Después de ver la peli, leer mucho sobre ella y escuchar críticas, incluso al propio Renoir hablando sobre la película, aprecio su calidad, pero he de confesar que por más que lo he intentado, no me llega.
Es indudable la calidad con que Renoir retrata la decadencia de una sociedad (no sólo el estamento burgués sino el que está por debajo) justo en el momento inmediatamente anterior en el que todo está a punto de estallar por los aires, pues recordemos que Renoir filma poco antes de estallar la Segunda Guerra Mundial. La metáfora es más que incisiva.

No puedo negar que hay momentos estelares, como el de la caza (realmente cruel), con indudable maestría técnica como la profundidad de campo, o la habilidad para meter a tantos personajes en el encuadre sin que parezca un despiporre, así como la fiesta de disfraces o el teatrillo que representan con la icónica imagen del gorila, el propio Renoir.

Alabo esa habilidad para cambiar de comedia a tragedia sin solución de continuidad, pero no me llega. No me seduce, me siento distante. No es la película que volvería a ver, a pesar de que, como se dice, parece que los personajes ofrecieran una actuación diferente, tomaran otro camino en cada visionado. Es indudable su modernidad tanto en las relaciones que mantienen todos con todos, como en el mensaje, el fondo y la forma. Pero no es de mis películas favoritas. El ritmo no me engancha, los personajes tampoco.

Ha estado muchos años en listas como una de las mejores películas de la historia, pero en mi lista no entraría. Aún así, sé apreciar sus virtudes, pero una de las máximas del cine también es entretener y por alguna razón, “La regla del juego”, a mí, personalmente, no lo hace.

Un matrimonio de la alta sociedad inglesa visita Italia para vender una villa de su propiedad en Nápoles. Allí, lejos de su rutina diaria, en lugar de acercarse más, ahondan en sus diferencias. Qué duda cabe que la ciudad, el contexto, les influye enormemente, pero la relación ya estaba herida de muerte. Los continuos reproches, los celos y la ausencia de química y amor van cada vez a más. Marido y mujer se comportan casi como dos extraños.

Un sencillo argumento al que el maestro Rossellini da su toque. Se dice que fue una de las películas más innovadoras de su tiempo. Los críticos italianos no la entendieron y la pusieron a parir. Esta reflexión sobre la pareja puede producir una sensación de película deshilvanada por la poca acción dramática que contiene, pero se debe a la preocupación de Rossellini por ahondar en la esencia de los personajes. Fue una película muy adelantada a su tiempo (1953).
Más que el neorrealismo de sus primeras películas (Roma, ciudad abierta), Rossellini nos muestra un realismo interior, emocional.

Parece ser que Rosellini, aunque tenía claro lo que quería, no rodaba con un guión encorsetado, lo que le da una naturalidad y una frescura a la película tremenda. Se dice que los directores de la nouvelle vague sentían fascinación por esta película.

Rossellini, al contrario que Hitcochk, que tenía todo planificado, se fía más de la improvisación, de captar el momento, de dar libertad a los actores. Su preocupación por la iluminación o el encuadre es menor.

Es impresionante cómo Rossellini nos relata el tormento interno de estos dos personajes que casi parecen dos desconocidos. Ella es partidaria de visitar museos, contemplar la cultura autóctona, mientras que a él le aburre y prefiere irse con amigos y visitar clubs. Las escenas filmadas del museo son de una exquisitez embriagadora.

La civilización romana expuesta aquí es el símbolo claro de esta relación que se diluye. Cuando asisten al descubrimiento arqueológico de dos amantes que perecieron abrazados, ambos se sienten sobrecogidos.
La interpretación de estas dos estrellas de Hollywood (George Sanders e Ingrid Bergman) casi perdidos en Nápoles, Capri o Pompeya no puede ser mejor. La presencia de la muerte es también notable (catacumbas, enamorados).

Con exquisita elegancia, el director italiano filma este tour de force entre dos grandes actores. La propia relación de Rosselini con Ingrid Bergman estaba pasando un mal momento. A veces, parece que Rosselini estuviera filmando un epílogo de su relación. Pero ¿quién puede saberlo?

Uno de los westerns más aclamados por la crítica en la historia del cine. Hay muchas cosas y muy buenas, aunque yo no lo metería en el top 5 de mis westerns favoritos.

Dirigida por uno de los grandes, Howard Hawks. Un sheriff con la ayuda de un alcohólico y un viejo tienen que hacer frente a una banda de forajidos que intentan sacar de la cárcel a un bandido que ellos custodian. Con este sencillo argumento, Hawks nos muestra un western atípico, en donde no hay grandes espacios, salvo el inicio, pocos caballos, y pocos tiroteos.
A cambio nos imparte una lección, donde puede reflexionarse sobre cómo la lealtad crea unos vínculos tan fuertes que casi son indestructibles. Pero además Hawks habla de amistad, dignidad, coraje, y profesionalidad entre otras muchas cosas.

Es un western muy contenido en acción. A cambio, desprende una tensión y una intriga especial. Por ejemplo, cada vez que el sheriff (un implacable John Wayne) y su ayudante ( un Dean Martin excepcional) patrullan la ciudad o tienen que salir de la cárcel que vigilan y dejan a cargo a un anciano corajudo que les ayuda (impresionante Walter Brennan).

Hawks va tensionado la historia, creando un in crescendo con un nudo de más o menos una hora, para llegar al tramo final donde concentra toda la acción.

Hay una secuencia prácticamente de cine mudo al inicio de unos 4 minutos que es una maravilla. Todas estas virtudes y otras muchas hacen este film uno de los grandes del western. La relación de Wayne con Dean Martin es genial, ya que el sheriff es sólido y robusto pero su ayudante es su punto débil por su alcoholismo. Es genial la escena donde intenta recoger una moneda de la escupidera y Wayne lo evita.

Sin embargo hay unas pequeñas apreciaciones para mi gusto que le restan enteros.

1-La duración. A pesar de que no se hace larga, y está muy bien contada me parecen excesivos 140 minutos. Hay algunos tiempos muertos que si se hubieran cortado no hubiera pasado nada.

2- Momentos musicales. Entiendo que a mucha gente le gusta, y que Ricky Nelson era una estrella y había que explorarlo, pero a día de hoy me sobra la canción.

3- La relación de John Wayne y Angie Dickinson sale adelante por la enorme profesionalidad de los actores, pero hay diferencia de edad entre ambos y además Wayne no era un galán tipo Cary Grant. Con John Ford se le ve más cómodo en esta faceta (Centauros del desierto, La diligencia, etc).

Por lo demás, los aspectos técnicos son inmejorables, como el Technicolor. Y el tramo final desencadenante también notable. No fue tenida en cuenta para los premios Oscar de ese año.

Hawks haría una nueva revisión en "El dorado" (1966), también con John Wayne.

Superar el nivel de "La amenaza fantasma" no parecía demasiado difícil, sobre todo porque ya casi no aparece Jar Jar Binks, lo peor sin duda de la galaxia.
Sin embargo, no parece que Hayden Cristensen sea ese actor que nos deje obnubilados en un papel tan importante como el de Anakin.
No es una mala película, se sigue con gusto, pero no es una maravilla. Sinceramente, se esperaba algo más.

Hay varias tramas, la que menos funciona con diferencia es la de Anakin. Su romance con Padme, a veces funciona, otras veces da la sensación de que falta química entre actor y actriz, algo incomprensible dada la belleza inacabable de la guapísima Natalie Portman, que se esfuerza pero su partenaire es bastante limitado como actor. El fallo no es de Hayden Cristiansen sino de quien lo eligió: no da la talla.

El guión tampoco es como para echar cohetes, por ejemplo la misión de Obi-Wan de encontrar el planeta perdido o la presencia de Anakin con su madre parece algo precipitada y forzada.

En cuanto a los personajes, no digo que tengan el carisma de Luke Skywalker, Han Solo, o la Princesa Leía, pero es que están tan distantes de ellos...

Sobresalen los efectos visuales (obtuvo su única nominación a los Óscar en este apartado) y las escenas de acción, como los duelos, o las peleas con sable láser, aunque a veces se abusa. Por ser positivos,siempre se celebra la presencia del maestro Yoda y un mayor protagonismo en esta entrega de Samuel L. Jackson.

La película no parece tener una "vida autónoma" sino que todo está supeditado a entroncar la historia con los capítulos siguientes. El montaje no acaba de convencer con las tramas paralelas que se intercalan quitando ritmo al film.

Al episodio uno le di el beneficio de la duda (no gustó a los usuarios que votaron en contra), pues Jar Jar Binks lo jodió todo, pero aquí ya no hay excusa: George Lucas falla.

Se ve porque es Star Wars, pero queda muy lejos de la película soñada.

Película típicamente "buñuelesca", muy aclamada por la crítica. Digamos que por su "rareza" es una película única y muy celebrada dentro de la filmografía del genio aragonés.

La historia es bastante sencilla: unos invitados de la alta sociedad acuden a una invitación en una lujosa casa para una cena. Al principio, hay varios sirvientes que se van precipitadamente al tiempo que llegan los invitados. Al llegar la hora de marcharse, los caballeros y las damas sienten que algo les impide misteriosamente salir de la habitación en que han estado.

No hay una explicación lógica, más allá de la crítica que Buñuel hace a la alta burguesía. Según el, cada persona debe interpretar la película, incluso tras otro visionado se puede tener otra interpretación.

Siempre a la vanguardia, este exponente máximo del surrealismo, intenta agitar al espectador, proponiéndole algo distinto, algo a lo que no esté acostumbrado, partiendo en ocasiones desde sus obsesiones y manías, como el sexo (intento de violación) o la muerte ( la señora moribunda). Todo ello partiendo desde este colectivo representativo de la burguesía, para ir diseccionándolo individualmente, de manera que aparecen las miserias individuales.

En esta nueva revisión, he de confesar que me ha sabido peor. Quizá perdido el factor sorpresa, el impacto es menor. En mi caso, el entretenimiento decae , y hay un momento en que la película parece estancarse; no obstante, la audacia del director de "Un perro andaluz" lo impide. Por ejemplo, nos muestra una aproximación desde el exterior, incluso con el ejército, o la inclusión de animales, así como esa fantástica mano que nos es familiar.
No hay que buscar coherencia en los diálogos, aunque tampoco parecen haber sido los mejores en la carrera de Buñuel.

En en el reparto destaca Silvia Pinal (colosal en "Simón del desierto"), muy por encima del resto. Parece ser que no quedó muy contento Buñuel con el reparto y con la falta de medios, pero aún así se las ingenió para ofrecernos algo nuevo en este atípico film.

Con todo hay que decir que es una película casi de obligado visionado por su singularidad, y hay que alabar el arrojo de Buñuel para filmar películas tan suyas. La decadencia dela sociedad y la desunión quedaron fenomenalmente plasmadas. La interpretación de la película queda sujeta a casa espectador y su estado de ánimo en ese momento.

Buñuel, único.