Arranque magistral. Nudo tedioso. Desenlace lamentable; confuso y poco esclarecedor. La película aparenta una cosa, una cosa bastante interesante y sorprendente, y acaba resultando un bodrio previsible, una amalgama de subtramas mal hiladas. Pierde fuerza, y con ella todo sentido, a medida que avanza. Eso sí, interpretación gloriosa de Collette.

Dejarlo todo por amor es un gesto extremadamente romántico. Pero también, un riesgo que no todo el mundo está dispuesto a correr. Puede salir bien o puede ser un completo desastre. Si esto segundo ocurre, nos daremos consecutivos cabezazos contra la pared a modo de autoflagelación moral. Pero, a veces, es necesario dejar que el destino nos golpee la cara hasta dejarnos sentados, para poder ver la oportunidad que nos brinda.

Begin Again es una película que parte de este momento de bajeza absoluta, para llevar a sus protagonistas por el desagradable viaje de aprendizaje que es la vida cuando las cosas no salen como uno esperaba. Una joven compositora, abandonada por la gran estrella de rock en la que se ha convertido su novio, se topa con una vieja gloria del mundo de la producción musical, un hombre deprimido y sumido en la más absoluta desesperación que ha visto en ella ese algo especial. De la pasión que ambos sienten por la música dependerá su futuro.

John Carney ha escrito y dirigido una película preciosa que no habla de la gente que alcanza el éxito en el mundo de la música, sino de los que la aman por encima de todas las cosas, por encima incluso de su propio ser, de su propia dignidad. Está inspirada y dedicada a aquellas personas que conocen su poder transformador, que han sucumbido a su cualidad sanadora. Es un film delicado y tierno, conmovedor y emocionante, que te abraza constantemente y, además, te arranca una carcajada. Siguiendo la estética claramente hipsteriana que tan de moda está, la película evapora un look perfectamente descuidado. Gente real, con diálogos muy cercanos, viviendo situaciones con las que te identificas y todo envuelto por una atmósfera muy acogedora. La dirección de arte es muy acertada y el vestuario de Keira Knightley, absolutamente genial (lo siento, tenía que decirlo). La fotografía es cálida e íntima, algo que invita todavía más al espectador a pasar y quedarse. Tanto la parte visual como la planificación como algunos movimientos de cámara me recordaron a la bellísima Her. Los protagonistas, Knightley y Ruffalo, están increíbles en sus papeles. Ella, dulce, inocente y derrochando frescura y feminidad; él bordando el papel de canalla entrañable que tan bien le sienta. El único PERO llega con la banda sonora que, bajo mi punto de vista, no le hace justicia a la historia. Las canciones son un poco moñas y demasiado similares entre sí, aunque el proyecto musical en el que se embarcan los personajes resulta muy estimulante.

Normalmente en este tipo de películas en las que los protagonistas se enfrentan a situaciones difíciles que deben superar, los finales suelen ser pasteles absolutos. En cambio, Begin again tiene un desenlace sorprendente, un final muy refrescante que reasigna al film un sentido mucho más mágico que el inicial. Y, por supuesto, se impone el amor verdadero: el amor por la música.

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Vivimos en un mundo hiperconectado. Nos quedamos bobos delante de cualquier pantalla y, en cambio, cada vez nos cuesta más mirar a los ojos a la persona que tenemos delante. Somos más reacios a mostrar nuestras emociones que nunca. Y sin embargo, abusamos de los emoticonos cada día. Hemos sustituido la conexión real por la tecnológica. Hemos dejado que las máquinas tomen el control de nuestras vidas, que la inteligencia artificial las gobierne y que los medios de comunicación y el mundo digital se conviertan en las nuevas deidades. No hay duda, hemos sucumbido al progreso.

Transcendence toma este punto de partida tan de actualidad y lo lleva al extremo. ¿Qué pasaría si las maquinas fueran más inteligentes que las mentes que las crean, si se hicieran imparables o si llegáramos a confundirlas con seres humanos? La premisa resulta muy interesante, aunque no original (véase Terminator, por ejemplo). La primera parte de la película engancha, seduce. Los personajes son interesantes, están bien presentados y la trama avanza con soltura. Pero al guionista se le va la olla a Camboya y ya tenemos el cirio montado. Los personajes comienzan a comportarse de un modo inexplicable. La evolución de algunos de ellos es demasiado brusca. La de otros, elíptica. La trama empieza a dar bandazos de un lado a otro sin lógica alguna. Una terrorista que se alía con el gobierno de repente. Un agente del FBI que no se sorprende ante nada de lo que ocurre a su alrededor (y jamás pide refuerzos). Un profesor que nadie sabe qué pinta en todo el tinglado. En fin, un cristo.

La tecnología que aparece en el film, verosímil y actual al principio, se convierte poco después en prácticamente magia. No hay explicación, no hay raciocinio, la ciencia se ha esfumado y la película cada vez se parece más a Fringe pero, por desgracia para ella, sin la soltura y elegancia que aporta J.J. Abrams. Lo atractivo se vuelve inverosímil. La posibilidad, utopía. Y donde había ciencia ficción, ya solo queda ficción. El último tercio del film ya parece más El pueblo de los malditos (aquella escalofriante película del año 95 en la que un grupo de niños poseídos actuaban como demoníacos robots). Transcendence es su versión adulta y ciber. En la recta final, los efectos especiales y la acción aparecen en manada para rescatar un guión pobre y repleto de lagunas.

El film se queda a medio camino entre The East y Her. Lástima que no tenga el calado reivindicativo de la primera ni la belleza, la originalidad y la sensibilidad de la segunda. Se queda en tierra de nadie, sobre todo cuando el desenlace lo acaba cubriendo todo con un moñarrismo de cuidado. Una vez más, la maldad del villano queda justificada y el romanticismo se abre paso en medio del caos. Ya tenemos el pastel terminado. No apto para diabéticos o escépticos como yo.

Si hay un género cinematográfico que me gusta ese es el thriller y más aún si se trata de una enrevesada trama psicológica. Especular, tratar de adivinar, creerse más listo que el guionista. Me encanta. Por otro lado, Isabel Coixet ha conseguido conmoverme con la mayoría de sus películas. Cuando vi el tráiler, me removí en mi butaca. Un thriller de la Coixet. ¡Genial!, pensé. Pero no tardaron en llegarme las primeras críticas negativas. La directora catalana es al cine lo que Lucía Etxebarría a la literatura: o despierta pasiones o un tremendo desprecio. Así que no le di mayor importancia a la mala prensa y me fui a verla más contenta que unas castañuelas. Pobre ilusa…

Para hacer un thriller, para inquietar, para trastornar más allá de la pantalla, es necesario dominar el suspense. Hay que saber jugar con las pistas que se dejan. Las sombras, las luces, las miradas, las palabras justas… Para hacer una película de este calibre hay que tener maestría. Y, desde luego, Isabel Coixet en esta demuestra lo contrario. La trama es floja, absurda e infantil. El film se acerca más a mi primer y adolescente intento de novela que a cualquiera de sus películas anteriores. A los personajes les falta trabajo y fuerza. Los diálogos son predecibles y artificiales. La historia es boba. En nada se parece a la profunda y sensible La vida secreta de las palabras o a la desgarradora Mi vida sin mí. En Mi otro yo todo queda dentro de la pantalla, nada la traspasa. La paranoia de la protagonista no llega a perturbarme. El dolor de la madre no me conmueve ni un poquito. La preocupación del padre es falsa. Y el enredo adolescente queda pequeñito y se va volviendo más absurdo a medida que llega el desenlace. En un thriller, cuanto más enmarañes la trama, más tendrás que desenredar después. Si no sabes volver, mejor no vayas tan lejos.

El juego de los dobles y las personalidades duales se ha tocado hasta hartar. Lo menos que se le pide a un tema manido es una perspectiva o un giro original. Desde luego, la película en cuestión no lo tiene. Por momentos me recordó a El cisne negro y en alguna ocasión a Enemy (cuya crítica escribí aquí hace unos meses); pero ni punto de comparación con ninguna de las dos. La primera es una brillante metáfora de la obsesión por la perfección; la segunda, un laberinto simbólico que profundiza en el sentimiento de culpa. En el film de Coixet tan solo vemos un argumento paranoide poco perturbador, mezclado con el terror sobrenatural más pobretón y con un desenlace que no hace sino terminar de hundir la película. Lo único que salva mínimamente la cinta es la excelente fotografía y el look publicitario en el que la directora se mueve como pez en el agua. Lo demás… Coixet, me gustabas más cuando me hacías llorar.

El que no es escritor no sabe de qué hablo. El que no conoce a uno íntimamente no sabe de qué hablo. El que no lo sufre cada día no sabe de qué hablo. Aislamiento, reflexión, un rico mundo interior, una deficitaria vida social, muchas preguntas por resolver, infinidad de respuestas que analizar… Demasiadas emociones como para no plasmarlas por escrito. Todo escritor (o creador de cualquier tipo) que se precie tiene un punto atormentado. Vive total o temporalmente sumido en la angustia. La oscuridad es su identidad y la soledad su compañera. Todo genio tiene su obra, pero también su extravagancia, su locura y su zozobra. El que no padece la enfermedad de las letras no sabe de qué hablo.

Violette Leduc, protegida de Simone de Beauvoir, era un claro ejemplo del literato descrito. Acomplejada, atormentada por la soledad, visceral. Rota por una infancia difícil y coprotagonista de una conflictiva relación maternofilial, alimentada de carencias y reproches. De Beauvoir, en cambio, era fría, racional, segura, triunfadora y respetada. O al menos así nos lo cuenta la película de Martin Provost. Leduc no pudo sino dejarse deslumbrar por la escritora y filósofa. Entre ellas se estableció una relación distante y compleja, pero llena de confianza, respeto y admiración mutua. Simone sabía del talento de Violette y la empujó incansable hacia su propósito. Y ella, ajena a su propio don, se dejó llevar cual hoja seca en otoño.

Violette es un sincero retrato de una de las escritoras francesas precursoras del feminismo. Profundiza poco en la figura de Simone Beauvoir y en la relación que esta mantiene con la protagonista, al menos desde su punto de vista, desde sus sentimientos hacia esta. La película concentra sus energías en Violette. Cómo vivió, cómo sintió y cómo escribió la primera autora en hablar de temas tabú como, por ejemplo, el lesbianismo. Es un relato bello, pausado y minucioso; no apto para impacientes, idóneo para amantes de la literatura. La trama se desliza a través de sus personajes de forma poética, al mismo ritmo que un escritor tarda en parir un gran texto. No esperéis un desarrollo rápido y fácil. Pero el desenlace vale la espera. Salí del cine con unas ganas horribles de escribir, de dejarlo todo, de comprarme una casita en la Provenza y ensuciar cuadernos al atardecer hasta quedar exhausta. Y que le den al mundo.
Violette, una historia que narra la soledad del artista, la incomprensión, la complejidad de su ser. Pero un grito de esperanza también. Porque por muy aislado que se sienta un escritor, jamás estará solo, pues siempre le quedarán tinta, papel y palabras. Pero el que no vive de las letras no sabe de qué hablo.

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