Estaba buscando en la categoría de cine independiente y revisando el historial de las películas que resultaron vencedoras en Sundance me encontré con “Like Crazy”. Ganó el premio del jurado como mejor película en 2011. Aquel año se presentaron mas de 10.000 cintas, 118 fueron las seleccionadas y esta fue la vencedora. Merecía una oportunidad desde luego.

Una historia sencilla, bonita, soñadora, fresca, audaz, realista, contemporánea, mordaz, nostálgica, irresistible, pocos son los calificativos que se merece. Grabada con cámara en mano (una “simple” Canon 7D), ha conseguido despertar en mi sentimientos complejos y profundos. Un comienzo atípico; una inocente carta empieza un romance precipitado que sorprende al espectador. Contemplamos el amor y el miedo de dos jóvenes con una placidez que resulta deliciosa. Todo se graba de manera inocente, tranquila, dulce, sutil, a ritmo de piano, dejando reposar los sentimientos.

Después somos testigos de esa relación separada por la distancia. Sentimos su añoranza, su ansiedad, sus idas y venidas y sus problemas con la VISA (malditos burócratas). Sus vidas continúan, progresan laboralmente, aparecen las terceras personas, los celos y todo se hace cada vez más difícil. Son escenas que rebosan pulcritud y honestidad.
El director juega de manera brillante con los símbolos (la silla, la pulsera, el whisky) y con la elipsis temporal. Sencillos (y movidos) planos mostrando una veracidad y una intimidad contagiosa, evocadora y reflexiva. He traspasado la pantalla y he sido participe de su relación. He sentido envidia y he llegado a experimentar la sensación de necesitar a una persona y sentirme necesitado al mismo tiempo. Es como si durante algunos segundos hubiera saboreado el néctar de la vida, ese que llaman amor. Cuento con los dedos de la manos las películas que me han hecho sentir algo así.

El reparto está maravilloso, natural y espontáneo. Parece una pareja de la calle grabada con cámara oculta. Felicity Jones es una preciosidad, tiene unos labios que invitan a ser probados y unos ojos que desprenden cariño, bondad y ternura. En los primeros minutos pensaba que Anton Yelchin no iba a pegar como pareja, pero enseguida me he identificado con él y me ha gustado bastante. Los padres de ella, lo mismo, representan una compresión y una amabilidad agradable y sincera. El film tiene el metraje justo, no sobra ni falta nada, mide los tiempos de manera fantástica, no cae en tópicos o en banalidades. Nada esta forzado. Una preciosa fábula que acaba en un poema frío y de discutible ambigüedad. Mi primera sensación fue: ¿qué ha pasado?. Pues lo de siempre. La vida, la puñetera vida.

Al ver en la película a Jennifer Lawrence me acuerdo de “El lado bueno de las cosas”. Ha sido alabada por la critica, ha hecho buena taquilla y esta nominada a 8 Oscars. Esta (siendo mejor) quedará en el ostracismo del gran público. ¿Por qué?. Por lo de siempre. El dinero, el puñetero dinero. Por eso quiero dar las gracias a Robert Reford por crear Sundance y a Drake Doremus, que con poco dinero y mucho talento me ha hecho pasar 87 minutos inolvidables. Muchos la tacharan de “pastelada” o capricho Indie. Quizás dentro de unos años la vea así, pero de momento va a directa a la estantería de las películas de mi vida.


Como dice Anna, “por favor, no creáis que estoy loco”.


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Era la película que más ganas tenía de ver. Y hay que saber valorarla porque es una película especial. Depende un poco de tus expectativas, con 8 nominaciones a los Oscars (excesivas, la verdad) habrá gente que esperara más. Pero seguro que muchos han quedado satisfechos, porque es más y mejor de lo que suelen ser este tipo de películas.

Hubo gente que llegó a compararla con “El Apartamento”. El que creyera que iba a ver algo parecido estaba muy equivocado. Yo tenía muy claro que no iba a ver algo así. Como dijo Fernando Trueba cuando recibió el Oscar: “Me gustaría creer en Dios para agradecérselo, pero solo creo en Billy Wilder”. Yo también creo en Billy Wilder y “El Apartamento” es la Biblia de la comedia romántica. Es sagrada. Es irrepetible. Y sobre todo, es incomparable.


A lo que íbamos…

Cómo bien dice la critica, no es una comedia romántico al uso. Yo la definiría como una película terapéutica, con un tema serio de fondo y edulcorada con su danzarín desarrollo y pequeños gags. Y es así gracias a David O. Russell.

En “The Fighter” demostró que era un director de actores. De la rama de Elia Kazan, un director que hace buenas sus película sacando el máximo partido al reparto. Consigue que la historia sea más importante y nos llegue gracias a la personalidad y expresividad que aporta a los actores. Continuamente hace referencias a sus problemas del pasado, hay mucho diálogo, muchos encuentros y el reparto lleva todo el peso del desarrollo.

Los 4 actores están nominados al Oscar. Robert de Niro está bastante bien, se notan sus tablas y en un par de escenas se recrea. Cuaja una buena actuación y me alegro por él, llevaba varios años con el piloto automático encendido. Dicho esto, no creo que sea su mejor interpretación de los últimos años. Quien haya visto “Todos están bien” sabrá lo que digo. Jacki Weaver demuestra el amor de una madre hacia un hijo, su sufrimiento y su orgullo. Lo que hace, lo hace bien, pero es un papel demasiado pequeño para un Oscar.

Y luego tenemos a la pareja Bradley Cooper- Jennifer Lawrence. Russel no quería que Lawrence interpretara a Tiffany. Pensaba que era demasiado joven (21 añitos la contemplan) frente a Bradley (37). Le dejó hacer el casting por pura formalidad y fue entonces cuando cambio de opinión. Gracias Russell, rectificar es de sabios.

No cabe duda que es lo mejor de la película. Dejando a un lado su impresionante atractivo físico y lo bien que le sientan las mallas de baile (tuvo que engordar para el papel por cierto), la chica es un diamante en bruto. Me ha encantado como profundiza en la personalidad del personaje y como evoluciona su papel según avanza el film. Su fuerza interpretativa irrumpe y levanta en varias ocasiones la película. La charla que le da a Pat cuando la deja plantada escenifica lo que quiero decir. Representa muy bien los estados de ánimo, la vemos enfadada, borde, asustada y como poco a poco comienza a sonreír. Se va ilusionando y enamorando, todo ello de una forma muy natural. El mundo es suyo, tiene un futuro muy prometedor.

Es la pareja de baile perfecta para Bradley Coopper. El también hace una buena actuación, alejado del papel de guaperas al que nos tenía acostumbrados. Hay mucha química entre ellos y es sin duda en lo que se basa la película.

No es un gran película, no puedo decir que me haya encantado o que haya visto algo muy original, pero he visto durante bastantes minutos lo que quería ver. Es una forma diferente de contar un romance, una historia con tintes grises (sobre fondo rosa) tan bien llevada por los actores que la relación de sus personajes resulta especial. El comienzo puede resultar algo lento o reiterativo pero lo hace huyendo de los clichés de la comedia rápida y típica (sirva como ejemplo esa primera cita con cereales y en la que hablan de sexo lésbico ). No es muy romántica no.

Poco a poco va cogiendo ritmo, a enredarse todo un poco hasta que llega el final. Aquí si peca de caer en lo típico, aunque lo vuelve a hacer de una manera peculiar. Ese cóctel de baile/apuestas/amigos/mujer deja un buen sabor de boca. Particularmente el desenlace me gusta pero podía haber sido otro. Pero precisamente es ese para hacer optimista (de ahí el título) el mensaje de la peli:

Russel nos dice que la vida, quieras o no, te dará problemas, de diversos tipos y hay que saber como afrontarlos. Hay que aceptarse como uno es y aceptar a los demás como son. En mayor o menor medida nos hace ver que todos estamos locos (De Niro y el fútbol) y que con fuerza y unión (la parte final) todo se soluciona. Hay que buscar la fórmula, olvidar esa canción (¿todos tenemos una verdad?) y tomarse la medicación. Y no hay mejor medicina que el amor de tu familia, de tus amigos y sobre todo, el amor de esa persona que te hace ver la vida de otro color.


Medíquense. Yo lo estoy haciendo ;)


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Era una historia muy golosa. La caza del hombre más temible en el mundo desde Hitler seguro que estaba en la mente de muchos. Bigelow ha sido la afortunada.

Pero…

¿Cómo tratar la caza del hombre que mato a miles de inocentes e hizo una herida para siempre en la sociedad norteamericana?


Hace poco vi un capítulo de “The Newsroom” en el que cuentan la noticia de la muerte de Bin Laden. Sorkin lo hizo cayendo en el patriotismo camuflado, con clase, sabiendo como tocar la fibra a los americanos pero sin caer en la típica escena de la bandera o del himno. Lo hizo de tal manera que encandiló a los americanos y a nosotros al mismo tiempo.

La californiana sigue ese camino (menos mal que no contrataron a Michael Bay) y lo cuenta de una manera admirable.

Empieza con una pequeña mención al 11-S, porque había que hacerla, pero lo hace de manera rápida, elegante y con un pequeño toque sentimental. No hay imágenes, ¿por qué ver los aviones estrellándose?, ¿por qué ver las torres caerse?, ¿o el pentágono destrozado?. ¿Para qué?, las conocemos de sobra, no sorprendería. Además, pecaría en querer buscar la lágrima.

Recurre a un fondo negro y a varios audios de gente que lo vivió en primera persona. Uno en particular que muestra el terror que sufrió una mujer sabiendo que iba a morir y la entereza de la chica de emergencias tranquilizándola. Bigelow en apenas 2 minutos resume lo que sentía la sociedad americana desde aquel día: MIEDO

Y esa es la premisa de esta película. Debíamos ponernos en situación, aceptar que el 11-S cambio a EE.UU. y que desde entonces Osama Bin Laden (OBL) pasó a ser una obsesión.

A partir de aquí tenemos una película con aire documentalista en el que vemos los entresijos del trabajo de la CIA para su captura. Mucho diálogo, ritmo tranquilo a base de interrogatorios, reuniones o seguimiento a sospechosos. Es una película compleja, con muchos nombres, a veces te gustaría pararla y volver a ver algún trozo repetido. Película, que sin duda, precisa de un segundo visionado para coger todos los detalles.

Sin embargo, pese a que tiene minutos de difícil seguimiento, el film tiene varios momentos que sacuden al espectador. Varias e inesperadas explosiones que dan tensión a la historia y hacen moverte de la butaca.

La última media hora es electrizante, demoledora y con una tensión de alto voltaje. La mirada se clava en la pantalla viendo las dudas de la operación y los últimos preparativos.

Llegan las 00.30. Espectacular recreación del asalto a la casa, angustiosa, tensa y técnicamente sublime. A base de los sonidos tu ritmo cardiaco aumenta, la visión nocturna y los primeros planos hacen que lo vivas en 1ª persona. Francamente, hay momentos en los que crees que estas dentro. Me ha parecido brutal. Lo mejor del film y de lo mejorcito del cine reciente.

Con Jessica Chastain seré breve. Guapa, con mala hostia y luchadora. ¿Alguien da más?. La pelirroja del rotulador huele a estatuilla.

Lo dicho, una impresionate película con un final eléctrico y explosivo. Con "The Hurt Locker" me decepciónó pero esta vez Bigelow da en la diana, da un recital de inteligencia, elegancia, alarde técnico y tensión.

O Tarantino o Haneke me hacen cambiar de opinión o ZDT es la mejor cinta del 2012.

¿Conseguirá el Oscar?

Me da igual, que le den a los premios!. Yo quiero pasarlo en grande en el cine y esta película lo ha logrado con creces.


En spoiler el último plano porque merece una mención especial:

1. Perder el pasaporte.

2. Que el sarampión arrase en una furgoneta hippy.

3. Comprar un MG (con extintor si es posible).

4. Hacer Autostop (no te fíes de los que lleven un Alfa Romeo, por si acaso...)

5. Nunca viajes en compañía de una niña repelente. (No me negareís que no habeis pensado... "Una hostia a tiempo quita mucha tontería" jajaja).

6. Nada de hoteles caros, mosquiteras o desayunos ostentosos. Una buena tienda de campaña y unas sardinas. Los motivos religiosos son los motivos religiosos.

7. Usar siempre protección (solar, protección solar malpensados).

8. Que ella lleve sombrero y si se lo quita... AL ATAQUE!!

9. Discutir y cenar con ella sin decir ni una sola palabra. Esto es fundamental para que funcione ;)

10. Volver a perder el pasaporte en la frontera. (Nunca un "perra" y un "bastardo" fueron tan románticos).


Stanley Donen con un gran montaje (unas transiciones de escenas soberbias), un reparto en estado de gracia y unos simpáticos diálogos logró una encantadora comedia romántica. Y de paso dejó una cita para la historia:


"¿Sabes qué es el matrimonio?. El matrimonio es cuando la mujer le pide al hombre que se quite el pijama y es porque ella quiere lavarlo".

Oscar Wilde estaría orgulloso.

En el mundo del deporte hay muchas historias realmente increíbles. Y la Fórmula 1 no es diferente en este aspecto. Una competición con grandes pilotos, coches míticos e inolvidables rivalidades. Ya habíamos visto en 2010 en “Senna”, el histórico enfrentamiento entre Ayrton Senna y Alain Prost. Asif Kapadia consiguió realizar un documental muy emotivo y casi místico. Ahora era el turno de Niki Lauda y James Hunt. Un duelo y una historia especial que por fin tiene la película que se merecía.

Una cinta que va in crescendo desde los andares de ambos pilotos en la Fórmula 2, pasando por su llegada a la Fórmula 1, y hasta llegar al campeonato mundial de 1976. Una película vibrante, con decenas y decenas de planos desde diferentes partes del coche, lo que unido a los excelentes y contundentes efectos de sonido hacen que sigamos las carreras con mucha intensidad y presión.

El gran mérito de Ron Howard es haber conseguido una cinta para todos los públicos. Conozcan o no la historia de estos dos pilotos y sean o no seguidores de la Fórmula 1, la película es apasionante y emocionante. Apasionante porque las carreras están muy bien recreadas, en todo momento parece que las estamos viendo en directo. Con un pobre presupuesto (unos 30.000.000$) el director y la gran fotografía de Anthony Dod Mantle (ganador del Oscar por Slumdog Millionaire) han logrado una película con gran poderío visual. Han sabido captar de manera notable la estética setentera.

Y emocionante -el propio Lauda cuenta que lloró al verla- porque en la parte final, y gracias a la lúgubre B.S.O. de Hans Zimmer, se mezclan sentimientos como el sufrimiento, el dolor, el esfuerzo, la competitividad o el amor, de una manera muy convincente. Los minutos del Gran Premio de Japón son el techo del film. Unos minutos impagables, quizás los mejores de una película de coches. La textura grisácea de la lluvia, las miradas en la línea de salida, el rugir de los motores, la tensión en los boxes, y esa sintonía sonando una y otra vez, nos trasladan mas a un funeral que a una carrera. Y es que otra cosa que Howard quería dejar claro en esta película, es que en aquella época por encima de ganar, estaba sobrevivir.

Inmejorable el homenaje a ambos en los últimos cinco minutos. El reflejo del deporte, el espejo de la más pura competición, dos rivales, dos enemigos, dos formas de afrontar las carreras, dos formas de entender la vida y en especial, el respeto que sentían en el fondo el uno por el otro. Un gran acierto finalizar de esa manera el largometraje.

Los actores realizan buenas interpretaciones, a Chris Hemsworth no le puede venir mejor el papel de guaperas y playboy. Daniel Brühl quizás es más destacable por su caracterización y el difícil reto que suponía imitar el acento del piloto austriaco. Sin embargo, lo que hace a Rush subir a lo más alto del podio es la historia y la forma tan enérgica de contarla.


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