Y por fin llegó a las salas una de las películas más sorprendentes de la cartelera. Y me explicaré. Sorprendente en primer lugar por llegar en silencio. Sin levantar focos ni producir ruido ninguno. Bueno, sí, un ruido hueco y pastoso. El ruido de las críticas absolutamente incendiarias que el film recibió en su estreno en USA (de pobrísimos datos) y también ahora en España y Europa.

Sorprendente por el reparto de lujo que posee. Nada menos que dos ganadores de un Oscar como son Matthew McConaughey y Anne Hathaway -algo que ya hicieran en la mejor película del siglo XXI, 'Interstellar'- como cabeza de cartel, pero resulta que la cosa no queda ahí. A estas dos mega-estrellas hay que sumar la presencia de Jason Clarke, Djimon Hounsou y la maravillosa Diane Lane. Alucinante. Pero alucinante tanto el reparto como el enorme motivo que tuvieron que esgrimir los productores para convencer a todos de ellos de aparecer aquí. A partir de esto podemos presuponer dos cosas: Una, la película en esencia tenía mimbres para resultar un auténtico peliculón. Dos, al final se ha parecido lo mismo que un huevo a una castaña.

Pero además, si no es ya altamente sorprendente el reparto mencionado, tenemos la presencia en la dirección y el guión de Steven Knight. Un veterano que tiene en su haber cosas tan magníficas como el guión de Promesas del Este, de ser el creador para muchos de una de las maravillas de la televisión de los últimos años -y que todavía no pude ver- 'Peaky Blinders' , de la también televisiba 'Taboo' (HBO) y del texto y dirección de la sorprendete 'Locke', estos dos últimos trabajos con la magnética presencia del poderoso Tom Hardy. Pues bien, este mismo señor ha dirigido y escrito 'Serenity', un film casi inclasificable que aglutina varios géneros pero que sin embargo mencionarlos puede ser considerado un spoiler. Una película extraña, de culto inmediato, un film que confieso entre en mi particular olimpo de los 'guilty pleasures'. Una historia absurda, excesiva, con giros marcianísimos pero que la entendía como una obra incomprendida, inconclusa, mal montada o mal contada pero que...existía un gancho ahí detrás.

'Serenity' nos presenta en su inicio a Baker Dill (Matthew McConaughey) en una secuencia para guardar en la memoria por extraña y bizarra: Dill es un pescador obsesionado con pescar un atún gigante y que se gana el pan -y las copas- gracias a llevar y ayudar a turistas a pescar en alta mar. Dill y su ayudante -Djimon Hounsou-, una especie de cura rehabilitado con pasado complejo que siempre guarda una frase filosófica a mano, deben ayudar a los turista a pescar y pasar la mañana/tarde. Sin embargo en esa escena todo es raro. Los actores están muy excesivos, los movimientos de cámara lucen extraños y hasta la luz y el color son excesivos en dicho momento. Creo que todos los especialistas nos agarramos los machos tras esos primeros cinco minutos temiéndonos lo peor. Yo personalmente no entendía nada. ¿Qué era esto? ¿Un telefilm alemán de sobremesa en manos de un novato? ¿O todo ello tiene un sentido?

A medida que los minutos pasaron comprobé que McConaughey vivía como medio gigoló, era ex soldado y estaba divorciado de una parecida de los años cincuenta Anne Hathaway. Todo era extraño en sí, los movimientos de cámara así lo dictaban. La presencia de un elemento en traje y maletín hacía presagiar que los tiros no iba a ir por donde podíamos pensar. No era un telefilm alemán de sobremesa, era una idea brillante absolutamente mal ejecutada y montada como por un crio de doce años obsesivo compulsivo. Ahí estaba la clave. Quién haya visto la película lo entenderá.

Una vez descubierto el pastel solo quedada dejarse llevar por esta especie de película de género que en ocasiones resultaba una parodia de 'Interstellar' y en otras un film de cine negro de los cincuenta. Piezas que no encajan como no encajan muchas cosas en la adolescencia.

Interpretativamente McConaughey hace suya la función aunque desde la estridencia y las explosiones interpretativas con las que tanto disfruta y que tanto se le van de la mano si no es controlado adecuadamente desde la dirección del film. Aunque....ese es Matthew McConaughey, para lo bueno y para lo malo. El resto del brillante reparto se limitan a tener escenas subidas de tono erótico o de violencia verbal y física poco entendibles.

'Serenity' solo puede ser recomendada para aquellos que quieran jugar con el film, dejarse engañar y que no saquen el espíritu analista desde los primeros compases de las historia. Sino estarán perdidos. Una historia que pudo haber sido mucho más y que, a pesar de todo, me lo hizo pasar bastante bien sin dejar de ser consciente de los múltiples problemas que arrastra y a pesar de las sorpresas que pretende en su desenlace. Sin duda una frikada que entra directa al listado de placeres culpables personales y que quizás pueda ser considerada por algún inconsciente como yo como una 'película de culto'. Al tiempo.

LO MEJOR: La diversión y la mezcla de géneros. El reparto.
LO PEOR: El guión, el montaje. El guión. El guión. El guión...

VALORACIÓN:

Banda sonora: 6
Fotografía: 6
Dirección: 4
Interpretaciones: 5
Guión: 4
Satisfacción: 7

NOTA FINAL: 5,5

Actualización, modernización, lavado de cara. Términos muy en boga en el siglo XXI y que ahora han echado el ojo a la popular saga creada por Don Mancini en 1988, ‘Muñeco diabólico’. Mancini creó el personaje y poco tardó en consolidarlo dentro de esa icónica década de cine comercial como un producto diferente dentro del género de terror/slasher. Juguetona, divertida, sangrienta. Epítetos que siempre han ido de la mano de la obra del escritor. Una obra que inevitablemente fue perdiendo fuelle con el paso de las múltiples secuelas (hasta un total de siete películas) que nos fueron llegando hasta hace bien poco.
Por todo ello resulta francamente extraño que tengamos nuevamente un ‘Muñeco diabólico’ en el que no encontremos a Don Mancini por ningún lado. Ni como guionista, ni como productor ejecutivo ni tan siquiera como consultor. Y es que a pesar de que desde la MgM (productora y tenedora de los derechos de la película original) se le ofreció participar en uno u otro sentido, Mancini lo rechazó por despecho ya que el autor de este fabuloso thriller de terror con asesino y vudú incluidos estaba planeando una serie televisiva para la cadena SyFy en el 2020, proyecto este que desconozco si sufrirá de alguna modificación por el reboot que nos ocupa.
Lo cierto es que la película que ahora nos llega, dirigida por el noruego Lars Klevberg –quién tiene pendiente de estreno otra película de terror llamada ‘Polaroid’–, es francamente divertida y entretenida. Es una película que toma elementos de la original pero, como resulta habitual en este tipo de reboots aunque no siempre con el mismo acierto, toma elementos de la vida actual en contraposición a otros más propios de décadas atrás. Por ejemplo, el muñeco propiamente tiene un componente biónico domótico más en la línea de los tiempos actuales, o también contemplamos en el film una crítica a la precariedad laboral, al abuso y presencia casi omnipotente de las grandes compañías en nuestras vidas o incluso también el problema de la juventud con los móviles y su poca interacción física. Aspectos contemporáneos que todo film que se precie debe de implementar para no parecer con temáticas obsoletas. Además de todo esto, la película visualmente está muy cuidada. Tanto a Klevberg como a su director de fotografía Brendan Uegama no se les puede reprochar nada en absoluto: la ubicación de las cámaras –picados y travellings incluídos–, la utilización de luces y los colores saturados hacen que su visionado (independientemente del interés de cada uno en el film) sea francamente interesante. Incluso la fisionomía y fisicidad del propio Chucky –un punto este nada baladí– lo cumplen con nota ya que, aunque no posee el carisma del rostro del Chucky original, sí que se ‘palpa’ que es un muñeco físico y no un pegote con CGI tan habitual en los tiempos que corren.
Otro punto interesante reside en el punto cómico que desprende el film. La cinta original era gamberra pero con un tono más terrorífico, aquí sin embargo contemplamos como el tono cómico/divertido ha ganado terreno pero donde también hay espacio para el drama familiar/social y por supuesto el terror o incluso el gore, respirando todos los géneros en armoniosa convivencia. Esa versatilidad y variedad genérica viene de la mano que otorga un guionista tan interesante como Tyler Burton Smith y por la presencia de actores como Aubrey Plaza (Parks and Recreation o Legion) o Bryan Tyree Henry (Atlanta o El blues de Beale Street), aunque el rey de la función –Chucky claro está aparte- es la notable y poderosa interpretación del joven Gabriel Bateman (Nunca apagues la luz o Annabelle), un joven actor con rostro amable pero con capacidad para mostrar el sufrimiento y el pavor con gran facilidad.
Un film que además de mostrarnos una historia y una interesante evolución del muñeco en relación a lo que va aprendiendo de los niños y adultos –en continua ironía con nuestros comportamientos– está completamente sazonado de guiños (unos más evidentes que otros) a otros films como Frankenstein, Toy Story, Los Gremlins, La matanza de Texas 2 o E.T.
Recomendable y muy disfrutable con una estimable soundtrack a cargo del últimamente pluriempleado Bear McCreary y con la novedad de la voz de Mark Hamill como Chucky en la versión original en detrimento de la ya mítica voz de Brad Dourif en todas las películas anteriores.

LO MEJOR: El tono crítico/cómico y la evolución de los personajes. Gabriel Bateman.
LO PEOR: Que quieras hacer demasiadas comparaciones en lugar de disfrutar de ella.

VALORACIÓN:
Banda sonora: 7
Fotografía: 7,5
Interpretaciones: 7
Guión: 7
Dirección: 7
Satisfacción: 6,5
NOTA FINAL: 7

La emoción de recordar la vida pasada provoca en muchas ocasiones un sentimiento de añoranza, de unión y amor en la juventud, esos instantes protegidos por el blindaje de la inmadurez que con el paso de los años y a golpe de consciencia se transforman en sabiduría de la vida, en aprendizaje cotidiano, en sensibilidad o dureza en la figura, en surcos o huellas en el rostro así como en la memoria, forjada a fuego e imperecedera.
Alfonso Cuarón nos abre su corazón, su casa –aunque no está filmada en la hacienda familiar–, y nos enseña un álbum familiar con más oscuros que claros, con más momentos de ingravidez juvenil fruto de la inconsciencia de un niño de familia acomodada en un barrio cool y burgués del México (colonia Roma*) de los años 70 pero sobre los que pone ahora los pies en el suelo y contextualiza en una época compleja para su país natal a través de los ojos de la sirvienta
En los años 70 en México gobernaba el PRI (Partido Revolucionario Institucional), partido de centro derecha que gobernó durante sesenta años en el país centroamericano (1929-1989) y que durante los años colindante al narrado en el film protagonizó varios de los episodios más sangrientos de la historia reciente mexicana, como aquel de octubre de 1968 cuando miles de estudiantes se reunieron en el complejo habitacional de Tlatelolco para protestar en contra de la violencia policiaca y fueron masacrados por francotiradores vinculados al gobierno, o lo acontecido en 1971 donde de nuevo fueron asesinados manifestantes estudiantiles en lo que se conoce como la masacre de Corpus Christi o el Halconazo.
‘Roma’ es una de las películas más importantes del año, una verdadera joya cinematográfica de relato íntimo pero lenguaje monumental que puede hacer historia en caso de alzarse con nominaciones a los Oscar en las categorías principales al tratarse de la primer producción Netflix en lograrlo, lo que se sumaría a la larga lista de premios, menciones y nominaciones que lleva recibiendo desde el comienzo de la carrera de premios (tres nominaciones a los Globos de oro logró la semana pasada además de ya haber sido elegida como mejor cinta de 2018 por grupos de críticos en Los Ángeles, Nueva York, Chicago y San Francisco) sin olvidar el prestigioso León de Oro en el Festival de Venecia.
La película nos narra la historia de Cleo (interpretada por Yalitza Aparicio), una empleada doméstica que mantiene a flote a una familia de clase media en el convulso Distrito Federal de los inicios del gobierno de Luis Echeverría y que sirve de emotivo homenaje de Cuarón (representado en la película por uno de los niños del film) a la figura de las cuidadoras y en concreto a las mujeres que le criaron a él en dichos años. En ‘Roma’ veremos la importancia capital de esta mujer de origen indígena (Libo es su nombre real y a quién le dedica la película), no sólo en el cuidado de la casa, sino también en el cuidado de los niños ante la ausencia de las figuras paternas y donde la ternura de Liboria Rodríguez la alzo a la figura de segunda madre. ‘Roma’ no sólo emociona por ese retrato intrafamiliar sino también por el hiperrealismo social utilizado para mostrarnos esa diferencias de clases tan palpable, tan marcada; con sus barrios, las relaciones de pareja, los cines como burbuja de salvación para la depresión del proletario o para la ensoñación más pasajera, los juegos de soldados, los discursos a pie de calle, las masas contra el poder establecido, los hombres bala en barrizales semi atrincherados, las revueltas, la violencia implícita o la explícita. Un cine en letras mayúsculas que puede recordar según que secuencias a La regla del juego, de Jean Renoir (todo aquello de la exquisita escena de una fiesta en una casa de campo) o a Los 400 golpes, de François Truffaut (ese clímax oceánico que forma parte ya de mi memoria cinematográfica más exclusiva) y sin olvidarnos de ese paisaje de pobreza urbana presente en la maravillosa Ladrón de bicicletas, de Vittorio de Sica.
La fotografía en blanco y negro es realmente sublime, aún sin ‘el chivo’ (el genial triple ganador del Oscar Emmanuel Lubezki en 2013,14 y 15), quien tuvo que renunciar por asuntos familiares. Una mirada de ángel, descarnada, cruel, real como la vida misma. Secuencias que son un dechado de técnica, infalibles y que además sirven de elemento a la narración y evitan el discurso crítico de quién lo pueda ver como un recurso estético vago o insustancial. ‘Roma’ es el último trabajo de un Cuarón versátil, capaz de contar historias de despertar sexual en ‘Y tu mama también’ (2001), de realizar la mejor entrega de la comercial saga de Harry Potter (‘Harry Potter y el prisionero de Azkaban’(2004), de hablar sobre un agobiante futuro sin natalidad en ‘Hijos de los hombres’ (2006) o de deslumbrar y ganar 7 oscars con esa maravillosa odisea espacial llamada ‘Gravity’ (2013 y con la recaudó 700 millones de dólares en taquilla a nivel mundial).
Una auténtica maravilla donde veremos a una protagonista alejada de los estereotipos de Hollywood, que acepta su devenir, su situación y que lo presenta alejada de grandes discursos. El cine como vida, la vida con el cine, la vida como camino. Viva el cine.
* barrio fundado en 1903 y lugar de residencia de las personas más importantes de la cultura y posteriormente de la política y ejército en México, una zona en la que se asentó la clase alta mexicana durante la primera década del siglo XX y donde quedan suntuosas mansiones y palacetes de inspiración europea como vestigios de aquella época.
LO MEJOR: La capacidad para enamorar en cada plano por crudo que sea lo que se muestra.
LO PEOR: Que mucha gente se quede sin verla en pantalla grande.
VALORACIÓN:
Banda sonora: -
Fotografía: 10
Interpretación: 8,5
Dirección: 10
Guión: 9
Satisfacción: 9,5
NOTA FINAL: 9,4

Nada me hacía presagiar hace nueve años -cuando empezaba la carrera del actor John Krasinski como director- que íbamos a encontrarnos tras dos films previos sin alardes ('Entrevistas breves con hombres repulsivos' y la más meritoria 'Los Hollar'), con uno de los directores que más y mejor ha sabido plasmar en un film la tensión y el terror sostenido, que más y mejor ha sabido jugar con los silencios, la incertidumbre y el montaje de sonido.

'Un lugar tranquilo' parece comenzar en sus primeros planos de una forma convencional, con silencio y sin ruidos, sí, pero más o menos como muchas de las innumerables producciones post apocalípticas que nos han invadido tanto en la gran pantalla como en su variante catódica. Sin embargo, tras un poco minutos, después de sernos revelado un fuerte drama en el seno de la familia y ponernos sobre la mesa las cartas de un forma muy visual, comprenderemos que lo que el silencio ha provocado en nosotros es un ejercicio de traslación a la pantalla, de empatía con los personajes y de respeto máximo al producto que se nos presenta. Casi como androides o abejas de un panal pasamos a responder a la llamada del director y nos silenciamos como si la escena fuera a filmarse y la claqueta sonar: 'Silencio, se rueda'. Krasinski lo ha logrado. Ha logrado que nadie tenga ganas de emitir sonidos en la sala, que respeten al vecino compañero de butaca próxima y que se dejen comentarios y chascarrillos de patio de colegio para la post-película. Bravo. Mi más sincera enhorabuena.

Esta tercera película del director, también protagonista del film junto a su pareja y cotizada Emily Blunt, nos cuenta cómo la vida en la tierra ha dejado de ser apacible y cómoda. Donde las líneas básicas de confort han sido borradas de un plumazo tras una misteriosa y no explicada invasión alien y donde la única forma de mantenerse con vida es la de vivir sin salirse un ápice del silencio imperante. La historia, tras un conflicto inicial que dejará secuelas en la familia, nos presenta con elipsis los diferentes días en la vida de los supervivientes, presentándonos su modus operandi y las particularidades de una vida compleja y continuamente al filo de la navaja. Pronto y de manera abrupta empezarán a presentarse las situaciones de tensión, de pavor, y porque no, de miedo. La inquietud ira in crescendo de tal forma que no encontraremos apenas alivio hasta prácticamente el fundido a negro final, mostrándose diferentes escenas encadenadas a modo de competición, consiguiendo superar en agitación a su predecesora.

No es menos cierto que si nos adentramos y profundizamos en el guión, con casi toda seguridad, encontraremos aspectos mejorables, situaciones a las que le podemos sacar 'punta' aunque siempre respetando el ritmo, la línea argumental y haciendo que terminemos dando por buenos esos detalles que, en el fondo, lo único que consiguen es restarle décimas al sobresaliente. Me gusta el universo creado alrededor del método de subsistencia: Sus antorchas, sus caminos de arena, el guiño a 'Único testigo', esos monstruos que recuerdan a crustáceos...de hecho Krasinski ha rebelado en alguna entrevista que una de las ideas en las que se basó para la creación de los monstruos le sobrevino al pensar en una de sus película favoritas: 'RocknRolla' y toda esa historia de los 'cangrejos en el Támesis'.

La película, a pesar de contar con bajo presupuesto, ha gozado de la presencia de una de las actrices más consolidadas y de mayor caché en Hollywood (caché femenino, claro está), Emily Blunt, mujer de Krasinski, lo que ha provocado que junto a las magníficas interpretaciones infantiles de Millicent Simmonds (actriz sordomuda que ya pudimos ver en 'Wonderstruck') y Noah Jupe (una de las mayores promesas juveniles que hemos visto recientemente en película como 'Suburbicón' o 'Wonder') y del propio protagonista, guionista y director, John Krasinski, hace de la película un producto muy completo, tremendamente efectivo, muy notable y que sabe concluir de manera acertada. La fotografía es muy efectiva tanto a la luz del día como en la oscuridad (viéndose todo con claridad) y la banda sonora de Marco Beltrami, a veces algo excesiva, engarza bien con la historia.

LO MEJOR: La tensión, los efectos sonoros, las interpretaciones.
LO PEOR: Algún detalle del guión parece algo forzado.

VALORACIÓN:

Fotografía: 7
Banda sonora: 7,5
Interpretación: 7
Guión: 7,75
Dirección: 8,5
Satisfacción: 9,5

NOTA FINAL: 7,9

No negaré que asistir a los festivales en ocasiones conlleva cierto peaje, como el hecho de tenerte que enfrentar a películas que representan un suplicio como espectador y que quizás fuera del Festival no verías. Algo normal si atendemos al número de proyecciones que se asisten de promedio (de cualquier manera entre 30 y 50 dependiendo del festival). Son sin embargo muchas las ventajas que ofrece: desde visionar films que no tendrán distribución y por lo tanto no podrán ser vistas en una sala de cine nunca más, a plasmar las emociones de una gran cantidad de público ante ciertas películas o, claro está, descubrir y visionar antes que el resto de humanos joyas de enorme calado. Dentro de esta categoría entre sin lugar a dudas 'Lucky', la mejor películas del FICX hasta la fecha y que sin embargo tardará varios meses en ver la luz en salas comerciales: si no hay variación por parte de Avalon, tenedora de los derechos de distribución en España, el 5 de Mayo del 2018.

Habría mucho de lo que hablar en 'Lucky'. Tanto como para divagar, filosofar y llenar páginas y páginas de texto. Sin embargo, como su director ha confesado “prefiero que el público la descubra y aparezca el film en las tertulias del café del día siguiente”.

La película supone la ópera prima de John Carroll Lynch -quién tras exitoso debut ya tiene delante de la mesa nuevos proyectos- y a quién conocerán por su labor como intérprete en películas tan notables como 'Fargo', 'Zodiac' o 'Sutther Island'; actor que recibió primero la oportunidad de interpretar un pequeño papel en la película pero que sin embargo después fue sugerido como director (siempre había mostrado sus deseos de dirigir por primera vez) por los guionistas y productores del film: la pareja compuesta por Logan Sparks y Drago Sumonja, amigos personales de Harry Dean Stanton (uno de ellos asistente personal incluso del actor) y quienes empezaron el proyecto tomando notas y grabando al protagonista sin que éste lo supiera, al menos hasta que un primer boceto del guión tuvo forma. El film supone sin lugar a dudas un efectivo testamento del genial Harry Dean Stanton, quien nos regala una de sus mejores interpretaciones de su carrera (inolvidable en 'París, Texas', 'Alien, el octavo pasajero' o 'Una historia verdadera') y que sin embargo lamentablemente no pudo visionar la película terminada al fallecer el pasado mes de septiembre a los 91 años de edad.

La película está basada en el propio Harry Dean Stanton, con frases y datos personales reales (como su participación en la IIGM, su amor por el tabaco, su afición por los concursos televisivos o la historia del ruiseñor), mostrando la esencia de un personaje ateo, de fuertes convicciones y quien se planteaba sobre temas tan relevantes como la soledad, la libertad o cómo enfrentarse a la muerte. Todo ello está plasmado en la película con una habilidad sensorial y narrativa muy notable (el desierto, los cactus milenarios como esencia de un habitat casi inmortal, lo fronterizo y las rancheras, el mcguffin del teléfono rojo, la representación del cielo y el infierno...), haciendo de la película un retrato crepuscular de Stanton junto con gran parte de sus amigos (los que aparecen como secundarios son en gran parte amigos personales del actor como David Lynch o Tom Skerritt por ejemplo) y que será digno merecedor de varios premios tanto en el propio FICX como en la carrera de premios que está por comenzar.

Un film plasmado con mucho acierto en su fotografía (a cargo de Tim Suhrstedt) y en su dirección, pero sobre todo está cimentado a través de un guión muy brillante donde abundan los momentos existenciales con una gran carga irónica.

Vayan señalando la fecha de estreno en España en su calendario del año próximo.
LO MEJOR: Un Harry Dean Stanton superlativo. La dirección de John Carroll Lynch. El maravilloso guión.
LO PEOR: Que nunca más podamos ver esta poderoso rostro de Stanton en pantalla.

VALORACIÓN:

Fotografía: 8
Banda sonora: 7
Interpretación: 10
Guión: 9
Dirección: 8.5
Satisfacción: 9

NOTA FINAL: 8,6