Aislada en el famoso palacio, pues los trascendentes acontecimientos históricos (la historia comienza el dìa de la toma de La Bastilla) le son ocultados a una corte que intenta continuar su vida fútil como si nada ocurriera, este film marca sólo un aspecto de María Antonieta.
Si se espera la recreación de los últimos días de la reina, el espectador se verá decepcionado.
Está filmada en el auténtico Versalles, de eso no hay duda, por lo que la reconstrucción visual es magnífica. Pero la reina no es la protagonista absoluta aunque todo gire en torno de ella. En esta delicada tarea de reproducción fidedigna de las costumbres palaciegas, el director Jacquot ha optado por resaltar la belleza, tanto del paisaje versallesco, sus salones dorados y también la de las tres actrices que componen el trío alrededor del cual gira el guión. Diana Kruger, exquisita y refinada como es su característica habitual, compone una reina que dista de la descripta por Sofía Coppola y más aún de las esteriotipadas caricaturas del cine clásico hollywoodense. Aquí no aparece la liviana María Antonieta del famoso "si el pueblo no tiene pan, buenas son las tortas", sino una mujer con conflictos ocultos como los de su posible lesbianismo, que es sugerido refinadamente por Jacquot. La espléndida y misteriosa Léa Seydoux, belleza natural si las hay, lleva la marcada responsabilidad del personaje central, mientras que Virginie Ledoyen sigue enamorando al espectador como lo hizo en "La playa". La escena en que muestra su esplendor físico mientras duerme es digna de una de las pinturas que adornan todavía el palacio real. Es una película buena, no para todo público, máxime si espera, como lo hice yo erróneamente, un desenlace trágico que el director y su guionista no estaban dispuestos a abordar.

Esta película merecía mayor repercusión y merecimientos que los escasos obtenidos en certámenes de segunda línea. ¿Por qué no aventurar que podría haber sido oportunamente seleccionada con justicia para competir por el Oscar, comparándola con ciertas europeas costumbristas, pero que a su vez abordan temas universales?. Es refrescante para mí encontrarme descubriendo a un gran actor con mucho futuro como lo es Joaquín Furriel. Para eso me despojo de mis prejuicios sobre su trayectoria como galán de telenovelas y surge un gran intérprete que se mete en la piel del difícil personaje de Hermógenes. Y digo difícil por lo tentador que resultaría caricaturizar a un pobre provinciano analfabeto, como suele acontecer con ciertas producciones apuradas de nuestro medio. Pero con Furriel eso no ocurre. Nos olvidamos del galancete y advertimos, a medida que nos vamos introduciendo en el desarrollo, que aparece delante nuestro un sufrido y explotado protagonista, obligado a corromper su dignidad innata de buena persona del interior por la influencia negativa de un sistema perverso, brutal, mafioso y sin escrúpulos, encarnado en el despreciable Latuada, también magníficamente interpretado por Luis Ziembrowski. El resto del elenco acorde con la misión de llevar esta obra sin que puedan detectársele grietas por donde asomen los lugares comunes.
Nos hallamos ante la buena noticia de que el buen cine no está en extinción en la Argentina y que las nuevas generaciones habrán de seguirlo enalteciendo, como Schindel, novel director de largometrajes, y el resto del elenco, de insuperable sintonía con los dos personajes principales.
La historia es real, capturada en una novela jurídica por el gran criminólogo argentino Elías Neuman, a quien tuve el honor de conocer y tratar personalmente cuando todavía transitaba por este mundo. Pude detectar en una de las críticas profesionales que se objetaba su especie de "final feliz", pero quiero recordar que es una historia verídica. Es que el sistema judicial de mi país, con tantas imperfecciones, pareciera haber reaccionado en el caso ante el cuadro de trato servil e inhumano a que fuera sometido el protagonista, para dar cabida a un fallo certero. No es ceñirse al un puro maniqueísmo, sino descubrir que aún no todo está perdido ni es inexorablemente injusto.
Chapeau, aunque tardío de mi parte, para esta pequeña obra maestra.

Las historias de secuestros de aviones y las vicisitudes experimentadas por sus pasajeros tuvieron un auge importante en la década de los 70'. Quizás ahora a lo lejos, puedan haber perdido vigencia, como ocurrió con dicha modalidad terrorista que originaban frecuentemente estos sucesos. Es posible que las nuevas generaciones de espectadores no encuentren atractivos estos relatos porque evidentemente los gustos han cambiado.
Pero rescato algunos aspectos interesantes que presumo van a constituir una opinión aislada por las 7 (como los días en Entebbe) críticas adversas que me han precedido.

En principio, celebro que un director latinoamericano como José Padilha haya entrado al cine internacional por la puerta grande. Sus películas en su país natal ("Tropa de Elite 1 y 2") y sus series televisivas ("Narcos" y "El Mecanismo") lo hacen merecedor de esta distinción. Por eso puede darse el lujo de fallar de vez en cuando.
Me atrajo el modo en que hilvana el desarrollo de la trama mediante el hilo conductor de un grupo coreográfico de danza moderna que por sí sólo merece la atención y justifica la visión del film. ¿Habrá querido este director incluir una especie de coro de las tragedias griegas que va conduciendo la historia mientras ésta se desarrolla en otro plano independiente?. Esta inclusión coral no es gratuita, y por eso constituye un acierto, porque motiva, impresiona y emociona por la plasticidad y fuerza de estas escenas que valen por sí mismas, independientemente de historia central.

La respuesta a este interrogante la da el propio Padilha en cuanto consideró que la película debía comenzar con los bailarines, vestidos con indumentaria de judíos jaredíes, saliendo a escena y preparándose para interpretar la secuencia de la "danza de las sillas" de la obra del coreógrafo israelí Ohad Naharin "Echad Mi Yodea". Eso simboliza la llegada del pueblo judío a Palestina justo antes y justo después de la Segunda Guerra Mundial.
La hipnótica danza, interpretada por la compañía de baile Batsheva, incluye una fila de sillas sobre el escenario. A lo largo de la película, se van intercalando más pasajes de la danza, que culminan en un final espectacular ejecutado durante los títulos de crédito de cierre.Con su energía contenida, los cuerpos de los bailarines, sus movimientos que sugieren dolor autoinfligido, constituyen un comentario implícito sobre la historia que están presenciando los espectadores.
A medida que avanza el baile, los bailarines se van quitando su ropa jaredí. "Metafóricamente, se están despojando de su ortodoxia", explica Padilha. "Se están liberando de la tradición a base de abrirse a nuevas ideas que podrían contradecir sus viejas creencias".

Por su intensidad dramática y metafórica, este recurso coreográfico debió haber sido más aprovechado para unirlo al desarrollo de la trama central que no se le corresponde y parece ir por otros carriles. Una oportunidad desperdiciada que podría haber potenciado al film jerarquizando su originalidad. Las actuaciones son correctas pero no deslumbrantes. Otro aspecto interesante lo constituye la interna política entre el Primer Ministro Rabin y el entonces Ministro de Defensa Shimon Peres, que ha quedado debidamente reflejada.
El resto se diluye en un final anunciado y sin el crescendo dramático que ameritaba este acontecimiento verídico, a raíz del antiguo conflicto territorial entre judíos y palestinos que persiste hasta nuestro días y ha dado lugar a tensiones bélicas que aún no fueron superadas.

Aún cuando no haya tenido grandes premios ni fuera seleccionada para el Oscar; aún cuando los críticos profesionales la hayan denigrado en su gran mayoría, considerándola un "dejá vú" de otros filmes, yo la rescato por su potencia estremecedora.

Puede que el tema haya sido largamente explotado por el cine español, pero conmociona tanto como "Ay Carmela" o "El laberinto del fauno".
Una reconstrucción fidedigna y obsesiva de los años 40, una fuerza interpretativa que lacera en casi la totalidad de los personajes femeninos, incluso los secundarios como las guardiacárceles y las compañeras de prisión de Hortensia. La actriz María León, que al comienzo del filme induce a pensar que va a componer un personaje forzado de telenovelas, tiene armas para atrapar al espectador más duro de convencer. Para muestra sólo un botón, y creo que con ello no incurro en "spoiler": la escena desgarradora de su tortura.
Quizás el tema de la guerra civil española me apasione por su impactante injusticia; quizás esta historia tenga puntos de contacto con cualquier otro régimen dictatorial que deje víctimas y heridas sin cerrrar, como ha ocurrido en mi país (Argentina) donde se cometieron crímenes y arbitrariedades más atroces porque ni siquiera hubo simulacros de juicio como en España, sino cobardes desapariciones forzadas de personales. Todo ello puede influenciarme a valorar la película. Pero créanme que no lo es por ninguna idea política. Es por descubrir como "el hombre puede ser lobo del hombre" y asumir situaciones inhumanas y atroces que ponen al descubierto la ferocidad que esconde cualquier persona con miedos, fanatismos o ambiciones desmedidas.
En España parece que el pasado se ha sepultado con un manto de piedad, lo que no pudo lograrse todavía en Argentina. Por eso, mi "excelente" es justificado.

De no ser que "Beni çok sev" responde a un tema musical compuesto por un artista muy reconocido en Turquía y que ha trascendido incluso sus fronteras, el título “Ámame mucho” poco aportaría para la dimensión exacta del excelente film de Mehmet Ada Öztekin (recordar este nombre que podría agigantarse en un futuro inmediato, luego de tres producciones anteriores en años sucesivos desde 2017).

También se la ha traducido al español como “Ámame igualmente” o “Quiéreme tanto”, lo que lo emparenta un poco más con el intenso contenido de la historia.

Si la Academia de Hollywood, o los festivales más relevantes que comenzarán seguramente a reorganizarse luego de la pandemia, actuaran sin las suspicacias que trasuntan muchas veces sus decisiones basadas más en las coyunturas del momento para sus premiaciones políticamente correctas o de conveniencia política, la película debería arrasar, en principio, con el galardón de la mejor producción extranjera y de extenderse este reconocimiento a otros rubros, como viene ocurriendo últimamente, al mejor director, los mejores actores, el mejor guión y la mejor música incidental, como mínimo, aunque no se trate de un film en idioma inglés.

Tanto Sarp Akkaya (como el recluso que debe ser conducido para visitar en su lugar natal y en realidad conocer a su hija a quien no ha visto ni supo nada en años) así como el guardia encargado del traslado, Ercan Kesal, se sacan chispas en un duelo interpretativo de alto nivel. Öztekin se ha detenido mucho en el trabajo actoral y todo el elenco sincroniza armónicamente para converger en un resultado altamente creíble que nos hace sumergir en un relato con el broche de una vuelta de tuerca totalmente inesperada y a olvidar que estamos asistiendo a una ficción.

No son actores ni actrices representando papeles. Son los auténticos personajes que no casualmente les ha tocado encarnar: tanto Arkaya, como Kesal, así como Aleyna Özgeçen (prestar también atención a este bello rostro de un seguro futuro promisorio) y Songül Öden, se sumergen en una verdadera metamorfosis de Musa, Sedat, Yonca y Nuriye, respectivamente, y el resto del elenco los acompaña sincrónicamente como una afiatada orquesta bajo la batuta de un auténtico maestro.

Párrafos de elogios aparte para Hasan Ozsut, creador de una música que se suma a la intensidad de cada escena (con un leve dejo de Gustavo Santaolalla) y para el propio director que supo cristalizar un sólido guión de su propia autoría.

Es un film para ver más de una vez con el sólo propósito de bucear en los detalles que en una sola visión pueden no percibirse y ratificar de ese modo que no presenta objeción ni desencanto alguno luego de una primera incursión que nos deja realmente estupefactos.