Entrados en la década de los 20, y gracias a plataformas digitales como Netflix (principalmente ésta), estamos asistiendo a una proliferación de relatos de misterio, intriga, crimen…, en los que realizadores patrios ya llevan más tiempo de trillaje del que podamos imaginar. Bastante antes de que se consolidara la oferta de visionados por encargo en interné, en nuestras principales cadenas de televisión, públicas y privadas, ya fuimos obsequiados con productos interesantes de marca hispánica, después de que casi cincuenta décadas atrás, en sus programaciones había sólo producto de calidad extranjero, sobre todo proveniente de los USA.

Ello no significa que nuestros idearcas para la pequeña pantalla no estuvieran en la labor de crear producto propio, pero pasó un tiempo hasta que las series televisivas de kilómetro cero, inicialmente con su lastre rudimentario, llegaron a ser tan o más «popus» que las que nos llegaban de otros páramos. Hasta hubo una época en la que les salía más barato, a los canales, importar de la otra ribera del charco Atlántico (léase latinoamérica), las «soap óperas» que sustituyeron a las míticas «Dallas» (1979-1991), «Falcon Crest» (1982-1990), «Dinastía» (1981-1991)…

Lo autóctono acabó por hacerse lugar, tanto en las franjas horarias catódicas como entre los sectores de audiencia, hasta que las redes han popularizado infinidad de propuestas, no sólo para consumo interior, sino también en el mercado internacional.

«El Desorden que Dejas» (2020), una miniserie de ocho capítulos, es un ejemplo de esta nueva generación audiovisual de marca hispana, que ya comprende un considerable abanico de tópicos y géneros, elaborados con unos estándares, en algunos casos más que aceptable. Carlos Montero («Élite», 2018; «Física o Química», 2008) forma parte con su bagaje de esta más reciente etapa evolutiva del mundo de las franquicias españolas, de las que en no pocas ya podemos apreciar una considerable solera o caché.

Ignoro si cuando el director gallego escribió su novela homónima, cuya diégesis se ubica en su tierra natal, pensaba ya en exportarla a la pantalla. Análogamente a lo que ocurre en música cuando un compositor reduce sus propias obras sinfónicas a piano, u orquesta sus piezas de piano, no deja de ser una garantía de que el propio escritor de un libro sea en un futuro, al tiempo, el coguionista y codirector de la adaptación de la propia obra (igualmente desconozco si existe algún precedente de ello). El caso es que él sólo decide que se le atribuya todo riesgo y resultado, lo cual no deja de implicar cierto mérito artístico.

La factura técnica alcanza resultados desiguales en lo sdiferentes apartados. De un lado, la fotografía de Isaac Vila y David Valldepérez es de una excelente calidad, y el lenguaje visual se acopla en buena harmonía al desarrollo del guion. Estéticamente, cabe destacar la belleza con la que se retratan algunos paisajes y localizaciones de Galicia, haciendo vibrar el sustrato sociocultural de esta hermosa región, bajo los entresijos de la trama.

La casa de Raquel; el restaurante de la família de su marido; la casa de Viruca; el instituto, que en su trasfondo parecemos evocar la estampa de un antiguo monasterio: con el claustro como centro de las relaciones sociales entre sus miembros, y las diferentes dependencias en las que se desenvuelve la actividad de los que lo habitan en su quehacer estudiantil o laboral; la casa de Iago y su padre, como la «boca del Mal» disfrazada de lujoso chalé; la casa de Mauro; las calles del pueblo donde se ubica la historia; el bar como primer interior de la localidad donde recién llega Raquel y tiene su primer contacto con los del pueblo, que transmite por igual inquietud como sensación de calidez y acogimiento. Éste sobre todo infundido por la dueña del negocio, que desempeña el papel de una especie de «delegada de acogida», y posteriormente tendrá en la resolución un inesperado y significativo rol… Todas las ubicaciones parecen perfectamente definidas, con su respectivo diseño, tanto material como visual, con su función propia, relacionadas en un entramado por el que fluye el devenir del argumento, y que tienen su parte en la comunicación de la dinámica expresiva de cada escena.

Así como la ambientación y el «set» están primorosamente elaborados para contribuir al efecto buscado en dar tensión en el transcurso del «script», la banda sonora del metraje es lo menos logrado: la retahíla de cancioncillas a lo «pop light» resulta de lo más chirriante y repelente. En esto, el equipo artístico y de producción, aparte de poca culturilla, demuestran escaso atino y nulo criterio en la creación de la atmósfera diegética a través del efecto de una potente partitura original. No tengo nada contra los gustos por ese estilo «pijo neo progre» que está actualmente en boga y que viste mucho de «moderno», pero si querían tirar de algo que imprimiera sello con denominación de origen en el caso de no querer gastarse los duros en un compositor de pies a cabeza, existen obras de calidad, como la Sinfonía «En las Montañas de Galicia», de Andrés Gaos; «Alborada Gallega», de Pascual Veiga; «Dolora Sinfónica», de Gregorio Baudot; o «Negra Sombra», que en el plano extradiegético habrían dado más fuerza dramática que la ñoña tabarra de Xoel López en la «intro» de los capítulos, o los insulsos y convencionales temas de Lucio Godoy y Ricardo Curto.

Lo mejor de la cinta es el reparto y el esforzado trabajo de unos actores que, pasando de las bobadas que se puedan decir sobre el acento galaico, lo ponen todo de sí mismos en el asador para dar vida a la tragedia de las protagonistas: Raquel (Inma Cuesta) y Viruca (Bárbara Lennie, a quien recién hemos podido disfrutar en todo su esplendor en «Los Renglones Torcidos de Dios», de 2022).

Comparto la idea de que a veces, si no fuera por los subtítulos, se pierde parte de la dicción, cosa imperdonable de nuestros profesionales del cine, cuya formación tiene profundo arraigo en el teatro: