Notas Sobre un Verano profundiza en la pasión, el amor y la culpa, siendo un melodrama romántico con trasfondo social y un enfoque muy realista, humano y natural, puesto que ahonda en la difícil situación económica y laboral que actualmente sufren los jóvenes en España desde un prisma crudo, cercano y profundo; pero también desgrana las costumbres sociales y los deseos particulares que nunca nos atrevemos a cumplir, por miedo a destinos inciertos o por aspirar a metas que nunca podrán alcanzarse. Una cinta directa y sencilla, que sabe transmitir mucho con muy poco, en gran medida gracias a una ágil dirección y a su gran puesta en escena, pero también debido a una pareja protagonista en estado de gracia; confiando para ello el director en la gran química existente entre Katia Borlado y Álvaro Quintana, que vuelven a coincidir en escena después de compartir tablas en La Joven Compañía.

Eduardo Quintana
Cinemascomics

Ya hemos podido ver la última película de Craig Gillespie (director de la multipremiada Yo, Tonya), a partir de un guion de Dana Fox y Tony McNamara, con historia de Aline Brosh McKenna, Kelly Marcel y Steve Zissis.

Después de triunfar con Yo, Tonya, el listón estaba muy alto, pero se repiten ciertos patrones respecto a su anterior película. Y no solo nos referimos a la voz en off y a los flashbacks, sino también a la coincidencia de que una actriz secundaria (Allison Janney en Yo, Tonya y Emma Thompson en ‘Cruella’, consigan eclipsar a la protagonista) y que un actor de reparto (Paul Walter Hauser en ambas cintas) logre robar escenas a intérpretes de más popularidad y prestigio.

Nos encontramos con una nueva versión, en clave de comedia y funcionando como spin-off precuela de la cinta de animación 101 Dálmatas, del clásico de Disney, narrado en esta ocasión desde el punto de vista de la malvada Cruella de Vil, como una joven estafadora, una chica inteligente y creativa decidida a hacerse un nombre con sus diseños, que los emplea en sus robos y estafas, en el Londres de los años 70, en plena revolución punk rock.

A pesar de que los focos estaban centrados en Emma Stone, y ver su evolución desde la dulce Estella hasta la vengativa Cruella, sin embargo la veterana actriz Emma Thompson es lo mejor de la película, que se cree la reina de la película y luce más y mejor que nadie. Cada aparición de la Baronesa es un regalo para el espectador, que nos puede recordar a Meryl Streep como Miranda Priestly en ‘El diablo viste de Prada’. Sin desmerecer a la actriz protagonista, que también ofrece una buena actuación (aunque no sea la mejor de su carrera), es la propia Thompson y Paul Walter Hauser quienes más quieren los focos para sí, protagonizando las mejores secuencias de la película (sin contar las escenas fruto de trampantojos y conveniencias de un guion muy mejorable, y más teniendo en cuenta que ha pasado por cinco personas).

Mientras tanto, destaca la actuación revelación de John McCrea (‘Giri/Haji: Deber/Deshonor’), construyendo el personaje de Artie como si fuera la viva imagen de David Bowie, y que promete que sus actuaciones en futuras producciones darán mucho de qué hablar. Por otro lado, las planas actuaciones de Joel Fry y Mark Strong desmerecen el resultado final, donde especialmente este último parece que simplemente acudió a por el cheque (aunque también puede ser que los tijeretazos de un montaje al que se le ven las costuras hayan provocado que haya visto suprimidas sus mejores escenas).

Pero si hay algo que también merece una digna mención es el vestuario, la diseñadora Jenny Beavan demuestra poseer muchísimo talento, llevando al espectador a un mundo único de colores y formas, con vestidos y peinados imposibles y muy originales, mostrando una gran variedad de diseños, desde los sobrios y elegantes de la colección de la Baronesa, hasta las piezas desenfadadas y rompedoras que propone Cruella en sus apariciones públicas.

En cuanto a la película en sí, la historia entretiene, siendo más gamberra que la versión animada de Disney, aunque tampoco arriesga tanto como se hubiera esperado. Tiene escenas interesantes, pero también adolece de un metraje excesivamente largo (2 horas y 14 minutos de duración) y de un montaje y trama que no arriesgan nada; donde un desarrollo de la historia que va de menos a más empieza realmente a despegar cuando Cruella hace su aparición, especialmente cuando ésta comienza a retar públicamente a la Baronesa. Hasta entonces, la película introduce al espectador en un letargo del que solo momentos esporádicos le consiguen espabilar; sin olvidarnos de un par de secuencias que a pesar de las triquiñuelas, conveniencias de guion y licencias artísticas, permiten que se luzca la protagonista del cuento. Visto en perspectiva con el producto final, las escenas de Cruella de niña aportan poco a la película, especialmente las del colegio; donde solo sirve para alargar el metraje.

El resultado es un producto aceptable y entretenido, mejor que otras producciones como la versión de acción real de la Cenicienta, pero lejos de otras recreaciones como El Libro de la Selva o la propia Maléfica, que fue la cinta que abrió la veda en cuanto a adaptaciones de cuentos de Disney desde el punto de vista de la antagonista. Eso sí, encontraremos multitud de referencias y chistes en relación a la cinta animada ‘101 Dálmatas’ de 1961 y a la adaptación en carne y hueso protagonizada por Glenn Close en 1996; así como una escena a mitad de los créditos finales que conecta directamente con la cinta original (no esperéis segunda escena postcréditos, al estilo Marvel, ni tampoco que aparezca Nick Fury para darle la bienvenida al equipo Vengadores).

Curiosamente, uno de los mejores aspectos de la película es su cuidada banda sonora, repletos de temas punk y rock de los años 70, destacando en concreto la acertada elección de ‘Sympathy for the Devil’ de los Rolling Stone cuando Cruella hace su gran escena final.

Nota: 6 sobre 10.

Síguenos en Twitter: @cinemascomics y @EduQuintana16

La serie de Olivier Marchal es un relato distópico y futurista que presenta un mundo rebosante de violencia, miseria y una sociedad decadente y autodestructiva. Sin un futuro claro, salvo para los más ricos y poderosos, el mundo diseñado por Sección Zero es crudo, salvaje y sin un ápice de compasión. Con un argumento que recoge detalles de sagas cinematográficas y literarias como Los Juegos del Hambre o Divergente, la historia nos representa un cambio social y estructural demasiado avanzado como para poder ambientarse tan sólo 8 años en el futuro; habiendo sido más acertado situarlo más allá del año 2040, para que diese tiempo no sólo a terminar la supuesta Tercera Guerra Mundial, sino para reubicar la sociedad y construir estas megaciudades divididas en tres secciones diferenciadas, separando a la clase alta, media y baja.

Pero más allá de este error en el contexto histórico, así como de otros detalles sin tanta importancia, la serie se sitúa como un producto interesante, de gran factura técnica y artística, y más teniendo en cuenta de que se trata de una serie francesa, sin el presupuesto de las películas de Hollywood, otorgando mayor mérito al trabajo realizado por Olivier Marchal (Braquo).

Síguenos en Twitter: @EduQuintana16 y @cinemascomics

Nos encontramos ante la película más esperada del año, la que espera batir todos los récords y en la que las expectativas de los fans no pueden estar más altas. ¿Está a la altura? Por supuesto que sí, porque no hay duda que a pesar del férreo control que pone Disney a sus proyectos, ha dejado trabajar a J.J. Abrams, con más o menor libertad, pero el sello del creador de Perdidos y encargado de resucitar la franquicia Star Trek está presente durante todo el metraje, y se agradece enormemente.

Una vez aclarado este aspecto, es inevitable asegurar que El Despertar de la Fuerza está claramente a la altura de la trilogía original, y no sólo por recuperar el reparto original, sino también porque bebe de la estructura básica de Star Wars IV: Una Nueva Esperanza, siguiendo tan al pie de la letra los pasos seguidos por aquélla que casi parece un remake impuro y adaptado de ésta (explicar todas las coincidencias obligaría a revelar grandes spoilers). Otro gran pego de la cinta es la ausencia del casi siempre poderoso y onmipresente compositor John Williams, más preocupado en esta ocasión de recuperar o reinterpretar los temas clásicos de la saga que en aportar nuevas y pegadizas melodías. Esto no quiere decir que desentone, pero sí es cierto que se echa en falta más frescura en la banda sonora instrumental.

Y hasta aquí los "puntos negros" de esta obra que funciona como un reloj, con una dirección brillante y vibrante que consigue mantener en tensión al espectador durante sus más de dos horas. Además, aunque te hayas dejado empapar por sus cientos de rumores y spoilers, hay muchos que no eran acertados y otros que no evitan que aún la película mantenga sorpresas y momentos épicos para todos los fans de la saga y neófitos de la obra creada hace cuarenta años por George Lucas.

De esta forma, Star Wars ha vuelto, y lo hace con fuerza, nunca mejor dicho, porque esta entrega es el primer episodio de una nueva trilogía que promete horas de diversión y que con pildoras nos irá reubicando en esta galaxia 30 años más vieja, pero que en las manos adecuadas ha sabido resurgir para crecer más, con un reparto lleno de talentos y con continuas referencias a las anteriores entregas, pero también infinidad de oportunidades de nuevas aventuras, personajes poderosos y atractivos que consiguen hacernos olvidar anteriores errores patosos o innecesarios, como Jar Jar Binks.

Así las cosas, J.J. Abrams nos regala una película adulta, seria, sin esos momentos ridículos con los que George Lucas intentaba ganarse el afecto de los pequeños de la casa, carburando todo gracias a un guión repleto de sorpresas, referencias y promesas y de un reparto en el que todos conocen su papel, aunque la mayoría simplemente han sido presentados para las siguientes entregas.

En resumen, Star Wars VII: El Despertar de la Fuerza es puro espectáculo y no decepcionará a los fans de la trilogía original, porque recupera lo mejor de ésta y explora nuevos horizontes, más espectaculares y adultos, que nos prometen acción, aventura y muchas sorpresas; porque esto acaba de empezar, otra vez, siendo ésta tan sólo una piedra que asienta las bases de este rico universo.

Si bien Los Vengadores sirvió para juntar todas las piezas de la Fase 1 y darle sentido y coherencia a este universo cinematográfico compartido, Vengadores: La era de Ultrón es sólo una parte más del engranaje, que ni siquiera cierra la Fase 2 (lo hará Ant-Man en agosto). Así pues, la gran reunión de los héroes más poderosos de la Tierra consigue quitarse sobrepeso y ser menos trascendente, ayudándole a ser más una pieza clave en el devenir del universo Marvel que un verdadero punto de inflexión, como ocurrió con la primera entrega.

De esta forma, Joss Whedon nos presenta una historia más oscura y madura, en la que no necesita presentar a cada uno de sus personajes como ocurrió en la primera parte, por lo que la acción transcurre desde el primer minuto. Sin embargo, esta ventaja de ahorrar la reubicación de los superhéroes también tiene sus inconvenientes, puesto que los Vengadores funcionan como un grupo sólido y que ya han afrontado muchas misiones juntos, con nuevos trajes diseñados por Tony Stark y con sus propias reglas y mecanismos de actuación, pero, ¿cuándo ha ocurrido esto?

Así pues, Joss Whedon, quizás, da demasiadas cosas por sentado (a lo mejor debido a que tuvo que reducir el metraje, contándose mejor en las escenas suprimidas del montaje final), dejando muchas incógnitas en el espectador que no se explican en el desarrollo de la trama. Como es el caso de Tony Stark, que vuelve a ser Iron Man tras destruir todos sus trajes en el final de Iron Man 3, no se habla de su situación en el resto de la Fase 2 y reaparece como Iron Man sin mediar la mínima explicación.

Dicho esto, Whedon consigue imprimirle un aire diferente a esta aventura, con muchas lecturas posibles, puesto que si se analizan con detalle muchos gestos, diálogos y situaciones, se pueden llegar a adivinar el futuro de este universo, puesto que Vengadores: La era de Ultrón es una película clave, pero es también un hilo conductor al futuro de los superhéores y la primera piedra de lo que ocurrirá en Capitán América: Civil War.

Junto a esto, la cinta también sabe presentar de forma coherente y realista las motivaciones de los personajes, especialmente los nuevos, así como la evolución de los miembros del equipo Vengadores. Respecto a los villanos, nos encontramos ante un Ultrón con objetivos perversos, pero también es irónico y juguetón, con una voz maquiavélica que sólo James Spader habría sabido impregnarle. Así pues, tenemos un villano sólido, divertido y carismático, con más profundidad que los supervillanos del género. Además, tenemos la presentación de los gemelos Maximoff, llamados también Mejorados, sujetos de los experimentos de Hydra, que aportarán más de una sorpresa, y no sólo por sus fantásticos poderes.

Respecto a los superhéroes, cabe destacar especialmente la evolución de Bruce Banner y Viuda Negra, aunque realmente todos bordan sus papeles, siendo todavía más conscientes de sus propios roles en el súpergrupo. Por tanto, tampoco podemos olvidarnos de la inconmensurable labor de Robert Downey Jr. y Chris Evans en sus papeles que empiezan a enfrentarse, por no hablar de un Thor que sigue desentonando con las costumbres terrícolas. Por tanto, se siembra una base sólida para la guerra civil que está por llegar.

Por otro lado, la cinta consigue dosificar la acción con grandes dosis de humor y drama, por lo que los espectadores no se sentirán abrumados por tanta explosión. Así, hay escenas divertidas, piques entre superhéroes y mucha acción espectacular, aunque poco queda que no se haya mostrado ya en sus innumerables trailers.

En resumen, nos encontramos con otra gran película de Marvel Studios, que sigue sin dejar de apretar el acelerador en sus producciones, siempre aspirando a más, con más aventuras, mucho humor y cientos de referencias para los fans acérrimos y los neófitos.

Sin embargo, esta cinta, sin quitarle ningún mérito a la gran ejecución realizada por Joss Whedon, no deja el mismo poso que el conseguido por Los Vengadores hace 3 años, y tampoco despierta gran interés su escena a mitad de los créditos (que resultaba evidente, sin grandes sorpresas de cara a la Fase 3 del estudio).

Síguenos en @AlfaBetaJuega y @EduQuintana16