El Caballero Oscuro: La leyenda renace era uno de los estrenos más esperados de este año. El cierre de la trilogía de Batman a cargo de Christopher Nolan, el director más de moda en el panorama cinematográfico actual, venía precedido por dos títulos que están bastante por encima de la media entre las adaptaciones de cómics de superhéroes que habíamos visto en los últimos años, y habían dejado a la altura del betún a ese pobre murciélago que pululó por las pantallas durante los noventa, después del abandono del señor Burton.

Si bien la primera de Nolan, Batman Begins, supuso toda una declaración de intenciones, la segunda entrega, El Caballero Oscuro, logró una brillantez que sólo el tiempo sabrá poner en su sitio, pero que, de momento, sigue resplandeciendo entre los fieles al género. Sin duda, el malogrado Heath Ledger tuvo mucho que ver en la mitificacón de este título, gracias a su memorable interpretación del Joker (nada que ver con el de Jack Nicholson), y también a causa de su inesperada muerte poco tiempo después de esta película. Sí, en verdad, así es como se crean los verdaderos mitos.

Por esto, y por el anuncio de Nolan de que ya no dirigirá más al héroe de Gotham, la vuelta del caballero oscuro era deseada este verano, aunque parece que la gente no ha tenido bien claro qué ha supuesto esta película. No es la mejor película de las tres, aunque probablemente tampoco sea la peor. Pero no está a la altura de su predecesora, eso sin duda. Demasiado contenido, demasiada condensación y, aunque el largo minutaje no se hace cansado, la película deja un atisbo de agotamiento o de saturación que provoca alucinaciones en los espectadores y críticos polemistas.

Personalmente, he visto una gran película de acción. Efectiva, resultona, espectacular si es que algo puede parecer espectacular hoy en día que ya lo hemos visto todo, con correctas interpretaciones, gente conocida en el reparto, etc. Deja buen sabor de boca después de haber visto hace pocas semanas Spiderman, aunque no sacia del todo si esperábamos que fuera la mejor de la más reciente trilogía de Batman. Eso sí, no soy capaz de ver esa tremenda crítica a la corrupción, a las instituciones, a los mercados, y a todo lo que se menea hoy en día en ambientes refinadamente gafapástidos. Yo las prefiero llevar de metal, o sin montura, que me dejan disfrutar mejor de un producto para entretener, como es Batman, y no me distorsionan la cabeza pensando que cualquier buen producto de Hollywood tiene que llevar atado un mensaje filosófico forzado.

Grande Nolan como director, y como creador de ambientes e historias. Pero que no le pongan etiquetas que no le corresponden, porque será malo que la gente se las crea. Y peor aún puede ser que se las crea él mismo.

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En una Nueva Orleans tópica, festivamente atractiva y nocturnamente insegura, Will (Nicolas Cage) y su guapa mujer Laura (January Jones) viven una vida cómoda y tranquila, clase media, gente media, pero con un karma raro pululando por la ciudad. Nueva Orleans ya no es una ciudad tan alegre como antes, e incluso de día parece que es de noche. Una de esas noches, Laura sufre un desgraciado percance a manos de un violador, y Will se reconoce impotente y desorientado ante tal situación. Pero entonces aparece un extraño personaje, Simon (Guy Pearce), que le ofrece a Will ayuda para que se haga justicia a cambio de unos pequeños favores futuros. Ya no hace falta decir nada más. Queda casi toda la película por delante y ya sabemos qué es lo que va a pasar. Pobre Will, qué futuro más negro.

El título original es Seeking Justice, por lo que El pacto es una acertadísima adaptación para el nombre de la pelicula. Los que la vemos pactamos no quejarnos si la película nos parece mala, porque ya sabemos lo que vamos a ver. Y los creadores de este producto pactan ofrecernos una película muy estándar. Tanto que, si has visto mucho cine actual, te aburrirá.

Nicolas Cage está en su línea, o sea, con eterna cara triste, y Guy Pearce también, o sea, menos expresivo que un corcho. Tampoco se le puede pedir mucho más a su personaje.

En conclusión, pocos se fijarían en esta película si no fuera porque Nicolas Cage sale en los créditos. Y si no estuviera en bancarrota, es probable que ni el propio Cage se hubiera fijado en ella.

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Hace diez años ahora que Sam Raimi abordó la tarea de llevar al cine las aventuras de Spiderman, ese superhéroe de cómics creado por Stan Lee que tantas horas de entretenimiento había dado (y sigue dando) a los más jóvenes. Este Spiderman, encarnado por el caratímido Tobey McGuire, tuvo una gran acogida entre el público y no tan mala entre la crítica. Y fueron tres películas las que se hicieron así, con Sam dirigiendo, Tobey saltando y Kirsten Dunst pasteleando, que se me había olvidado.

Y, claro, ¿cómo no va a ser sorpresa cuando me entero de que la entrega de ahora, diez años después de que a Tobey le mordiera la araña, vuelve a tratar ese mordisco? ¿Tanto han evolucionado los efectos especiales o las tecnologías cinematográficas como para que aquello haya quedado obsoleto tan rápido? ¿No podían haber esperado, al menos otros diez años?

Demasiadas preguntas, pero es que es Spiderman, así que hay que verla. Exactamente. Hay que verla, porque no es ni mejor ni peor, es distinta. El Peter Parker que encarna Andrew Garfield se asemeja algo más al original, más descarado e hiperactivo que el anterior. La historia también justifica mejor su conversión a superhéroe, o al menos lo cuenta de manera más efectiva, y Emma Stone está genial como Gwen Stacy (sí, en esta ocasión no tenemos a una MaryJane tonteando con la araña).

En cambio, el conjunto de la película tiene dos problemas. Uno, de carácter menor, es que la trama amorosa está demasiado presente, con momentos realmente cursis, casi de comedia romántica. No es que sea una mala trama, sino que, por momentos, no parece que estemos ante una película de superhéroes. Pero esto se ve acentuado por el otro problema: y es que una película de acción tiene que tener eso, acción. Y para que haya verdadera acción en una película de Spiderman tiene que haber un malo que acojone de verdad. Y, aquí, el lagarto no es que no dé miedo. Es que apenas le da tiempo a darlo. Su historia, sus razones y sus planes no tienen la profundidad merecida, y un mayor tratamiento de esta parte del guión podría haber convertido a esta nueva entrega del hombre araña en un producto mucho más equilibrado y redondo. Creo que a nadie le habrían importado quince o veinte minutos más de metraje, y los resultados serían mucho más estupendos.

De todas maneras, no es un mal recomienzo para la saga, y mucho menos pensando que Marc Webb es casi un novato en estas lides. Esperaremos a ver cómo sigue, porque ya está prevista una segunda entrega.

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Hace unos cuantos años se decía que el género del western estaba muerto. Obviamente, si uno se fija en la cantidad de películas relativas a pistoleros y cowboys del oeste que se hacían en los años cincuenta o sesenta, también hoy se podría decir que está muerto. Pero eso no impide que, de vez en cuando, salgan grandes obras encuadradas entre tiroteos y relatos de una zona salvaje allá por las américas, cuando había poca ley y mucha pólvora.

Y es normal. Todos tenemos pasión por unos cuantos títulos del oeste, o de vez en cuando (re) descubrimos joyas ya olvidadas, pero merecedoras de un lugar en nuestra estantería principal. Desde Ford hasta Leone, han sido tantas y tan variadas que era imposible que un individuo como Quentin Tarantino, personaje en el mejor sentido de la palabra y experto en sacar el jugo hasta la pulpa de todo aquello que mamó en su juventud, tardara mucho en prestarle merecido homenaje. Me congratulo por ello.

Django desencadenado se rinde ya a los ídolos de Tarantino desde el título, marcando pleitesía a aquel Sergio Corbucci con Franco Nero. Los spaghetti western siempre fueron una fuente de inspiración para el de Knoxville, que ha sabido ver en ellos mucho más allá que el resto de los mortales. Y tanto, como él dice, ya que los cowboys en Europa llegaban siempre un poco más lejos que los de Hollywood. Pero, aunque haya pasado casi medio siglo desde aquellos Djangos italo-españoles, el género no le sienta nada mal a Tarantino. De la mano, desde el principio, de un Christoph Waltz bastante agradable de ver, pero que no consigue que el doctor Schultz sorprenda tanto como el nazi Landa, y de un Jamie Foxx muy atrevido como el liberto Django, nos adentra en una historia, cómo no, de venganza y respuesta ante el mal. Y el mal, aquí, es otro actor de primer nivel: Leonardo DiCaprio. La verdad, se ha hablado mucho del papelazo que hace Leo en esta película, y es cierto. Destaca, para bien, su manera de enfrentar los diálogos tan peculiares de Tarantino, para los que tan bien nos ha calentado Waltz. Pero, de lo que no se habla tanto y es realmente sorprendente es la actuación de Samuel L. Jackson como Stephen, esa especie de mayordomo de confianza, fiel hasta la otra vida y listo como él solo. Impresionante e irreconocible.

Si la elección de los actores, y el espacio que se les deja recorrer, es buena, tampoco se queda manca la música. Tan importante para Tarantino, y tan efectiva, sobre todo cuando al empezar ya nos comba el humor al gusto sesentero,morriconamente, dejándonos prever que aquí vamos a estar ante un western clásico, pero de los otros clásicos. Eso sí, adaptado un poco al tarantinismo, con sangre, acción y, también, algunas notas de humor dignas de cierto grupo británico setentero, no sabemos si consciente o inconscientemente.

Película dirigida al público, para el público, con mucha pasta de por medio, y con mucha trayectoria en taquilla. Presumiblemente, a Tarantino no lo reconozca la crítica tanto como el espectador de a pie, pero hoy en día eso ya no importa. El cine es para gustar, no para gustarse. Y si uno se gusta gustando, mejor. No hay que pensar demasiado.

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Las películas sobre viajes en el tiempo siempre son arriesgadas. Tratar un tema tan complicado en cuanto a coherencia y lógica, sobre las consecuencias y movimientos que estos viajes pueden ocasionar, es bastante delicado para un guionista. Pero claro, cuando se arriesga y después se gana, el éxito es mayor. Y eso es exactamente lo que le pasa a Looper.

Aquí hay una historia ambientada en el futuro, donde unos asesinos llamados loopers matan a gente que les envían desde un futuro más lejano aún. Y el tomate llega cuando el looper protagonista, Joe, encarnado por Joseph Gordon-Levitt, recibe el encargo de matarse a sí mismo, o lo que viene a ser su “yo” del futuro, que no es otro que Bruce Willis. Solo con verle la cara a cada uno de ellos, sabemos que uno es tierno y obediente y el otro es, simplemente, duro de matar. La mayor paradoja de la historia viene cuando el Joe joven decide no hacerle caso al Joe viejo, y se empeña en cumplir su trabajo. ¿Por qué no te haces caso a ti mismo con treinta años más? So zoquete, ¡eres de la persona de la que más te deberías fiar! Difícil pregunta ésta que se plantea, ¿verdad?. Afortunadamente, Looper no está escrita por el iluminado guionista de “Perdidos” o “Prometheus”, y la(s) respuesta(s) aparece(n) de manera más que solvente según va terminando la película.

Para los que tengan miedo de que Bruce Willis encarne a uno de los personajes protagonistas, sólo decirles que su presencia no es tan amplia como parece por el cartel. Eso sí, que nadie espere una interpretación que vaya más allá de la cara de póker multiusos. El verdadero protagonista es Joseph Gordon-Levitt, el cual, bueno, sigue siendo una promesa de éstas que no sabes dónde acabarán.

En conclusión, recomendable porque es atrevida y consigue su objetivo e, incluso, me atrevo a decir que se convertirá en película de culto dentro de unos años, al estilo de “Doce monos”. Oh, no, otra vez Bruce Willis. ¿Qué tendrá este tipo que está en todos los sitios?

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