De la mano de los creadores de la magnífica Bojack Horseman nos llega Undone. Una serie muy distinta a lo que se está produciendo actualmente. Con una factura técnica impecable, utilizando la técnica rotoscópica, Undone nos adentra en un mundo entre varias realidades que Alma, la protagonista, debe experimentar, controlar y distinguir.

¿Pero qué tiene de nuevo esta serie que todos recalcan su originalidad? La serie es sobre todo "realista" y "terrenal". Si, estamos hablando de una serie extrasensorial que es a la vez terrenal, realista y muy humana. A veces se nos muestra como una experiencia sensorial, recordándome a ciertos films japoneses de animación como Paprika o Perfect Blue (sobre todo el 2º episodio).

Y otras veces es muy humana, tierna y a la vez triste y dura. Este efecto tan humano se consigue con un guion muy del estilo de Bojack, por la fascinante técnica rotoscópica (que verdaderamente hechiza), y sobre todo por las interpretaciones de los personajes destacando a Rosa Salazar.

En cuanto a el apartado visual, es un acierto total que la serie sea animada. Ya en 2001 nos llegó una joya de la mano de Linklater, Waking Life, que utilizaba una técnica similar. O la fantástica y trabajada obra Loving Vincent donde se imitaba el estilo del famoso pintor holandés. En el caso que nos concierne, digamos que la mejor definición del apartado visual de Undone sería: un libro de ilustraciones animado, un juego de colores y trazos donde se remarca hasta la más mínima expresión facial de la actuación de los actores.

A nivel narrativo, la serie es compleja, pero sorprendentemente está argumentalmente muy bien hilada y en ningún momento nos perdemos: ese es otro de los grandes logros. Es cierto que puede sufrir a veces fallos narrativos o de coherencia, pero ante tal despliegue de creatividad narrativa era imposible que todo fuera perfecto ¿no? (se le perdona).

Se podría hacer un estudio pormenorizado de todos los temas u subtemas: la cuarta dimensión, la raíces culturales mexicanas integradas en EEUU, las relaciones intra familiares, la vida en pareja, pero sobre todo se habla de la vida. Sobre el sentido de la vida adulta de una mujer de 28 años. Una mujer que bien podría ser cualquiera que esté leyendo esta crítica ahora mismo. Un relato crítico y existencialista sobre la vida y el hombre/mujer contemporáneos.

Porque en la vida hay que "¡Intentarlo! sin intentarlo... pero intentándolo".

Autor: Historiadelcine

Cada vez estoy más de acuerdo en que el rodaje con varias cámaras a tiempo real o en su defecto el plano secuencia, permite que todo sea más fluido, más natural y menos artificioso, llegando incluso a respirarse vida.

Éste es uno de los motivos por lo que esta estupenda película está en esta sección más de autor del Festival de Cine de Málaga. Porque no es una película de ficción al uso, de hecho es más bien un documental o experimento audiovisual.

Los Comensales es una quedada entre amigos. Donde el espectador ve y disfruta de lo que estos "amigos" tienen que contarse y contarnos. Todo es un fluir constante. El guion está totalmente improvisado. No hay pautas, ni escaleta, ni texto.

El espectador ve a los actores llegar a la mesa y saludarse afectivamente. Pero poco segundos después pasa algo. Se va notando que no son actores, son seres humanos. No tienen que implantarse otra personalidad, son ellos mismos. Sé todo esto porque en el coloquio posterior se aclaran muchas cosas que hacen que la obra cinematográfica tenga aún más valor. Lo explico.

Hoy he descubierto a un gran director y contador de historias: Victor Gaviria. Que con La mujer del animal entra pisando fuerte en este 20 festival de Málaga. Una película que no es para todos los públicos. En ella se cuenta la historia basada en hechos reales de Margarita Gomez: la mujer del animal. Aunque en el film se ha optado por cambiarlo a Amparo (Natalia Polo) una chica de 18 años que se fuga de un internado y se va a vivir con su hermana a un barrio de chabolas de Medellín. Allí se topa con Libardo (Tito Alexander), conocido en la comunidad como “El Animal”. Lo demás no se puede explicar con palabras.

Con un título así no es muy difícil adivinar más o menos de lo que va a tratar el argumento. Aun así, la película sobrepasa las expectativas anteriores. La proyección comienza con un inter-título que nos indica: 1975 y “Película basada en la vida real”. Desde que empiezan las imágenes no hay casi tiempo para respirar. Utilizando técnicas del documental: cámara al hombro, iluminación natural… no existe jamás un plano contra plano, hay mucho plano detalle, mucho plano secuencia. La localización y los decorados son reales, no hay nada grabado en estudio, nada se falsea.

Cine directo sin censuras. Los actores protagonistas no eran profesionales, Natalia Polo es enfermera y Tito Alexander músico. Aunque los figurantes si que eran residentes de ese barro marginal. Para el espectador, el hecho de que los actores no fueran profesionales (no conocidos) hace que por un momento pienses que todo es real. Con esto quiero decir, por ejemplo, no es Mónica Bellucci en Irreversible de Gaspar Noé. Piensas; “Coño es Mónica Bellucci lo que estoy viendo es una simulación”. Entonces este hecho crea cierta distancia con el espectador… por ello digo que la peculiaridad de que parezcan gente de ese barrio hace que la veracidad de las duras imágenes sean aún más auténticas. Y gran parte de culpa lo tienen los actores. Están sobresalientes. Llegas a odiar tanto al personaje de Liberio que al ver entrar a Tito Alexander en la rueda de prensa te daban ganas de saltar y golpearlo, pero después abre la boca y ves que es alguien totalmente diferente, habla totalmente diferente.

Lo que quiere transmitir la película es, sin filtro alguno, una denuncia al maltrato y a la violencia de género. Busca aturdir al espectador y hacer que reaccione y se pregunte qué es lo que pasa en este mundo. ¿Por qué la violencia está ahí? en todas partes ya sea en Colombia o en España, y nosotros somos los testigos que ven al animal y no hacen nada para impedir ese maltrato. Se le pide al espectador que no sea un ser pasivo, que se denuncie el maltrato y que dejen atrás el miedo. Amparo (o Margarita Gomez) se cortó el pelo para simbolizar el abandono de su miedo y la lucha por ser libre y feliz.

El único “pero” que pondría a la película es su duración. Desde mi punto de vista le sobraría 20 minutos, se llega a hacer un poco larga pero jamás pierde intensidad ni ritmo.

Selfie es la tercera película del director Victor García León. En ella se nos cuenta la historia de Bosco (Santiago Alverú), el hijo de un político del PP que ha sido encarcelado por corrupción. Desde ese suceso, Bosco es expulsado de su chalet y repudiado por todos sus amigos. En esas conoce a una trabajadora social ciega afiliada de Podemos (Macarena Sanz).

El personaje principal se nos presenta como si de Kim Kardashian se tratara: lujo, fiesta y muchas excentricidades. Todo esto grabado con cámara al hombro haciendo un programa diario de la vida de nuestro protagonista. La cámara no pasa desapercibida para los demás personajes, es un elemento visible. A Bosco le graban continuamente y los demás saben que le graban.

El inicio del film es muy potente. Esta fórmula del reality show funciona muy bien y resulta muy efectiva para aprovechar toda la personalidad de Santiago Alverú. Todo vale: planos desenfocados, quemados, movimientos bruscos. La película engancha y divierte. Pero poco a poco ésta fórmula se agota. Según el propio director, no se puede abusar de este formato porque a la hora de metraje el espectador acabaría agotado… entonces sobre la hora de película se torna a una ficción convencional sobre el romance entre Maca y Bosco. La originalidad y chispa del principio va desapareciendo gradualmente.

Es un selfie es una película de estereotipos y de exageraciones. Bosco es de derechas, racista, machista, defensor de los toros y sobre todo mala persona. Y esto le da pie para hacer numerosos chistes sobre negros, inmigrantes, feminismo… que al principio pues puede resultar cómico pero no se cambia la fórmula.Los personajes no evolucionan. Por ello el espectador nunca llega a mostrar empatía por el protagonista. Esta falta de empatía hacía el protagonista unido a el agotamiento del formato hace que el interés del espectador hacía la historia y sobre su exagerado personaje caiga en picado.

He de reconocer que ha habido momentos en los que me ha resultado graciosa, pero pienso que funcionaría mejor con media hora o cuarenta y cinco minutos menos de metraje. Convirtiéndose en un sketch de un programa humorístico antes que en una película de cine.

Con todo, Selfie ofrece un auto-retrato un tanto extremo de la sociedad española, aunque si pensamos detenidamente, este auto-retrato no es tan extremo sino que la sociedad española es tal y como nos las describen en la película por triste que parezca.

La niebla y la doncella, película de Andrés Koppel basada en la novela de Lorenzo Silva. En ella, el sargento Bevilaqua (Quim Gutiérrez) junto con su cabo Chamorro (Aura Garrído) investigan la muerte de un joven de la Gomera tres años después de suceso.

Como se puede observar al ver el argumento se trata de un thriller, género que sigue tomando fuerza en el panorama cinematográfico español con películas como El Niño, La isla mínima o más recientemente Tarde para la ira. Seguir las modas no siempre es siempre bueno y de hecho esta película tampoco lo es.La historia nos sitúa en la isla de la Gomera, con planos aéreos espectaculares y se viaja, como ya se había hecho antes en La isla mínima, a una España no tan reconocible aprovechándose del exotismo de la isla canaria.

De la factura técnica de la película no puedo poner un pero. La ambientación, la niebla y la atmósfera están muy acorde con el tipo de género y te ayuda a crear el tono de misterio. Fotografía notable, con planos y localizaciones espectaculares.

Los personajes son complejos y cada uno guarda dentro de sí un gran mundo interior, que los actores, desde mi punto de vista, no han sacado provecho del todo. El personaje de Quim Gutiérrez tiene muchos altibajos a lo largo del metraje, al igual que Verónica Echegui. Más correctos están Roberto Álamo y Aura Garrido.

Y ahora viene lo que para mí ha sido el verdadero lastre de la película: guion-adaptación. La película tiene un buen comienzo, una persecución endiablada por las carreteras desiertas de la Gomera y una muerte de un chico. Después te empiezan a decir muchos datos, algunos irrelevantes, muchos cabos sueltos y cosas sin sentido.

Es cierto que la película te atrapa, hay un crimen sin resolver que tiene detrás un gran misterio oculto, pero conforme avanza la trama, los datos se acumulan: nombres de personas, personajes secundarios sin ningún protagonismo, pruebas incriminatorias irrelevantes… Ignoro de cómo es la historia en el libro, pero en menos de dos horas de metraje no puedes meter un batiburrillo de cosas con calzador porque la película se convierte en una tortura. Al final te da igual quien ha matado a quien y porqué lo ha hecho. Te pierdes en un mar de situaciones nada claras y se te embota el cerebro. Por cierto, el sonido del Teatro Cervantes tampoco ayudaba a recopilar tanta información y encontrarle un sentido.

Por ello considero La niebla y la doncella un thriller fallido, que empieza bien pero decae a la hora de metraje.