Monumental obra maestra, plena de hondura y destreza, maravillosa tanto en su forma como en su fondo. El Japón del año 1950 le sirve al maestro Ozu para exponer las muchas capas y texturas que adornan y caracterizan al ser humano, sea de donde sea.

En la historia de dos hermanas durante la posguerra y protectorado norteamericano encontramos descrito con calma y trazo fino lo universal del amor, de la familia, del dolor, del sufrimiento y de la esperanza. La historia entre la mayor de ellas y un apasionado de las antigüedades viajado por Europa desprende ternura y delicadeza. Todas las relaciones humanas se entrelazan, transportándonos al país nipón, aunque nunca hayamos viajado. La humanidad y generosidad del padre de las dos protagonistas atraviesa el corazón y nos hace sonreir.

En Ozu atisbamos la precisa escritura del gran Natsume Soseki, pero también los planos más icónicos de la inolvidable Deseando amar de Wong Kar Wai. Son tantos los momentos que emocionan, que resulta imposible quedarse con uno solo.

Como en "El caminante", una de las obras maestras del añorado Jiro Taniguchi, Hirayama pasea, descansa bajo un árbol, observa, fotografía y se dedica a sus quehaceres diarios, en una sucesión de estampas de su vida cotidiana que constituyen un ukiyo-e de nuestro tiempo. La maestría desacomplejada con que se nos muestra es mérito de un director europeo, que capta con precisión milimétrica el pulso de otro gran maestro como fue Yasujiro Ozu.

Es valiente mostrar en qué consiste la vida y motivación de este hombre de mediana edad, sin escatimar en planos aparentemente repetitivos y que, junto con una extraordinaria colección de canciones, son el hilo conductor de todo el relato.

En un cine cada vez más intrincado, es un verdadero placer comprobar cómo las cosas pueden hacerse de otra forma. Vemos al protagonista y vemos un reflejo de lo que puede ser la vida si tenemos la suerte de poder dar un paso a un lado y sentarnos a observar.

Una de las mejores películas del año y una obra destinada a perdurar entre los clásicos del cine japonés.

Desde el magnífico primer plano del nacimiento entre la hierba, la cámara de Colm Bairéad flota en el espacio y se posa, silenciosa, en los más recónditos lugares que habitan los tres protagonistas.

Estamos en el verano de 1981, en una parte de la Irlanda más frondosa, y lo que vemos discurrir es la vida imaginada. Como si de una pintura de Hammershoi se tratara, los lugares vacíos están cargados de simbolismo y significado. La textura de un papel pintado de una habitación infantil, el furtivo abrazo de un matrimonio de mediana edad, una galleta dejada encima de la mesa, una caricia, una sonrisa y decenas de imágenes delicadamente filmadas. Todas ellas construyen el sustrato sentimental de esta honda historia.

La niña protagonista y su pasajera madre destilan vida y llenan la pantalla de belleza y expresividad. Detrás de cada minuto que la pequeña pasa con su padre de acogida hay tanto pasado, que la emoción envuelve al espectador que les observa.

No solo es la mejor película del año, sino también un homenaje a todas esas vidas que nos gustaría vivir pero que nunca viviremos.

Ejemplo perfecto de lo que viene siendo el cine de Amenábar, con caras conocidas, producción lujosa, guiones artificiosos y ninguna chispa, la serie desprende desde el inicio un inconfundible tufillo a progresía y corrección política.
Una pena desperdiciar una historia interesante, que daba para mucho y se queda en nada. Olvidable por completo, en cada capítulo languidece y aburre.

José Luis Garci deconstruye y destruye, desde los cimientos a la techumbre, todo lo que en los años ochenta consiguió con aquellas dos fantásticas películas que fueron el Crack y el Crack 2. Podemos ver cómo donde entonces había negrura y verdad, hoy solo encontramos artificio y retales que huelen a naftalina. Aquello que hace cuatro décadas rezumaba espontaneidad y aroma, hoy únicamente destila diálogos acartonados y exceso de declamación. Las relaciones y personajes que en las dos primeras películas atrapaban al espectador en una nebulosa de pesar y esperanza, hoy son la nada misma hecha cine de interiores.

Ni Carlos Santos es Germán Areta ni nada hay que se acerque a aquella fantástica María Casanova que nos ofrecían las obras primigenias. Las conversaciones que escuchamos en este preludio no tienen ni el poso ni la gracia de sus anteriores y resultan forzadas y, unas cuantas, hasta ridículas. ¿Quién podría pensar en el gran Areta hablando tontamente de perfumes?

Garci vuelve a cometer exactamente los mismos errores que en todos sus últimos filmes y vuelca su nostalgia en una película que debería haber sido otra cosa. El director habla a través de sus personajes y eso la condena a ser un simple vehículo de frases y reflexiones que suenan impostadas.

Se salva la eterna música de Jesús Glück, el material de exteriores que se rodó para las anteriores obras y el tono que Miguel Ángel Muñoz le da a su "Moro". También alguna escena de Luisa Gavasa.
Y, desde el primer al último minuto, machacona y constantemente, se echa de menos al Areta que, tan sabia y duramente, construyeron Landa y Garci en el año 81.