Sjöström es el director de los fenómenos meteorológicos: Terje Vigen y la violencia de una tormenta en el mar, Los proscritos y la opresión de una ventisca, La carreta fantasma y el frío que se extiende al alma y, la que nos ocupa, El viento y la locura que provoca el huracán incesante.

También es maestro en el arte de los efectos especiales en el cine mudo (trucajes) como demuestra en la ya citada La carreta fantasma o, ya de su época en Hollywood, El que recibe el bofetón.
Aquí vuelve a usar las sobreimpresiones, pero también las maquetas de trenes y casas siendo asolados por vientos y tormentas de arena. Y en el centro de todo ello, el drama humano: los celos, la lujuria, el amor que surge del trato cariñoso constante y no del flechazo repentino, el arrepentimiento, la amistad que no guarda rencores cuando el amigo gana lo que tú pierdes, el arrojo y la lucha por la supervivencia, la bondad...

Un genio al que nunca se elogiará suficiente y que aquí consigue mostrar la belleza del rostro de Lillian Gish como ningún otro director.

Cuando empiezas a ver la película puedes sentir empatía por Dix, es un tipo algo temperamental, que puede saltar pronto, pero aun así transmite cierta seguridad en sí mismo, es alguien que cree en hacer las cosas como él las hace y no como otros le dicen que debe hacerlas. No parece que tenga problemas de autoestima.
Sin embargo, todo esto cambia cuando conoce Laurel y su personalidad se revela como realmente es, al menos en lo que se refiere al amor y las relaciones: de una inseguridad brutal que desemboca en unos celos que, al mezclarse con sus tendencias violentas, hacen que la relación sea insostenible, pues ella no reconoce en él a la persona de la que se enamoró en un primer momento y no puede evitar sentir pavor ante su sola presencia.

Es una película pesimista, oscura, parce ser que Nicholas Ray (o quizá la escritora Dorothy Hughes, o los guionistas) quería reflejar la tensión que se empezaba a vivir en Hollywood a consecuencia de la caza de brujas del senador McCarthy.

Mencionar que brillan ambos actores, Gloria Grahame siempre me ha fascinado, pero yo nunca fui muy fan de Humphrey Bogart, me cuesta creérmelo en sus papeles de tipo duro en el cine negro (El sueño eterno, Tener y no tener, Cayo Largo…) pero desde que le he visto interpretar personajes psicológicamente débiles, o con algún tipo de tara (El tesoro de Sierra Madre, la propia En un lugar solitario) comienzo a reencontrarme con él, a apreciar sus dotes interpretativas y su versatilidad.

Capítulo completamente ajeno a la tónica de la serie. Desaprovecha todas las ocasiones de generar esa angustia y ese mal cuerpo característico de la obra de Brooker para, en su lugar, construir una historia romántica más bien rutinaria.
Esta serie siempre había planteado dilemas éticos y morales y nunca daba una respuesta clara a los mismos, pero en este caso el guión cierra los ojos, se tapa los oídos, aguanta la respiración y tira hacia adelante sin grandes cuestionamientos, hacia una parte final que no le pega nada y que da la sensación de salida fácil.

Uno de los capítulos más crudos de la serie en sus tres primeras temporadas. Recuerda intensamente al primero (El himno nacional) pero se centra más en buscar impacto que en hacer crítica social.
En el primer episodio se criticaba desde la avidez de gran parte del común de los mortales por historias morbosas (cuanto más truculentas mejor) hasta los medios de comunicación, pasando por la deriva que sigue el (supuesto) arte contemporáneo, mientras que el capítulo que nos ocupa es una historia morbosa en si mismo que, en el mejor de los casos, puede perseguir una especie de catarsis y hacer una llamada de atención sobre la vulnerabilidad de la privacidad en los tiempos que corren (además de, por supuesto, entretener), pero yo no veo una crítica (cómo vas a criticar la conducta del manipulador cuando desconoces sus motivaciones)

Eso sí, la historia esta muy bien hilada y la angustia que sientes aumenta de forma incesante. Además, escuchar los acordes de Radiohead en los segundos finales me obliga a darle un punto extra.

Si bien es cierto que la historia está trillada, es muy simple y busca la lágrima fácil de forma evidente (todo ello bastante común en este director), la manera de contarla es lo que marca la diferencia entre Griffith y cualquier otro director de principios del siglo XX. La sucesión de planos, con acciones simultáneas (claro resultado de un estudio y planificación previos llevados al mínimo detalle) producen una sensación de fluidez nada común para la época, cuando parecía que el cine no era más que una forma de retransmitir teatro.
Añadir que, después de ver bastantes películas de este genio, he llegado a la conclusión (quizá sea errónea...) de que, además de un maestro del montaje, era un gran director de actores, ya que aún siendo tan expresivos como correspondía al cine mudo huyen un poco de los excesos y el histrionismo que tanto se ve en cintas de esos años