Tom Hardy es el actor del momento por méritos propios. En este pasado 2015 lo ha demostrado más que nunca por apabullar con su interpretación en Mad Max: Fury Road. Y es su descomunal talento el que logra salvar del naufragio por partida doble Legend, película escrita y dirigida por Brian Helgeland que cuenta la historia real de los gemelos Kray, mafiosos que dominaron los bajos fondos del Este de Londres en la década de los 60.

Es en esa disparidad de roles donde Tom Hardy brilla. Capta a la perfección los matices de ambos personajes y en ese punto su trabajo es para quitarse el sombrero. La pronunciación o los gestos de uno y otro son alguna de las perlas que deja el protagonista de Locke. Pero como todo en esta vida, no existe la perfección, y ahí el guión tiene gran parte de culpa de la cojera del filme.

Helgeland fue el responsable del texto de L.A. Confidential, una película espectacular y también con la mafia como protagonista con la que ganó el Oscar. La Cosa Nostra más rural y embrutecida al estilo británico es obvio que está siempre presente a lo largo del metraje, pero se ve eclipsada por el relato de amor rancio y soso que protagoniza Emily Browning, una actriz sin apenas carisma.

Algunos ramalazos a lo Scorsese nos recuerdan por momentos que estamos viendo una película sobre la mafia, pero esa sin razón de dejar hueco al amor en una historia violenta perjudica a toda la trama. Superficial y vacía, Legend recuerda más a los Enemigos públicos de Michael Mann que a cualquiera de las grandes obras que ha dado el género. Cuanto más protagonismo gana la joven Browning más pesada se hace la cinta, y solo el gran trabajo de Tom Hardy -y una magnífica ambientación- rescata de la debacle el quiero y no puedo -¡ay los productores!- de Helgeland. Otra vez será.

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La Tierra está masificada. Los recursos escasean. Y la solución está en el espacio. Concretamente en un planeta de características similares llamado Homestead II. De siempre, y en el género de ciencia ficción más, el cine ha proyectado esta posibilidad en un sin fin de películas. Es un tema muy atractivo para captar la atención del público y, por qué no, pudiéramos estar avocados a ello.

Con esa posibilidad juega Passengers, dirigida por Morten Tyldum y protagonizada por Chris Pratt y Jennifer Lawrence -mucha química entre ellos-. Tras Headhunters y, sobre todo, Descifrando Enigma, el cineasta noruego se había puesto un listón muy alto, cambiando esta vez totalmente de registro con una película de ciencia ficción. Es verdad que la película no llega al nivel de las otras dos. Pero también lo es que consigue entretener, más por su despliegue visual y el trasfondo de la historia, que la forma de ejecutar el argumento.

Passengers, a parte de ser una película romántica, habla también de la soledad, la angustia y desasosiego que llega a producir, y la innata necesidad humana de unirse a sus semejantes. También aborda la entrega total de nuestro destino a la tecnología y como esta no es infalible, sino todo lo contrario. Y cuando eso pasa nos sentimos perdidos, incluso vacíos. La comodidad, ya lo estamos viviendo, mata al ser humano.

Y así se va configurando Passengers. Con reflexiones muy interesantes que quedan en un segundo plano por la historia de amor de la pareja protagonista, que eso sí, derrocha química -Chris Pratt y Jennifer Lawrence son la pareja perfecta-.

Por eso, desde ese punto de vista y a pesar de tener unos ingredientes más que sobrados para triunfar a lo grande, se queda en el camino del entretenimiento por la forma de ejecutar cada uno de los temas que aborda. Lo hace de una manera superficial. Y cuando se tienen semejantes elementos en la mano hay que pedir más.

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'Serión' en mayúsculas donde cabe todo. Nada sobra desde el piloto rodado por Fincher. Puro Fincher. Su universo y pulso narrativo detrás de la cámara es suficiente para sumergirte en la trama. Y sí, hay mucho de Seven y Zodiac en este primer capítulo y los otros tres que llevan la firma del director norteamericano, que además es el productor junto, entre otros, Charlize Theron y el creador Joe Penhall. Una dirección que Fincher también va a compartir con Asif Kapadia, ganador del Oscar por Amy, y Tobias Lindholm, veterano en estas lides tras La Caza. Una carta de presentación, pues, de muchos quilates.

Pero vamos a ir despacito. Mindhunter, de primeras, es todo un viaje en el tiempo. Concretamente 1977, rumbo a varias ciudades de Estados Unidos. Ya la ambientación -como digo, Zodiac es la hermana mayor- es una pasada. Música- 'temazos' de Talking Heads incluidos-, vestuario y fotografía rayan la perfección. Cosa que ayuda a sumergirse aún más en la historia de un grupo del FBI formado por dos agentes -se sumará un tercero- y una doctora a los que les une una inteligencia, sobrehumana por momentos, y una curiosidad y dedicación brutales. Son el cuerpo especial de los federales que emprende un proyecto revolucionario y novedoso. Una especie de ruta del asesinato violento para meterse en la mente de asesinos en serie. Escarbar en la psique de psicópatas de la talla de Jerry Burdos, Edmund Kemper y Richard Speck, que ya tuvo su momento en American Horror History.

Los asesinos en serie atraen. Es una realidad tan cabrona como el hambre en el mundo. El ser humano es morboso, gusta de lo macabro y degenerados como Kemper o Burdos son su máxima expresión. Solo hay que echar un vistazo entre las películas más taquilleras, los libros más vendidos o como la sección de sucesos es la estrella del telediario para darse cuenta de cómo atrapan estos psicópatas. Trastornados que, no hay que olvidar, han dejado muchas víctimas por el camino y familias destrozadas.

Mindhunter es tan buena en su forma y contenido que aún sobresale más por sus pequeños detalles. Esto es, lo que te ataca directamente más allá de los cinco sentidos. Fracciones de segundo, gestos, una palabra, una imagen....Todo tiene importancia en la serie de Netflix. Y todo ello se condensa en los brillantes diálogos durante los eternos viajes en avión o coche, en las prisiones estatales o las comisarías donde imparten el novedoso programa los agentes del FBI.

Cada fragmento de tiempo es válido a lo largo de los diez episodios. También las historias paralelas que surgen de la trama principal. En este punto, la serie de Joe Penhall se eleva por encima de otras que giran en torno a los asesinos en serie. Esa mezcla pura de clasicismo y modernidad está a la altura de muy pocos y mientras llega la segunda temporada, os invito a sumergiros en una primera sobresaliente, casi perfecta. No lo lamentaréis.

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Tenía ganas al último trabajo de Ang Lee: Géminis. Me parece un director fascinante por obras como Sentido y sensibilidad, La tormenta de hielo, La vida de Pi o la injustamente minusvalorada Billy Lynn. No en vano su talento ha sido reconocido con, entre otros premios, tres Oscar: dos como director (La vida de Pi y Brokeback Mountain) y otro a la mejor película no inglesa (Tigre y dragón).

En gran parte de su filmografía -por no decir toda- el director taiwanés siempre arriesga. Va más allá de lo convencional. Experimenta, prueba y aborda temas sociales que dejan un buen poso de reflexión. La homosexualidad, la filosofía, la religión o esa perversión del puritanismo americano están dentro de su trayectoria. Historias realmente cautivadoras gracias a sus guiones. Eso, artísticamente hablando, a mi me llena.

También la tecnología forma para del bagaje de Ang Lee. "En todas las películas, a partir de 'La vida de Pi', he estado buscando lo que el cine digital puede hacer por nosotros. Es un nuevo lenguaje, y estoy tratando de aprender a decir cosas en ese lenguaje", dice el oscarizado realizador. Y en Géminis hay mucho de ese paso más allá que Lee dice estar buscando. Está rodada en 120 frames por segundo y los cines de hoy, en pleno 2019, no están preparados para esta tecnología.

Él mismo lo confiesa: "¡No está disponible! Lleva treinta años sin estar disponible. Pero esa es la parte interesante. Tienes que hacer descubrimientos, no sólo hacer algo bien, sino descubrir algo nuevo. Eso es muy satisfactorio. Espero que el público y el mundo compartan nuestra emoción".

Pero en mi caso, aún reconociendo ese laborioso trabajo, no estoy para nada emocionado con su película concebida para la década de los noventa y que llega con más de veinte años de retraso. Y no lo estoy porque el desarrollo del guión es muy flojo, casi inexistente. Y eso que el punto de partida es atractivo y sugerente.

Ya digo que, desde el punto de vista técnico, es arriesgada. Y tiene momentos de acción espectaculares, como los que se suceden por las calles de Colombia. Pero hasta ahí. No hay más. La historia se vuelve densa y aburrida. La típica trama del gato y el ratón propia de otro tiempo. De hecho me acordaba de Cara a Cara, del también asiático John Woo. Rodada en 1997 tenía su encanto, pero hoy...la sigo apreciando porque Nicolas Cage y John Travolta están desatados, pues la historia es demencial.

Géminis es igual. Solo que veinte años después. Para colmo, Will Smith y Clive Owen -me encantan estos actores, vaya por delante- no me inspiran nada en esta ocasión. Y el hecho de meterme con calzador a Mary Elizabeth Winstead como compañera de armas del Príncipe de Bel Air me fatiga aún más.

La máxima 'Fortuna Audaces Iuvat' no se cumple en esta ocasión con Ang Lee en su último trabajo. Ni siquiera me invita a reflexionar sobre la industria armamentística y su incomprensible avance hacia la autodestrucción. Nada de ese poso que sí me dejaron sus otros trabajos -salvo Hulk-. Tal vez cometí el error de crearme unas expectativas elevadas. Pero tratándose de Ang Lee...se le puede y debe exigir mucho más que un puñado de tecnología moderna y chispazos de acción. Otra vez será.

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Mel Gibson es uno de los directores más controvertidos de Hollywood. Y todo porque Gibson se moja por defender y predicar en pantalla aquello en lo que cree y siente. Sin disfraces ni artificios, el cineasta australiano sale a pecho descubierto en todas sus películas. No tiene nada de políticamente correcto y claro, eso a un sector pusilánime de la sociedad -generalmente anti todo con lo que tenga que ver con la religión y posicionamientos más conservadores- le molesta.

Por eso esperaban con ganas su último trabajo hasta el momento, Hasta el último hombre, para cargar nuevamente contra Gibson, a quien su vida privada le ha jugado alguna que otra mala pasada. Ese pelotón de fusilamiento 'progre' estaba esperándole para clavar el último clavo en su ataúd mediático. Pero no ha podido ser, a pesar de que llevaba diez años sin dirigir desde Apocalypto.

Hasta el último hombre tiene dos partes bien diferencias y ambas con sus singularidades. En la primera se nos presenta al protagonista, la forja de sus ideales y su entorno. Desde una familia marcada por la Primera Guerra Mundial -brutal y desgarradora la interpretación de Hugo Weaving-, hasta la fase de instrucción en el ejército, pasando por un episodio romántico que nada desentona y que protagonizan un irresistible Garfield y la atractiva Teresa Palmer -una sonrisa angelical que ni la mismísima Scarlett Johansson-

Y en todos estos pequeños episodios que se recomponen en la gran película facturada por Gibson brillan sus actores. Si lo de Garfield y Weaving es de escándalo, no andan distanciados Vince Vaughn, Sam Worthington y Luke Bracey. Cada uno magnífico en su rol y aportando minutos de calidad en secuencias que nos preparan para la tormenta que está a punto de estallar.

Porque la segunda parte de Hasta el último hombre es una de las recreaciones bélicas más reales y salvajes que se han rodado en lo que va de siglo. Mel Gibson con su cámara plasma la crudeza del frente oriental y concretamente de la batalla de Okinawa, donde Desmond Doss se alzó como un héroe titánico.

El trabajo de Gibson no se entiende sin su religión y espiritualidad. Él tiene su visión, su idea y en todo momento este leitmotiv está presente en el ambiente. Como Dios. Y no se le puede reprochar porque lo hace de una forma tan brillante que sucumben hasta sus detractores. El propio Doss es un ejemplo de ello y Andrew Garfield, por su aspecto físico y talento natural sabe captar el mensaje del cineasta australiano, a caballo entre la acción de Salvar al Soldado Ryan y el alma de La delgada línea roja.

La paradoja de Hasta el último hombre radica en este aspecto clave en el cine de Gibson. La cinta es todo un alegato por la recuperación de la espiritualidad, contra la guerra y la violencia del ser humano. Pero esta, a su vez, es inherente e innata, porque el mundo que rodea al hombre es, desgraciadamente, violento y en él tiene que desenvolverse. Sin embargo, de cuando en cuando se manifiesta la bondad divina en un individuo como Doss, que hace posible lo imposible -no convierte el agua en vino, pero es capaz de otros ´milagros', y escenas auténticas hay unas cuantas-.

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