Adaptar un clásico siempre conlleva asumir ciertos riesgos. Y más si ese clásico pertenece a la pluma de Federico García Lorca. Paula Ortiz, en su segundo largo tras la cámara, ha decidido encararse a las adversidades que contiene un texto como, nada menos, el de "Bodas de sangre". Y ante la disyuntiva de afrontar su traslado al formato cinematográfico, la aragonesa ha apostado por desvincular su adaptación de las más clásicas y teatrales, también más esperables y acomodaticias, formas en las que se suele llevar al cine el teatro nacional.

Doble riesgo, por tanto, el de la directora que, no sólo se las tiene que ver con la lírica y el hondo subtexto que yace en los versos de Lorca, sino que además ha visto en tremendo material, ocasión más que favorable para asentar un atisbo de 'estilo' en su labor de directora. No se le puede negar cierto 'toque' personal o, por lo menos, cierta intención/ambición autoral, pero lo que, desde luego, deja claro "La Novia" es que a Ortiz le pueden sus ansias de desmarcarse del camino trazado y que, precisamente por alejar a su criatura de lo trillado, acaba triturándola en un indeleble desierto de esteticista nadería.

Toda la fuerza y la desazón de la obra original, por no hablar de su simbolismo trágico, desaparecen en esta adaptación por culpa de la constante y pesarosa insistencia de su directora en construir una atmósfera fílmica a base de efectismos visuales y sonoros, una opción más acorde con el lenguaje publicitario que con el cinematográfico, lo que convierte a los personajes de Lorca en insustanciales marionetas al servicio de un discurso inconexo, donde hasta la puesta en escena ideada para la ocasión desvela su artificio, repercutiendo en la inverosimilitud del conjunto, que se revela incapaz de eludir la más plana teatralidad, por mucho que Ortiz se empeñe en alejarla de su matriz originaria con edulcorados y ensimismados ornamentos.

En definitiva, "La Novia" parece más apta para seguidores de la MTV que para adeptos al dramaturgo y poeta granadino. No está mal pensado, teniendo en cuenta los derroteros de la cultura española en los últimos tiempos. Puede que, en opinión de algunos, la película "La Novia" sea una propuesta modernizadora de un clásico. Puede. Eso está bien para los consumidores de la omnipresente "cultura de masas". Para mi, "La Novia" representa simplemente lo que es: una mala y desvirtuada adaptación de una obra magistral.

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Ayer se inauguraba también, con bastante expectación, Zonazine. La sección paralela por antonomasia del certamen, también competitiva, tiene programados seis títulos sacados de lo más jugoso que el cine independiente o directamente low cost nos tiene reservado para este 2014. La encargada de abrir fuego fue Todo parecía perfecto, con la que debuta en el largo el habitual cortometrajista Alejo Levis. Decir que Zonazine otorga al crítico razones más que suficientes como para preferirla en muchas ocasiones a la Sección Oficial es decir mucho, pero lo que sí ha demostrado Zonazine a lo largo de su historia es la de poseer el acierto para programar títulos de ambiciones y usos del todo diferenciados al cine para el gran público. Una prueba de ello la ha supuesto Todo parecía perfecto, cuyo quid lo encontramos en la frase que la cierra, que venía a decir algo así como que ‘no hay que entenderlo siempre todo’. Y es que, sólo con esta máxima en la cabeza, ha de enfrentarse un espectador de a pie al visionado de esta curiosa y exquisita ópera prima.

Tras un arranque en verdad subyugante, donde no es difícil reconocer la influencia del cine más representativo de Jean-Pierre Jeunet (por la peculiar atmósfera que transpira, por su colorista y candorosa fotografía, por la enigmática irrealidad de lo que nos cuenta), Levis logra dar forma a un film dividido en cuatro capítulos de tono y alcance distintos, donde se disimulan de manera notable las carencias presupuestarias alcanzando un acabado formal ciertamente admirable y que podría pasar por una entrañable y cursi historia de amor entre un joven científico y la chica de sus sueños (perfectos ambos, irresistiblemente encantador él, Jordi Rico, agriamente pragmática ella, Andrea Trepat), si no fuera porque la recorre de principio a fin una desazón incómoda, como aquella que se nos queda en el cuerpo tras despertar bruscamente de un mal sueño. Creemos que la comparación no está cogida por pinzas y es que Todo parecía perfecto viene a ser un sugestivo puzzle sin lógica alguna, la misma que encierran los sueños. Por ello, es recomendable acercarse a ella libre de prejuicios, con el razocinio emocional fuera de juego y las leyes de la narrativa clásica cinematográfica encerradas en un arcón.

A escondidas, debut en la dirección de largometrajes de Mikel Rueda, una película pequeña y de embalaje sencillo y funcional que ha levantado numerosas adhesiones entre la crítica especializada, que ya la cuentan también entre las favoritas a premio en esta edición. Esta historia de flechazo homosexual entre dos adolescentes, uno español y otro inmigrante marroquí, trata de apartarse de los tan manidos lugares comunes sondeados por tantos dramas de idéntica o parecida temática, para contar libre de prejuicios el nacimiento del amor en el momento de nuestras vidas en el que más puro, más cándido y más irreflexivo, menos condicionado es. Sin embargo, y a pesar de un arranque en verdad prometedor, donde en montaje asincrónico vamos descubriendo los pormenores de esa atracción mutua que se establece entre los dos protagonistas, la cinta se trunca en su tercio final.

Lo que había comenzado con un interesante planteamiento, que lograba salvar (a veces in extremis) las convenciones establecidas, se tuerce cuando el guión deja de poner el foco en la mutua atracción que une a los protagonistas y dota de importancia al conflicto dramático llamado a condicionar y dotarle de dimensiones trágicas a la pareja. Y no porque tal conflicto esté mal planteado, al contrario: la verosimilitud al respecto cobra en A escondidas un alto nivel de ejecución; sino porque la brillantez de su inicio desemboca en situaciones forzadas y un tanto raquíticas en lo que a la relación de los dos chavales se refiere. Los buenos diálogos del principio se transforman entonces en frases de manual y el naturalismo, tan caro de conseguir, de sus actores debutantes se convierte en impostura al final, cuando los intérpretes han de lidiar con secuencias y situaciones, quizás, algo alejadas de sus propias vivencias personales y en las que se percibe de forma molestamente evidente el coach al que han sido sometidos para su correcta ejecución. Las presencias en papeles de colaboración de los siempre eficaces Álex Angulo y Ana Wagener otorga cierta dignidad al producto final.

A pesar del presumible éxito que le podría deparar a Carmina y amén en el certamen, hemos de confesar no encontrarnos en el grupo de fieles defensores del film y es que, aún reconociéndole virtudes aisladas, la cinta se nos presenta un tanto irregular. Con algún que otro gag ciertamente memorable (el que hace referencia a Lady Gaga es de traca, sin duda), esta secuela vuelve a sostenerse sobre el carisma irreductible de su personaje central, pero esta vez León opta por dotarlo de una amargura y hondura que claman por el estremecimiento del espectador, queriendo conquistarlo ya no sólo en las risas, sino también en la emoción. Lo consigue por momentos, incluso le propicia a su cinta un final absolutamente esperanzador, un desvergonzado ‘canto a la vida’. El problema nace en la conjunción de la vertiente casposa que reinaba en la primera película con esta inesperada introspección en el drama. Y es que si el personaje central resulta asumible por igual en sus dos caras, la grotesca y la trágica, no sucede lo mismo con el desarrollo de Carmina y amén.

El chascarrillo parece estar insertado sólo para contentar a los fans de la primera entrega, dilatando en exceso y sin motivo una trama que pedía a gritos algo más de cohesión y no sólo la que propicia la inabarcable presencia de Carmina. Por momentos, algunos pasajes del film parecen sketches independientes, más propios de un late night televisivo que de un producto cinematográfico, algo que al espectador que no casara a la perfección con el planteamiento de Carmina o revienta le llevará irremisiblemente a abrigar la pesadez, por la incontenible sensación de que Carmina y amén dura más de lo que era necesario. No obstante, a pesar de la evidente pérdida de frescura ocasionada por la mayor amplitud de medios, es de alabar en la cinta su apuesta frontal por huir del escatologismo vulgar que poblaba la primera y matizar, madurar, los gags adentrando toda la peripecia en un sano por irreverente humor negro. Algo que, junto a las entonadísimas interpretaciones de sus actrices (Carmina Barrios y María León principalmente, pero también algunas secundarias), se debe contar como la gran virtud de Carmina y amén.

El entusiasmo que despertó ayer la Sección Oficial tenía que verse empañado sí o sí en Zonazine. Como dice el refrán: nada es perfecto. Tras los buenos augurios del sábado en la sección paralela, el domingo le tocaba el turno a la presentación de La cueva, film adscrito al fantástico que ya pudo verse en el Festival de Sitges y que llegaba a Málaga suscitando bastantes expectativas. Pero esta historia de cinco amigos que, durante unas vacaciones en una isla, encuentra una cueva y deciden explorarla quedando atrapados, perdidos, desorientados, en su interior ya la habíamos visto antes. Dirigida por Alfredo Montero, la cinta quiere provocar miedo a través del empleo del ya, por desgracia, muy manido punto de vista subjetivo. Y es que, a estas alturas, tras éxitos del calibre de la saga [REC] o de El proyecto de la bruja de Blair (The Blair Bitch Project) (1999), de Daniel Myrick y Eduardo Sánchez, sorprende y asusta ya muy poco una película que supedita su sensación de miedo al uso de la cámara al hombro, lo que podría servir de indicio a pensar en el agotamiento de la fórmula.

La cueva no da miedo, logra generar un clima agobiante y descorazonador, salpicado de momentos de angustia, claustrofobia e instantes aislados de tensión, pero todo ello es más producto de la confusión que genera su aparato formal que de una puesta en escena plenamente trabajada. De hecho, es tanta la dependencia que el alcance final del film tiene del empleo de la cámara subjetiva que son muchas las dudas que nos asaltan sobre si sin tal recurso la historia hubiera podido funcionar. Y la certeza llega en el epílogo, cuando se abandona lo subjetivo por un punto de vista objetivo y toda la intencionalidad enfermiza que transpiraba la película desaparece, con un final complaciente y del todo innecesario. Una lástima, porque el estudio de comportamientos al que se prestaba la premisa del film podía haber generado una película demoledora, algo que La cueva sólo consigue ser en momentos aislados.