Difícil tarea se le presentó a un para mí desconocido Philip Haas, y es que adaptar una novela siempre implica ciertas complicaciones y si es de un escritor tan personal y propenso a las figuras literarias, situaciones oníricas y con un mundo tan vasto y particular como Austen la tarea es aún más ardua. En ese sentido podemos afirmar que Haas ha salido vivo del envite y no solo eso, sino que además ha conseguido una obra sinuosa y que capta, en términos generales, la esencia de la novela.

El apartado actoral correcto, destaca un contenido (y casi irreconocible) James Spader y el trío de venerables actores M. Emmet Walsh, Charles Durning y Joel Grey (estos dos últimos en especial forman una extraña pareja por momentos cómica, por momentos terrorífica). El resto del reparto no desentona aunque tampoco destaca: Mandy Patinkin y Samantha Mathis correctos sin más y casi un cameo testimonial de Chris Penn.

No profundizaré en la historia ya que recomiendo encarecidamente la lectura de libro, pero si afirmo que es una de las historias más desesperantes y desarraigadas que he leído en mi vida no mentiré, y el film de Haas le hace justicia.

Recomendable para fans de Auster en general y lectores de “La Música del Azar” en particular.

Cualquier aficionado al cine que encare el visionado de este film se encontrará con varios detalles que le harán salivar cual perro de Pavlov, a saber: tres adaptaciones de un genio del misterio, del terror psicológico y de lo oculto y sobrenatural como Edgar Allan Poe, llevadas a cabo por tres interesantísimos primeros espadas del cine europeo y una auténtica maravilla de reparto con actores de la talla de Jane Fonda, Alain Delon, la Bardot o Terence Stamp.

El nivel de exigencia está muy alto, pero por desgracia no se satisface quedándose en una típica cinta episódica con poco espíritu y de nivel totalmente irregular.

El segmento de Roger Vadim (“Metzengerstein”) es inconexo, de adaptación totalmente incomprensible con una narración trompicada y con agujeros de guion más que palpables. La más floja de la terna y un más que deficiente homenaje a Poe. Lo único salvable una espectacular Jane Fonda que luce palmito (e improbables cambios de vestuario) lo que hace que la experiencia sea mínimamente aceptable.

La segunda historia (“William Wilson”) corre a cargo de Louis Malle quien consigue sin duda alguna captar la esencia del relato y plasmarlo en imágenes pese a que juega con la historia y la deja en su terreno. El aroma a irrealidad y misterio impregnan cada minuto del metraje y Delon está tan guapo como siempre ofreciendo una doble interpretación a la altura. Brigitte Bardot como siempre espectacular (y además en esta ocasión una de las pocas veces que se la ha visto luciendo cabellera morena en pantalla). Muy lograda.

Para cerrar el metraje contamos con el maestro Fellini que ya avisa desde el inicio de la esencia de libre adaptación del cuento (“Toby Dammit”) por lo que solo cabe dejarse llevar por su estilo tan personal y disfrutar con un relato onírico y terrorífico con unas sugestivas imágenes, decorados y situaciones que desembocan en un final previsible. Excelente Terence Stamp aunque se esperaba algo más del gran maestro italiano a la dirección.

Jesús Franco, el tío Jess, ese pedazo de artesano que bate géneros cinematográficos con la maestría de un iluminado (o de un lunático, hay para todas las opiniones), nos regala en esta ocasión una joyita de lo kitsch, una gema bizarra de lo casposo, sorprendente, histriónica y superentretenida (si algo tenía el maestro es que sus pelis no dejan indiferente a nadie).

La situación se desarrolla en un complejo hotelero en Gran Canaria, donde se alojan un grupo de "alegres" camareras dispuestas a pasar las mejores vacaciones de su vida. Desde el minuto uno tenemos pantalones apretados y top-less a casporro, no olvidemos que estamos en la época del destape, de esta forma disfrutamos de la musa del director Lina Romay en todo su esplendor. Los números lésbicos y de alto contenido erótico están servidos tan pronto como cada pareja de camareras entra en su habitación (para que dormir solas si puedes compartir cama, literalmente, con una amiga), estos momentos nos ofrecen diálogos marca de la casa que sinceramente son hilarantes.

Por allí también está Eva León ofreciéndonos sus encantos encadenada a una pared en plan esclava sumisa.

Y para rematar la faena un viejales voyeur, un joven y sádico director de hotel y unos templarios de curioso aspecto que ejecutan ritos satánicos en las noches de viento (así, tal cual suena).

Cine de serie B de la buena, de la que deja una sonrisa en la boca… Decir que es un film psicotrónico es quedarse muy corto.

Trajes de Gianni Versace, un juez sin casco con el rostro descubierto el 90% del metraje, dos actores de fanfarria y pandereta impostados como Armand Assante o Jürgen Prochnow, ¿¿¿Rob Schneider???...

Todos estos elementos confeccionaron una de las peores adaptaciones del comic de la historia en 1995 con la primera versión del Juez Dredd para la gran pantalla… tanto es así que ni un Sly Stallone en plena forma pudo darle interés (y eso que a priori pintaba muy bien como intérprete del personaje).

Pasados 17 años parece que se ha retomado el proyecto otorgándole la importancia que se merece y nos encontramos con un film en el que la simple presentación de la ciudad donde transcurre (Mega-City 1) ya acongoja al espectador. Si a eso le sumamos la presencia de los jueces tal y como se veía en la mítica cabecera británica, es decir, juez, jurado y verdugo en un mundo sin esperanzas, nos encontramos con una primera aproximación que desprende buenas sintonías.

Sumémosle una interpretación de Karl Urban muy acertada (a quien diga que podría ser cualquiera, le animo a que se repase ciertas imágenes del cómic, por momentos son calcos), el acertado uso de Olivia Thirlby como la (en esta ocasión) novata Psi-Juez Anderson, y a la siempre agradecida presencia de los televisivos Lena Headey (“Juego de Tronos”) y Wood Harris (“The Wire”) y nos encontramos con un cóctel con la ultraviolencia, acción y macarrería como principales ingredientes.

Como en el cómic que adapta, sin ir más lejos.

Y sí, quien opine que Dredd puede tacharse de fascista y violento es que no se ha acercado nunca al personaje.

Cinta adrenalínica, sombría, austera y ciertamente diverida, pero ante todo fiel adaptación.

"Cenizas y diamantes" es una de las primeras obras del director polaco Andrzej Wajda pero no por ello se vislumbran falta de forma o calidad en el film, todo lo contrario.

La película comienza de manera trepidante con un tiroteo en el que se ven envueltos tres personajes (miembros de un grupo terrorista o de una célula de la resistencia, no queda del todo claro) que a la postre serán tres figuras decisivas en el devenir del metraje de la misma. Desde ese mismo punto los acontecimientos se desarrollan de manera imparable en un corto espacio de tiempo, desde el día y pasando por la noche hasta el amanecer de la mañana siguiente.

Uno de los pequeños inconvenientes que se le pueden achacar a Wajda es que no desarrolla con claridad en qué circunstancias históricas se centra la historia, queda claro que es en la liberación de Polonia, pero no es hasta bien comenzada la cinta cuando nos damos cuenta de que los protagonistas Maciek (el excelente y magnético Zbigniew Cybulski) y Andrzej (Adam Pawlikowski) su compañero y mentor, pertenecen al partido ultranacionalista para la liberación de Polonia y atentan contra el alto cargo del Partido Comunista, Szczuka.

Si bien todo ello es una cortina para contar reflexiones mucho mayores y más profundas con la incorporación de la bella camarera Krystyna (Ewa Krzyzewska) quien da al joven pistolero motivos para vivir la vida y no ejercer de mercenario sin sentimientos.

Por ello asistimos de primera mano, y gracias a numerosos motivos icónicos religiosos (el asesinato en la Iglesia, la cruz invertida, la iluminación casi mariana de Krystyna…), alegorías, contraplanos y primerísimos planos cerrados a una historia de lo más poética donde se dan cabida la peligrosidad y la belleza de la vida, el sin sentido de las clases políticas y el terror a perder el verdadero amor.

Por ello Wajda antepone la historia de amor a la clase histórico- política al uso y consigue una verdadera obra maestra (un diamante puro).

Si precisáis más información sobre la liberación de Polonia, usad google que todo lo sabe, para visionar una película sobre la vida, los sentimientos, la culpa, el honor y la sangre, simplemente dadle al play.