SINOPSIS ARGUMENTAL

Zoe, agobiada por las penurias económicas y la falta de soporte familiar, intenta sacar adelante, en solitario, a sus cuatro pequeñ@s. El entorno, degradado y poco amigable, ayuda poco a ello. Un encuentro casual con David, viejo conocido con quien comparte una mutua atracción que quedó postergada años atrás, parece devolverle un soplo de ilusión, y se concreta en una cita que no hará sino poner sobre el tapete las dificultades de Zoe para alumbrar una perspectiva de futuro con unos mínimos de bienestar, no solo material, sino afectivo.

EN UN PÁRRAFO

Andrea Arnold se abstiene de aditivos, conservantes o colorantes -así como de cualquier retórica politizada-, para cuajar, en menos de treinta minutos de metraje, una pieza de cine social capaz de conjugar contundencia en su mensaje de fondo con sutileza -aun disfrazada de tosquedad- en su articulación formal. Una narración amarga y desesperanzada que no necesita de subrayados ni discursos para mostrarnos, en carne viva, y cual puñetazo en la boca del estómago, un mundo difícil y en el que las expectativas se antojan una utopía inalcanzable.

EN SU HABER

Una cámara siempre inquieta, y cerrada hasta el agobio sobre los personajes en plano, que, más allá de constituir una señal identificativa del lenguaje cinematográfico de la autora, dota al relato de un ritmo y una intensidad dramática que se ajusta -como guante a la mano- a la búsqueda de esa desazón y malestar que persigue la trama. Desaliño aparente, solo aparente.

La aplastante naturalidad con la que se desempeña el trío de intérpretes que asumen el papel de las pequeñas de la protagonista, una representación de la inconsciencia infantil que apenas puede atisbar, desde el hambre y la carencia cotidianas, la negritud y amplitud del abismo que se abre a sus pies, esos pies que no paran de corretear, cantar y jugar, cual suerte de particular coro de acompañamiento a las andanzas de su madre, con la que comparten tanas penurias como complicidades.

EN SU DEBE

Quizá (y solo quizá) el punto de efectismo con que se desarrolla la secuencia climática del corto, ésa en la que aparece el insecto que le da título, y que, en un contexto de verismo tan logrado, puede parecer un tanto forzada. O no…

'Bola de fuego', con guión de Billy Wilder y dirección de Howard Hawks, es una cinta estadounidense del 41, que se inscribe plenamente en el subgénero cómico de la 'screwball comedy', esa comedia frenética y alocada de enredos románticos que, con soporte en estrellas legendarias de la época, hizo fortuna en las postrimerías de los 30 y principios de los 40. En este caso, la peli se mueve en un contexto narrativo que confronta dos mundos totalmente antitéticos: el de la cultura y la ciencia, representado por los tiernos y sesudos profesores dedicados a la confección de una interminable enciclopedia; y el del hampa, encarnado en la banda criminal al que éstos, avatares amoroso mediante, han de enfrentarse. Y, en el centro, a modo de enlace, la pareja protagonista, a la que da vida un par de megaestrellas del calibre de Gary Cooper y Barbara Stanwyck; dos personajes que, partiendo de premisas vitales a años luz la una de la otra, terminan... pues eso, para qué desvelar detalles.

El ritmo no llega a ser tan desenfrenado como en otras piezas icónicas del género (algo que, particularmente, agradezco, partiendo de la base de que la screwball, en general, no es santo de mi devoción), pero el film es un auténtico prodigio de construcción narrativa, de desarrollo dramático de una trama que, vista a la luz de nuestras percepciones de hoy, puede resultar rancia, trasnochada o caduca, pero que, trascendiendo dichas consideraciones, y asumiendo su engarce en unos parámetros sociales y culturales muy alejados de los nuestros, luce juguetona y brillante (siempre y cuando 'compremos' todas sus inconsistencias y sinsentidos, claro...). Para amantes de la época gloriosa del cine hollywoodiense, muy recomendable. Y para el resto, también. ¿Pelis? ¡¡¡Hay que verlas todas...!!!

Collage de imágenes, textos y sonidos; Carolina Astudillo elabora con esa base material miscelánea —de la que constituye elemento básico, y amalgama, el cuantioso material gráfico de archivo con el que juega—, y en un despliegue en saltos temporales continuos sin orden aparente, el relato de una vida, la de la Ainhoa del título, huidiza, misteriosa, volátil, casi inaprehensible. Texturas y atmósferas otorgan al conjunto un halo y una personalidad que denotan un sello autoral inequívoco, trufado, además, de un mensaje que reivindica una igualdad aún en construcción y un puente de identidades que salta sobre tiempos y espacios. Fascinante.

Una historia hermosamente quijotesca sobre esa lucha sempiterna entre dignidad y realismo, entre victorias personales y derrotas colectivas, y la dureza de las opciones personales. En suma, la vida. Más de veinticinco años después de su estreno, no ha perdido un ápice de su capacidad de emocionar

¿Drama con pinceladas cómicas? ¿Comedia con ribetes dramáticos? Dejando a un lado encuadramientos de género, El hijo de la novia es, sobre cualquier otra consideración, cine clásico, cine grande, cine hecho con el corazón, puro extracto de vida.

Y es cine clásico porque explota sabiamente las convenciones de género en cada una de sus facetas: por ejemplo, esa música de violines agudos que te sitúa al borde del llanto en los momentos más duros se contrapuntea con diálogos chispeantes e ingeniosísimos en los pasajes más divertidos; y todo ello, en un devenir de la trama que te lleva imperceptiblemente de la sonrisa a la lágrima en cada voluta en que se despliega la historia, no por cotidiana y sencilla, menos atractiva o imaginativa en su planteamiento.

Punto y aparte merecen las interpretaciones. Ricardo Darín y Héctor Alterio, hijo y padre, las bordan, sin fisuras ni altibajos, pero la que realmente toca lo súblime es la gran dama, Norma Aleandro. Su personaje, que daba pie para un muestrario de muecas y desvaríos gestuales tan al uso en películas de otro corte, queda ceñido y controlado para mostrar, puramente, el vacío y el desvalimiento que una enfermedad tan devastadora como el Alzheimer puede llegar a generar; me cuesta trabajo recordar alguna interpretación de ese nivel dentro de esa tipología de personajes. Tampoco se puede olvidar la presencia, fresca y gratificante, de una Natalia Verbeke que proporciona una agradable sorpresa, mejorando ampliamente su un tanto plana interpretación de Nadie conoce a nadie; o el tierno y afable personaje al que da vida Eduardo Blanco, imprimiendo siempre a su condición de redentor la dimensión precisa. En cuanto al resto del elenco de secundarios, quizá no quepa hacerles mayor elogio que el de reseñar que rayan a idéntico nivel que los protagonistas (es decir, altísimo).

[Continúa en Zona spoiler].-


En definitiva, una muestra más (y cuán brillante) de la actual pujanza del cine argentino, una cuestión de talante y talento, y una demostración de que, cuando este segundo corre a raudales, otras consideraciones (como las económicas) bien pueden pasar a un segundo plano.

* Este texto data en origen del 11 de febrero de 2002, y, hasta donde la memoria me alcanza, no fue publicado.