Jillian (Marlee Matlin) es una amante del "running" y entrenadora personal de, entre otros, Mickey O'Malley (John C. McGinley), un periodista que siempre anda tras conspiraciones que no llegan a ninguna parte, tal y como sabe bien su amigo Ben Kendall (D.B. Sweeney). Aun así, esta vez todo es diferente y Mickey ha descubierto que el robo de una valiosa moneda implica a un policía de gran reputación llamado Brock (Martin Sheen). A partir de aquí, la situación se complica hasta el punto de suponer la muerte de O'Malley y el hostigamiento de Brock hacia Jillian y Kendall para recuperar lo que considera suyo.

Estamos ante un "thriller" de esquema narrativo clásico, que raya a un gran nivel en casi todo su metraje, pero que estropea lo conseguido con un giro de guion (véase spoiler) tramposo e innecesario a unos 10 minutos del final. Siempre es un placer ver en pantalla a la ganadora del Oscar Marlee Matlin, pero su buen hacer no sirve para aguantar un filme fallido que, además, muestra alguna escena excesivamente azucarada entre Matlin y Sweeney, como esa en la que los dos se ponen a tocar el piano. Una película para completistas que no hace méritos para ser recordada.

Como curiosidad, en un momento del filme suena la canción "On the Wings of the Night", del grupo de heavy metal Virgin Steele, acreditado como Virgin Steel.

Hay películas que se hacen mejores en una sala de cine, que superan su condición vulgar para convertirse en obras que perdurarán en el recuerdo. Es el caso de "Silencio", el último estreno de Martin Scorsese, cineasta que se aleja de su querido terreno gangsteril para adentrarse en la espiritualidad que desprende el trato fílmico de la religión. El filme, basado en la novela de Shusaku Endo, cuenta la historia de dos sacerdotes jesuitas que se enfrentan a una persecución violenta cuando viajan al Japón de 1640 para buscar a su mentor, del que no tienen noticias desde hace tiempo. A partir de aquí, se relata un periplo a veces fatigoso para el espectador, con reflexiones y torturas a cristianos que se alargan más allá de las dos horas y media de duración, en un metraje excesivamente largo y falto de la garra e intensidad que sí que existía en "La última tentación de Cristo" (Martin Scorsese, 1988). Además, en el apartado interpretativo tenemos a Andrew Garfield como actor principal, quien no ayuda a que la película alcance cotas de verdad reseñables. Su actuación se me antoja falta de fuerza, especialmente en las escenas más duras, con unos "pucheros" en los que no caerían actores que creo hubieran sido mejores opciones de casting, como por ejemplo James McAvoy o Ben Whishaw.

Sin embargo, todos los obstáculos quedan en un segundo plano en la sala de cine, donde "Silencio" luce majestuosa con una portentosa recreación del Japón de la época y una lucha de creencias que, aun repetitiva, resulta capital incluso en su sinsentido. Esa dicotomía del fervor creyente se personaliza hacia el final de la película en el encuentro entre Liam Neeson y Andrew Garfield, donde el padre de "Venganza" vuelve a dar una lección de hondura interpretativa que se aprecia aún más enorme en pantalla grande. En este punto, el "crescendo" del filme es ya imparable y cristaliza en una escena que pasa a la historia del cine, donde la imagen se ralentiza y se elimina cualquier sonido que pueda distraer de la idea de soledad ante el silencio de un dios cristiano. Os aseguro que en la sala de cine no se oyó ni el vuelo de una mosca, un momento mágico que nunca había vivido y que supongo que nunca volveré a vivir, como también os digo que a falta de dos o tres minutos hubo gente que se marchó de la sala después de haber aguantado casi las dos horas y media del relato. "Silencio" no es un plato fácil de digerir, hay que ir preparado para el cambio de rumbo que supone la nueva aventura del director nacido en Queens, pero es una experiencia cinematográfica que se magnifica en la sala de un cine. Scorsese sigue filmando, huye del sigilo y se lo da a sus espectadores en forma de un tesoro que bien vale el pago de una entrada. Es, en definitiva, un silencio que grita a voces.

Omar, un adolescente que vive en un suburbio al norte de Beirut a finales de los 90, está harto de la agobiante realidad que vive día a día. Las noticias del belicismo imperante en la capital libanesa segregada se suceden en la televisión y hacen que la esperanza de un mundo mejor se reduzca cada vez más. Omar utiliza como vía de escape la azotea de su casa, un piso en el que vive con unos padres que parecen indiferentes tanto a él como a lo que acontece a su alrededor. Sin embargo, esa azotea ya no resulta ser suficiente y la visión que desprende de la ciudad provoca que el joven se lance a ella con su moto para explorarla y escapar de una existencia que no le satisface.

En pleno Beirut, Omar descubre un gran elefante de oro, algo que se sale de la norma y que lo engulle en su interior para iniciar un viaje en el que encuentra un paraíso terrenal. Así, el chico cree haber escapado de su otro "yo", ese que se muestra al principio del cortometraje y que representa las cadenas que le unen a una rutina marcada por la dicotomía que su director, el libanés Ely Dagher, establece entre imágenes reales y animadas. El último plano, con el elefante levitando sobre un agua llena de realismo, transmite que esa dualidad, a pesar de anhelos escapistas, va a continuar a los ojos de alguien que aún no ha encontrado su sitio.

Jim-Box es un "cineasta" asturiano que se presenta en su twitter como "Guerrilla Filmmaker". Si nos atenemos a esta definición, Box formaría parte del denominado "cine de guerrilla", es decir, aquel que, por lo general, se hace con bajo presupuesto y tecnología de vídeo digital. En España tenemos ejemplos tan elocuentes como "Dispongo de barcos" (Juan Cavestany, 2010), "Diamond Flash" (Carlos Vermut, 2011), "Mapa" (León Siminiani, 2012), "El mundo es nuestro" (Alfonso Sánchez, 2012) o "Los ilusos" (Jonás Trueba, 2013), por citar algunos. Incluso en el mundo del cortometraje me viene a la mente un ejemplo paradigmático de este tipo de cine como es "Los gritones" (Roberto Pérez Toledo, 2010), una pieza que en aproximadamente 2 minutos nos recuerda el valor de la frase "menos es más". Sin embargo, en la "obra" que nos ocupa los mismos minutos son utilizados para perpetrar lo que parece una broma privada sobre la gripe aviar. Con una voz que se asemeja más a la de un cachondo empastillado que a la de un realizador con futuro, el bueno de Jim nos va narrando sus tribulaciones acerca del porvenir de las aves que se ven afectadas por ese tipo de gripe, y ya al final del corto, como en un destello de lucidez, nuestro aventurero pronuncia la frase "quizás deberíamos reflexionar".

Las últimas andanzas de Jim incluyen un spot para la campaña "Gijón, querrás volver" y frases tan ingeniosas en twitter como "¿Ya no se doblan los iphones o que?" -curioso que ponga el primer signo de interrogación y no acentúe el "qué"-. Viendo estos logros, un pensamiento invade mi cabeza. Jim, tenías razón, quizás debiste reflexionar.

"Matriculado", del director surcoreano Peter Chung, quien tiene una amplia experiencia en el campo de la animación, puede que sea uno de los cortos más flojos de la película de cortometrajes animados "The Animatrix" (Varios, 2003), pero no por ello de baja calidad. Sin duda, su punto fuerte reside en el apartado visual, donde Chung hace gala de un estilo depurado con ecos del expresionismo europeo de Moebius combinado con la omnipresente animación japonesa. No en vano, Chung admira a artistas tan diversos como el director japonés Koji Morimoto o el pintor Toulouse-Lautrec.

En cuanto al apartado narrativo, es verdad que Chung adolece de cierta falta de contenido -por ejemplo, esa especie de viaje místico que constituye el nudo del corto y que seguramente resulta demasiado largo-, aunque bien es cierto que hay algún que otro apunte interesante, como por ejemplo ese diálogo en que se habla sobre la realidad y lo que nuestra mente entiende por "realidad". En este sentido, es esencial comprender que cuando los rebeldes tratan de humanizar a las máquinas para que pasen de ser enemigos a aliados lo hacen en una SIMULACIÓN DE MATRIX -llamada "Matriculation", de ahí sale el título del corto-, pues en el momento de su estreno hubo fans de la saga que se sintieron perdidos por no comprender el escenario donde los rebeldes se conectaban para llevar a cabo su cometido.

Es por estas razones que considero que, aun con sus limitaciones, "Matriculado" es pieza esencial en el entramado de fondo y forma que constituye "The Animatrix". También lo es por el significado de viaje interior y de misterio que encierra la protagonista femenina, Alexa. Según Peter Chung, "un cierto grado de ambigüedad o misterio es el ingrediente fundamental de cualquier manifestación artística". Sin duda, este poético reducto de rebeldes que protagoniza "Matriculado" responde a eso.