Se estrenó hace pocas semanas el último largometraje coescrito y dirigido por Alice Rohrwacher tras el cortometraje “Le pupille”. Todos tenemos una quimera, algo que deseamos hacer, tener, pero que nunca encontramos. Para la banda de 'tombaroli', los ladrones de antiguas tumbas y de yacimientos arqueológicos, la quimera es soñar con dejar de trabajar y hacerse ricos sin esfuerzo. Para Arthur, la quimera se parece a Benjamina, la mujer a la que perdió. Con tal de encontrarla, Arthur se enfrentará a lo invisible, indagará por todas partes, penetrará en la tierra, decidido a encontrar la puerta que lleva al Más Allá de que hablan los mitos. En su osado recorrido entre vivos y muertos, bosques y ciudades, fiestas y soledades, los destinos de los personajes se cruzan, todos en busca de su quimera.
Esta coproducción italiana completa la trilogía de la directora compuesta por “El país de las maravillas” y “Lázaro feliz” sobre el arraigo de las personas a la tierra. La película combina el costumbrismo y cierto folclore italiano, tiene como influencia el neorrealismo de grandes autores como Roberto Rossellini y un componente de realismo mágico con un toque poético. Toca temas como la antigua civilización etrusca, la dejadez de conservar el patrimonio del país, su expolio y el capitalismo que representa el personaje de Spartaco. El personaje de Arthur, un inglés que salió de la cárcel, hace referencia al mito de Orfeo en busca de su amada Eurídice. El espectador no acaba de saber muy bien si realmente tiene un don para encontrar objetos de valor o no. En general no es fácil describir esta propuesta, a medida que avanza no sabemos muy bien qué nos quiere contar, hay algún momento en que el espectador no sabe si lo que ocurre es un sueño del protagonista o no pero si uno conecta con la historia, logra ser bella en la aparente fealdad o ausencia de lujo. De la misma manera que en arqueología hay una búsqueda de algo, la directora parece explorar el lenguaje cinematográfico a través de formatos analógicos, con algún momento de aumento de velocidad en los movimientos y el uso de música variada.
Cabe destacar el reparto de actores encabezado por un estupendo Josh O’Connor hablando en italiano en un personaje del que no es fácil empatizar, bien acompañado de Carol Duarte, actriz brasileña (“La vida invisible de Eurídice Gusmao”) que es creíble como italiana, Vincenzo Nemolato (“Martin Eden”) como Pirro, uno de los tombaroli, una envejecida Isabella Rossellini como Flora, la madre de la amada de Arthur y Alba Rohrwacher (hermana de la directora) como Spartaco, así como el grupo de saqueadores de tumbas que hace un buen trabajo como actores no profesionales. Tengo que decir que esta no es una propuesta para todos los públicos pero puede resultar estimulante para los más cinéfilos y a los que nos como un servidor les agradó los anteriores largometrajes de Rohrwacher, una de las directoras más interesantes del cine europeo y de autor.
El film se presentó el año pasado en la sección oficial del festival de Cannes donde mereció ser premiado, ganó la Espiga de plata a mejor película en la Seminci de Valladolid, ganó el premio a mejor diseño de producción en los premios del cine europeo donde fue nominado a mejor actor O’Connor, fue elegido por el National Board of Review como uno de los mejores títulos extranjeros del año y obtuvo trece nominaciones a los premios David di Donatello incluyendo mejor película, director, actor, actrices secundarias para Rossellini y Rohrwacher, guion original, fotografía, montaje, sonido, producción, escenografía y vestuario aunque no obtuvo ninguno.

Valoración: 8’5
Lo mejor: propone un viaje misterioso, lírico e inestable.
Lo peor: quedarse simplemente con lo estrafalario de algunos personajes.

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Después de la notable miniserie “Years and years”, Russell T. Davies estrenó en 2021 en HBO Max este proyecto que creó y coescribió, dirigido por Peter Hoar, que luego dirigió “Nolly”, también del primero. Presenta la vida y andanzas de cinco amigos homosexuales que se mudaron a Londres a inicios de los años ochenta, durante una década en la que el aumento del SIDA afectó a sus vidas y causó estragos entre la población homosexual.
Esta miniserie británica compuesta de cinco episodios de unos cuarenta y cinco minutos cada uno es un drama con toques de humor que abarca desde los ochenta hasta inicios de los noventa y tiene una temática similar a la premiada miniserie “Ángeles en América”. Muestra el SIDA primeramente como algo lejano que ocurre en Estados Unidos, la ignorancia sobre la enfermedad, posteriormente cómo los enfermos son tratados como infecciosos y apestados y el sentimiento de vergüenza de las víctimas. La producción tiene un tono festivo que va menguando a medida que la infección afecta al grupo de amigos, muestra el contraste entre la zona urbana de Londres y la rural del pueblo de origen de Ritchie, consigue crear un ambiente cercano entre los personajes en el llamado palacio rosa donde viven y cabe señalar la lograda ambientación de época y la estupenda banda sonora con canciones como la de Pet shop boys que da título a la propuesta. El reparto de actores está formado por los jóvenes Olly Alexander (en un personaje desinhibido), Omari Douglas, Callum Scott Howells, Lydia West (que ya estuvo en “Years and years”) en un meritorio papel de cuidadora, Nathaniel Curtis, y los más maduros David Carlyle, Keeley Hawes, Gary Lewis, Stephen Fry y Neil Patrick Harris.
“It’s a sin” ganó los premios BAFTA TV a mejor dirección de TV y mejor edición de once nominaciones incluyendo mejor miniserie, actor principal y actriz (West) en drama, actores secundarios (Douglas, Scott Howells, Carlyle), reparto, guion y maquillaje y peluquería; en los Critics Choice Awards la producción fue nominada a mejor miniserie y actor (Alexander), en los premios Independent Spirit fue nominada a mejor nueva serie y actor (Alexander), en los premios Gotham fue nominada a mejor serie revelación en formato largo y en los Satellite Awards a mejor miniserie.

Valoración: 7’5
Lo mejor: la energía que transmite, la banda sonora con temas conocidos y el reparto de actores.
Lo peor: algún golpe más bien efectista.

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Después de “Lean on Pete” y la miniserie “La sangre helada” Andrew Haigh escribió y dirigió esta adaptación de la novela de Taichi Yamada. Una noche, en un edificio casi vacío del Londres actual, Adam tiene un encuentro casual con un misterioso vecino, Harry, que pone patas arriba el ritmo de su vida cotidiana. A medida que va surgiendo una relación entre ellos, a Adam le preocupan los recuerdos del pasado y regresa a su ciudad natal y al hogar de su infancia.
Esta coproducción británica es un drama con un fuerte componente fantástico que si el espectador no entra en él, le puede costar que le convenza alguna decisión de guion. Relacionada con el film “Verano con un extraño”, el que nos ocupa alterna una relación homosexual con el reencuentro de un hijo con sus padres; así, funciona como historia de amor gay pero va más allá de eso, habla de aceptar la pérdida de un ser querido pero llega un momento que el guion parece que se estanca y durante el visionado pensé que hubiera sido mejor en formato de cortometraje o mediometraje. He escuchado comentarios muy positivos pero la película no me ha emocionado como me hubiera gustado Sin embargo, cabe destacar aspectos como la fotografía, la música con canciones como “The power of love”. Mención aparte merece el reparto de actores encabezado por Andrew Scott en su mejor actuación en cine que le haya visto, bien acompañado por Paul Mescal que resulta creíble como chico gay aunque el actor no lo sea, además de la siempre buena actriz Claire Foy y sorprende para bien Jamie Bell como los padres de Adam.
El film estuvo en la sección oficial de la Seminci de Valladolid del año pasado, ganó siete premios BIFA incluyendo mejor película británica independiente, dirección, guion, interpretación secundaria para Mescal, fotografía, montaje y supervisión musical de catorce nominaciones incluyendo mejor interpretación protagonista, interpretaciones secundarias y casting, fue elegido como uno de los mejores títulos independientes del año por el National Board of Review, fue nominado al Globo de oro a mejor actor principal para Scott, obtuvo seis nominaciones a los premios BAFTA a mejor film británico, dirección, casting, guion adaptado, actor secundario (Mescal) y actriz secundaria y Scott debió ser nominado a mejor actor.

Valoración: 7’5
Lo mejor: A. Scott y P. Mescal.
Lo peor: quizás busca la lágrima del espectador.

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Pude visionar este proyecto creado, escrito y dirigido por la actriz Abril Zamora que se estrenó a finales de octubre de 2021 en HBO Max y que anteriormente dirigió la serie “Temporada baja”. Cuenta, sin filtros y sin juicios, la historia de un grupo de treintañeros atrapados en unas vidas que no eran las que soñaban mientras intentan avanzar y encontrar su hueco en Madrid.
La serie española compuesta de ocho capítulos de media hora cada uno más un making of es una fresca comedia dramática costumbrista sobre un grupo de personajes de la generación de los treinta y pico que tienen trabajos que no son de ensueño y dudas en las relaciones sentimentales, por lo que los que somos de esta edad más o menos nos podemos sentir identificados. La escritora y directora vuelca experiencias propias como el proceso de transición e intenta normalizar el colectivo LGTBIQ+ en la ficción española pero más allá de que la protagonista sea una mujer que antes fue un hombre, la trama no parece muy original. Cabe señalar la discutible voz en off con un punto cómico si bien no se hace pesada. La producción está ambientada en el barrio de Malasaña de Madrid y la localización principal es un gran piso que no es muy creíble que estos personajes puedan permitirse. El reparto de actores hace un buen trabajo y está formado por la propia A.Zamora, Juan Blanco, Andrea Guasch, David Matarín, Marta Belenguer, Nuria Herrero, Bea de la Cruz, Pepe Lorente, María Maroto, Raúl Mérida y Miguel Bernardeau.
Así pues, esta es una propuesta divertida aunque no llega a ser notable y sirve para pasar un buen rato.

Valoración: 6’5
Lo mejor: la frescura y honestidad que transmite la propuesta.
Lo peor: que no haya una segunda temporada.

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A finales de enero se estrenó en cines la ya penúltima cinta dirigida por Yorgos Lanthimos, uno de los cineastas más singulares de cine de autor de la última década. Bella Baxter es una joven revivida por el brillante y poco ortodoxo científico Dr. Godwin Baxter. Bajo la protección de Baxter, Bella está ansiosa por aprender. Hambrienta de la mundanidad que le falta, Bella se escapa con Duncan Wedderburn, un sofisticado y perverso abogado, en una aventura vertiginosa a través de los continentes. Libre de los prejuicios de su época, Bella se vuelve firme en su propósito de defender la igualdad y la liberación.

Esta coproducción irlandesa es una adaptación un poco libre de la novela de Alasdair Gray que tiene elementos de fantasía, ciencia-ficción, comedia y drama funcionando en su conjunto aunque es un proyecto que podría haber sido fallido. El largometraje, dividido en varias partes según el lugar en que esté la protagonista, habla de varios temas como hasta dónde pueden llegar el límite de la ciencia, de la medicina, en este sentido, “El sacrificio del ciervo sagrado” también hablaba de este ámbito pero era más hermética; de hecho, “Pobres criaturas” es la propuesta más accesible al público de su director, más que la anterior “La favorita”. También habla de las convenciones sociales en el siglo XIX que todavía existen en la actualidad de manera diferente, del papel de la mujer en un mundo dominado por los hombres, en sus aventuras Bella descubre la crueldad del mundo y la desigual social pero también recibe la ayuda de algunos personajes y no es baladí el aspecto del socialismo. Se ha comparado el viaje que realiza Bella con el que hace Barbie pero creo que mientras la cinta de Greta Gerwig era un proyecto marcadamente feminista desde el inicio y más obvio en su mensaje, la de Lanthimos acaba siendo feminista pero casi sin pretenderlo y esta no es la historia de emancipación de todas las mujeres, aunque la actriz principal también sea productora pero no hay que olvidar que está basada en una novela, escrita y dirigida por hombres. La película destaca en apartados como la fotografía a cargo de Robbie Ryan, la inquietante música compuesta por Jerskin Fendrix, los trabajados decorados que pueden recordar al cine de Terry Gilliam, el magnífico vestuario (algún traje recuerda a los de “Drácula, de Bram Stoker” (1992), resulta divertida y no se hace pesada en ningún momento de sus más de dos horas de metraje. A diferencia de algún comentario que he oído, tengo que decir que la estética no me ha parecido desagradable incluyendo los títulos de cada capítulo, la fotografía en blanco y negro me convence aunque fuera algo arbitrario porque se relaciona con la distinción de sentidos de la criatura al principio y el recurso del ojo de pez no me saca del visionado, ya que está relacionado con el punto de vista de ella y está más controlado que en “La favorita”.

Además, la película está protagonizada por una entregadísima Emma Stone en un papel icónico que podría haber caído en el ridículo pero tiene una gran composición y evolución de personaje, logrando ser la mejor interpretación femenina del año demostrando que es una de las mejores actrices de su generación. Está bien acompañada por un estupendo elenco formado por Mark Ruffalo como el abogado Duncan que también tiene su arco aunque resulta un poco sobreactuado en alguna escena, Willem Dafoe (mereció ser nominado al Oscar) como el Dr. Godwin en una actuación que acaba siendo emotiva pese el aspecto de su rostro, Ramy Youssef como su ayudante Max y las intervenciones de Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Kathryn Hunter, Margaret Qualley, Hanna Schygulla y Suzy Bemba. Cabe apuntar que Bella se mueve entre hombres que representan un papel diferente cada uno.

Desde que el film ganó el León de oro en la Mostra de Venecia (donde podría haber ganado la Copa Volpi a mejor actriz), “Pobres criaturas” se postuló como uno de los títulos más destacados de la temporada de premios: ganó dos Globos de oro a mejor comedia y actriz en comedia, cinco premios BAFTA incluyendo mejores efectos visuales y obtuvo cuatro merecidos premios Oscar correspondientes a mejor actriz protagonista, diseño de producción, de vestuario y maquillaje y peluquería de once nominaciones incluyendo mejor película, dirección, guion adaptado, fotografía, montaje y banda sonora. Pero lo mejor de todo es que una propuesta de autor de este tipo ha conseguido el favor del público y ser taquillera. En definitiva, junto con “Canino” y “La favorita”, “Pobres criaturas” es también excelente a mi modo de ver siendo mis títulos preferidos del director.

Valoración: 9
Lo mejor: una maravillosa E. Stone y el logrado diseño de producción.
Lo peor: reducir la película sólo al componente feminista, que lo tiene pero ofrece mucho más.

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