparatada, como la citadísima ‘Del revés’, le sobra miedo a la hora de elaborar gags, de arriesgar un poco. Tiene a grandes actores cómicos, pero les pone al servicio de chistes demasiado blancos, demasiado ‘pensados’, que dudo mucho que sean lo que realmente divierte a su guionista, y eso se traslada al espectador.

Si, por el contrario, quiere ser algo más dramático, como ‘Coco’, le falta naturalidad. Krasinski no entiende que, cuanto más se nota que quieres emocionar, menos funciona, y llena la película de situaciones forzadas en busca de la lágrima, pero todas ellas en base a la manipulación, a que llores porque es lo que toca, y no porque realmente te impacte a algún nivel. ¿El resultado de esto? Más de un momento realmente sonrojante, como todas las secuencias en el hospital que involucran al personaje que el propio Krasinski se reserva para interpretar, y un sentimentalismo que llega a ser molesto.

*Conclusión

Es una pena que a una película con tanta gente talentosa en lo artístico y lo técnico, con una premisa con mucho potencial, y que además apuesta por la novedad, por no ser otro remake o secuela, no le salga casi nada. John Krasinski tiene tal obsesión por ser ‘emotivo’ y ‘adorable’ que olvida que sólo con la intención no cuenta, y que, para conseguir estos objetivos, hay que construirlos desde el guion.

Escrito por Adri Cámara

*Cuando la pasión se torna en pesadilla

La mujer pantera cuenta la turbulenta historia de amor de Irena Dubrovna, una atractiva figurinista serbia afincada en Nueva York, y Oliver Reed, un joven arquitecto naval. Un encuentro fortuito en el zoológico de Central Park da lugar a un flechazo entre ambos, pero pronto una relación en apariencia entrañable degenera en un cóctel de obsesión, impotencia y celos que, lejos de enmarcarse en el ámbito de lo humano, tiene su origen en una maldición ancestral que acabará abocando a la pareja a un final trágico.

Irena, interpretada por la inolvidable Simone Simon, cree que la consumación de su matrimonio la transformará en una pantera que dará muerte a su amante, pero su marido cada vez está más seguro de que esa frigidez "sobrenatural" no es más que el delirio de una enferma corrompida por la superchería. Ello se traduce en una pulsión sexual reprimida que sobrevuela toda la película y que Jacques Tourneur sabe sugerir con la destreza de un psicoanalista, valiéndose para ello de un terreno tan fértil como el terror.

*Nada da más miedo que aquello que no se ve

Los avisos de esta particular femme fatale caen en saco roto y la profecía con origen en oscuras leyendas balcánicas se cumple cuando Oliver (Ken Smith), hastiado de su tóxica vida marital, busca refugio en otra mujer. Irena deviene en la fiera que tanto temía, pero Jacques Tourneur toma una decisión inédita por necesidad financiera: intuiremos a la bestia a través de sus sombras y rugidos, en fuera de campo, pero, a diferencia del hombre lobo de Lon Chaney Jr. tan en boga por entonces, jamás la veremos explícitamente.

Solo un instante final, en el que se nos muestra cómo la versión felina de Irena muere a causa de las heridas provocadas por el pícaro psicólogo al que da vida Tom Conway, sirve como excepción a la regla. Pero para el recuerdo quedan esos pasos que persiguen a Jane Randolph por las solitarias calles de Manhattan o los reflejos de la pantera en la piscina, escenas que bien podrían haber inspirado a cineastas de la talla de Steven Spielberg y Ridley Scott la hora de concebir Tiburón (1975) y Alien (1979), respectivamente.

*El terror expresionista como antesala del fatalismo noir

Las acechantes sombras de la pantera no pueden sino remitirnos al expresionismo más "caligariano", cuyos ecos venidos de Europa fueron penetrando en Hollywood gracias al vergel creativo que creció al calor de las películas de bajo presupuesto. Este nicho, en el que RKO Pictures encontró un filón de la mano del productor Val Lewton, se convirtió en la escuela en la que se forjaron nombres como Robert Wise, Mark Robson, y cómo no, Jacques Tourneur, que con La mujer pantera dibujó un fascinante mundo propio.

El cineasta francés, hijo de director, demostró en esta cinta de 73 minutos ser un diestro narrador que se movía como pez en el agua entre las fronteras del terror, el fantástico, el suspense, e incluso el drama psicológico. Y así, pronto la pantera formó, junto a Yo anduve con un zombie (1943) y El hombre leopardo (1943), un tríptico que ya anticipaba la evolución natural del cine de Tourneur, como el de Fritz Lang, hacia ese sórdido noir que alcanzaría una de sus más altas cúspides con Retorno al pasado (1947).

*Conclusión

La película de Jacques Tourneur, un genio en la sombra que merece la pena reivindicar, es la prueba de que la escasez de recursos espolea, a menudo, la imaginación. Secuelas, remakes, alabanzas permanentes de oscarizados directores como Martin Scorsese y José Luis Garci, e incluso los paralelismos que se observan con la ambivalente Catwoman de Batman, confirman el estatus de culto de un filme que es historia del cine en mayúsculas.

Escrito por Marco Sánchez Sequera

*Cuando la rutina domina la pareja

Iris presenta a una dentista cercana a los cincuenta años, Iris/Isis (Laure Calamy), que tiene una exitosa consulta odontológica, vive con su marido arquitecto Stéphane (Vincent Elbaz) y sus dos hijas adolescentes, Anna (Zoé Richard) y Lili (Daphné Crépieux) en una confortable vivienda. Sin embargo se siente insatisfecha en su vida, especialmente en su relación de pareja, no sintiéndose deseada por un marido complaciente pero absorbido por su trabajo. Hasta aquí un caso más característico de muchas mujeres que tras un inicio ilusionante de pareja y una convivencia matrimonial satisfactoria, con el paso de los años se encuentran con la rutina y la posterior insatisfacción afectiva.

Como cualquier mujer que se siente no deseada por su pareja, ella se desahoga en sus confidencias con amigas o conocidas. La madre de un compañero de colegio de sus hijas de manera informal le propone que se apunte a Tinder o a Deelove, una aplicación de citas para personas casadas. La película destaca desde el principio por los diálogos cuidados y bien construidos así como por la brillante interpretación de la conocida actriz francesa de comedia Laure Calamy que encarna muy creiblemente a Iris.

*Placer de ofrecer y alegría de recibir

A partir del planteamiento del nudo de esta comedia dramática, comienza el aprendizaje de un mundo desconocido para la protagonista pero ilusionante de las citas a ciegas. A lo largo de las secuencias vamos conociendo a los diferentes hombres que entran a su perfil, que le envían “likes” y con los que tiene un primer encuentro personal e intimo. Mientras tanto paralelamente sigue siendo la esposa y madre atenta, dedicada adecuadamente a su familia, y profesional bien considerada por la clientela de su consulta que atiende junto a su auxiliar Nuria (Suzanne de Baecque).

Iris utiliza dos expresivos recursos creativos en la narración cinematográfica. Primero un fundido visual de presuntos encuentros dialogados con sus nuevas compañías masculinas, mientras va sola por las calles de París o en su metro. El otro recurso es la sutil diferenciación de etapas o fases en sus aventuras amorosas y eróticas, cuando por la noche comparte la cama con su pareja Iris lee distintos libros, que van cambiando de títulos en paralelo a la progresión de sus relaciones con sus amantes y sentimientos personales. Para espectadores atentos a los detalles significativos se deslizan diferentes lecturas en la cama antes de dormir mientras su pareja Stéphane sigue a su lado trabajando en el portátil. “La mujer helada”, “Mujer deseada, mujer deseosa”, “Reinventa el amor” y “Para no dormir”, significativos títulos que sirven a modo de apartados de las transiciones en sus aventuras amorosas.

*Están lloviendo hombres, aleluya

Después del desarrollo de una apacible, divertida e ilusionante segunda parte con el desfile de sus muy distintos amantes, bien perfilados por el guion, debe llegar el desenlace en su parte final de la historia de Iris/Isis. Ahora empieza la parte más dramática, donde el volcán de la crisis larvada de pareja tras su crecimiento soterrado acabará por erupcionar, saliendo a la superficie derramando lava. Durante la fase anterior Iris/Isis había ido aprendiendo de aventura en aventura en el trato con los muy diferentes hombres que fue conociendo, lo cual a su vez le hizo evolucionar y encaminarse a plantearse qué camino y decisiones seguir en adelante.

Hay secuencias sutilmente cómicas, tanto en su consulta de odontóloga, como con alguno de sus amantes o en su vida familiar. Una buena elección de los temas musicales para la banda sonora, desde la música original compuesta por Benjamin Esdraffo, hasta “Las cuatro estaciones” de Vivaldi, “Un hombre y una mujer” de Francis Lai y Pierre Barouh, o el tema coreografiado “Están lloviendo hombres” de Paul Chaffer y Paul Jabara. Como suele ser en el cine francés hay un tratamiento dulce y suave de temas importantes, en éste caso de la insatisfacción erótica, el sexo vainilla, lo poliamoroso, el joven amante, bdsm, etc, que con pinceladas dadas estratégicamente abren la caja de Pandora para los comentarios y las reflexiones personales.

*Conclusión

Una vez más el delicado cine francés aborda un tema importante con su característico tratamiento de comedia, donde se dosifica el humor suave con el drama contenido. En Iris un buen guión con acertados diálogos aborda la insatisfacción emocional y sexual de una exitosa dentista con buen estatus socioeconómico, casada con un arquitecto impasible, conviviendo con dos hijas adolescentes adorables. Deelove, aplicación de citas para personas casadas le abre la caja de Pandora para poner fin a su tedio matrimonial, comenzando un interesante aprendizaje sobre sí misma y los hombres.

La directora y guionista Caroline Vignal ha conseguido una interesante película que muy probablemente va a tener buena acogida por el público y especialmente por las espectadoras.

Escrito por Fernando Gálligo Estévez

*Belén Rueda en el centro del huracán

Nos presenta una historia intensa que gira en torno a Marisol, una icónica entrenadora de gimnasia rítmica de élite. La trama se desarrolla cuando Marisol, enfrenta la dolorosa revelación de que su esposo la abandona por una mujer más joven. Esta premisa desencadena una serie de eventos que llevan a Marisol a una espiral emocional, enfrentándose a sus propios demonios mientras lucha por recuperar lo que ha perdido.

Uno de los aspectos más destacados de Caída Libre son las actuaciones, especialmente la de Belén Rueda en el papel central de Marisol. Rueda logra transmitir la complejidad y la vulnerabilidad de su personaje de manera magistral, llevando al espectador a través de un viaje emocional tumultuoso. Junto a ella, Irene Escolar y Manuela Vellés brillan en sus roles secundarios, agregando capas de profundidad a la trama con sus interpretaciones convincentes.

*Explorando los abismos de la psique humana

La dirección de Laura Jou contribuye significativamente al desarrollo de los personajes y al tono general de Caída Libre, creando una atmósfera que se siente como un thriller psicológico. Jou sabe cómo jugar con la tensión emocional y mantener al espectador en vilo mientras Marisol se sumerge cada vez más en su desesperación y obsesión por recuperar lo que ha perdido. Este enfoque crea una sensación de asfixia que refleja el estado mental de Marisol y hace que la película sea emocionante y atractiva desde el principio hasta el final.

*Un equilibrio entre intensidad y profundidad

Desde el punto de vista técnico, Caída Libre ofrece una ejecución sólida pero nada innovadora. La cinematografía y el diseño de producción contribuyen a la atmósfera opresiva de la película, pero no destacan especialmente. Sin embargo, es el guion el que realmente brilla, ofreciendo una exploración profunda de temas como el dolor, la pérdida y la redención.

*Conclusión

En resumen, Caída Libre es una película que ofrece una experiencia cinematográfica gratificante, impulsada por actuaciones sobresalientes y una dirección que sabe cómo mantener la tensión y el interés del espectador. Aunque puede resultar intensa en ciertos momentos, es esta misma intensidad la que hace que la película sea tan convincente y emocionante. En última instancia, Caída Libre es un viaje emocional que deja una impresión duradera en el espectador, explorando los abismos del alma humana de manera impactante y conmovedora.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero

*La mirada personal de Richard Gadd en la dirección

Mi Reno de Peluche fue creada, escrita y protagonizada por Richard Gadd, basándose en sus vivencias personales. La dirección de la serie se sumerge en las experiencias que marcan la vida de las personas para siempre, exponiendo los rincones más oscuros, turbios y depravados del alma humana. Esta mirada personal aporta una autenticidad única a la serie, permitiendo al espectador adentrarse en la mente de los personajes y comprender sus motivaciones más profundas.

*Actuaciones que aportan profundidad

Las actuaciones en Mi Reno de Peluche son notables. Richard Gadd ofrece una interpretación convincente y emotiva del atormentado Donny Dann, mientras que Jessica Gunning, Nava Mau y Tom Goodman-Hill complementan el elenco con actuaciones igualmente impactantes. La química entre los actores añade una capa de realismo a las interacciones en pantalla, lo que contribuye a la intensidad emocional de la serie.

*Excelencia técnica que mantiene al espectador enganchado

La serie consta de siete episodios de media hora de duración. A pesar de poner a prueba la sensibilidad del espectador en ocasiones, Mi Reno de Peluche logra mantener enganchado desde el principio hasta el final. Esto se debe en parte a su aspecto técnico impecable, que incluye una cinematografía envolvente y una edición cuidadosamente elaborada que contribuyen a crear una atmósfera inquietante y absorbente.

*Una radiografía de las obsesiones humanas y la identidad sexual

Mi Reno de Peluche va más allá de ser simplemente una comedia negra. Si bien puede dar esa impresión inicialmente, en realidad es una radiografía de las más bajas pasiones y obsesiones humanas. La serie también aborda la dificultad de comprender y mostrar la identidad sexual propia a nivel social, añadiendo capas de complejidad temática a su intrigante narrativa.

Escrito por Pablo Veiga Carpintero