Un poquillo de contexto. A finales de los 40s comienza la fase de más intensa actividad de la HUAC (House of Un-American Activities), comisión del legislativo dedicada en teoría a la actividad anti-comunista, pero en realidad más guiada por las necesidades de relaciones públicas de los políticos que se incluyeron en su seno que por una verdadera preocupación por la subversión anti-americana. El caso es que en un principio la industria del cine se vino arriba y los famosos Hollywood Ten, entre los que se encuentra Eduardo Dmytryk, se negaron a testificar en sesión abierta, lo que supuso la amenaza de acabar en el trullo. Ante esta tesitura el ucraniano (nacionalizado americano en 1931) decide largarse al Reino Únido, dónde factura dos pelis, Obsession (aka Hidden Room) y esta Give Us this Day (aka Salt to the Devil, aka Christ in Concrete) antes de que se le acabe el visado y se tenga que volver a los EEUU, dónde le esperan varios meses de cárcel por desacato en la mencionada comisión, encierro que finalizará cuándo acabe testificando y chivando nombres. O sea, humillándose ante la comisión, que evidentemente ya sabía que miembros de Hollywood eran simpatizantes del comunismo o de algunas de sus ideas.

Y que sale de este combinación. Pues una historia dentro del contexto de los obreros de la construcción del New York de entreguerras (¡que tiempos cuándo los albañiles no votaban a las derechas!) que se quiere parecer al neo-realismo italiano de la época, pero que en un análisis estructuralista, más parece ser una respuesta marxista-nihilista al "progresismo" (es decir, conservadurismo anti-elitista y/o populista) de Que Bello Es Vivir. De lo que le mola a la cinefilia (puesta en escena, actuaciones y todas esas zarandajas que sin una buena historia se pueden meter por salva sea su parte, sí, te estoy hablando a tí, The Razor's Edge), pues destacar las actuaciones de todo cristo, varias escenas de raigambre noir y el desenlace de la peli, que aún hoy daría el pego visualmente. En el debe, una falta de sutileza generalizada, algo que también comparte con Capra, si.

Xaime Vaichea ha quedado para la posteridad como uno de los grandes artífices del cine de terror de la Universal gracias al tridente que todos tenéis en cabeza. No empero, su carrera abarcó muchos géneros, incluído el musical, con la sobresaliente Magnolia (Show Boat), una de las mejores cintas del estílo de toda la historia, o el drama, en el que triunfó con la versión original de Waterloo Bridge antes de contarnos las vicisitudes de la familia Francostein. Y dentro de la coctelería que era la Universal de la época (más de trescientos empleados de la firma eran familiares de Carl Laemme, disque), a nuestro héroe le cayeron encargos de lo más variopinto, incluida esta comedia de enredo con origen en una obra de teatro vienesa (que tiempos cuándo Viena era una de la ciudades más culturalmente relevantes del continente). La cinta la había comenzado a rodar Robert Wyler, primo segundo de Carlos Lameme, pero su, dicen, impericia, provocó que le pasasen el trabajo a un Vaichea que estaba negociando con Paramount por aquel entonces, y que aprovechó para conseguir créditos como productor en sus posteriores pelis

Pero al grano. La cosa va de un ayuda de cámara - navaja Suíza (Paul Lukas, Oscar en el 43) de un príncipe - playboy - gigoló (Nils Asther) al que presta inmensurables pero rutinarios servicios. Lukas está obsesionado con camelarse a una dama de la alta suciedad esa, y en un viaje haciendo de avanzadilla de su amo conoce a Elissa Landi, la respuesta a sus anhelos en forma de actriz italiana de esas de en el frasco pequeño está la buena confitura. La trama, pues previsible, para que engañarse. Son las actuaciones y algún que otro truquete de narración pillado del gran Ernesto Lubinas lo que me ha llevado a chantarle un, lo reconozco, exagerado 7.

Cómo le gusta a Jolibú mostrar los intríngulis de la profesión actoral, virgen santa. Nada malo en ello, han salido muy buenas películas de la obsesión con mirarse el ombligo por parte de sus más visibles representantes, pero hay que ser muy sutil para hacer una peli seria sobre el asunto y que la cosa no acabe apolillada, cómo, a pesar de sus intentos de refrescar la formula metiendo elementos de neorrealismo en la trama, en el ejemplo de hoy. De nada sirve forzar las referencias al macartismo o presentar personajes de impacto como el de MacLaine, sí solo lo haces de pasada o te falta el pulso necesario para que la hermana de Guarro Beatty no parezca una caricatura un tanto pomposa (de la típica "sister" en la que quisieron encasillarla al principio de su carrera), mal este que, en realidad, aqueja todo el conjunto.

A pesar de ello, la peli cuenta con cosillas lo suficientemente interesantes cómo para recomendarla a todos los que, por hartazgo de las obras más sobrevaloradas del estado de California, nos gusta rascar en el fondo del bote de mermelada a ver si se puede sacar algo. En este caso: unas esforzadas actuaciones de la dupla Franciosa/Carolyn Jones; unas cuantas escenas con el suficiente gancho cómo para despertarlo a uno del sopor de unos diálogos, en general, con muy poco gancho; unos cuantos secundarios disfrutando de escenas de esas que pocas veces se les presentaban, cómo por ejemplo Robert Middleton en un papel de impacto de los buenos.

A esta cinta se llegará, en casi todos los casos, por mediación de la Banda Sonora que los Kinks grabaron para la misma. Disco prescindible, pero que incluye una de las mejores tonadas de Rayo David, la inicial God's Children, un tema tristón y colérico, muy propio de esa etapa de su autor, que se encontraba al borde de una de sus recurrentes depresiones. Pues bien, que sepan los fans del grupo que el tono de la película nada tiene que ver con el de la música: nos encontramos ante una comedia que pretende arrancarnos una sonrisa por cualquier medio y a cualquier coste, no ante un drama intimista, maduro y reflexivo cómo pueden sugerir los temas incluidos en Percy. Quizás hubiese sido mejor que fuese un drama intimista, maduro y reflexivo, eso si, pero esto es una astracanada, que de vez en cuándo te mete algún gag de cierto mérito, si, pero que se ha quedado muy anticuada y a la que le faltan más desnudos.

Segunda cinta dirigida por Mario Soldati, punto de inflexión en la carrera de Alida Valli y, por lo visto, uno de los mayores éxitos cinematográficos de la Italia fascista, Tiempos Pasados se muestra hoy cómo un entretenido folletín, cuyas similitudes con Gone with the Wind (ambos son adaptación de libros románticos y archiconocidos ambientados en las épocas más decisivas de sus respectivos países) quizás hayan distorsionado un tanto su relevancia.

En todo caso, la cinta cuenta con varios puntos que resultan atractivos incluso 80 años después de su realización, especialmente el trabajo actoral en general, y del trío protagónico (Valli, Serato, Dondini) en particular. También destacar el esfuerzo de producción, con una ambientación de época ejemplar y un muy buen uso de las localizaciones, especialmente del lago de Lugano (al que Soldati volvería un par de años después para rodar Malombra, otra adaptación de Antonio Fogazzaro, cinta menos lograda que la que nos ocupa).

En el debe, una cierta tendencia a la reiteración de motivos que aminoran la marcha de la historia, que avanza un tanto a empellones, especialmente en su tramo final. A mayores, la cinta está claramente dirigida a un publico que conoce los hechos de fondo, ergo, los espectadores no italianos podemos perdernos fácilmente si no conocemos los intríngulis del resorgimento, cómo por ejemplo el papel que jugó Camillo Benso, conde de Cavour, o la división del territorio transalpino entre zonas de influencia de las potencias europeas del XIX.