Dirigida por la gran cineasta italiana Lina Wertmüller y protagonizada por sus dos actores fetiche, Giancarlo Giannini y Mariangela Melato, la película "Insólita aventura de verano" es cine de ideas, no de dogmas; de discusiones éticas, mas no de moralina; de crítica rigurosa, nunca de politiquería vulgar. La película en cuestión es una fascinante mirada a luchas permanentes e irresolubles -hasta ahora- de nuestra tan querida y detestada sociedad occidental: el hombre versus la mujer, el comunismo versus el capitalismo, el pobre versus el rico, el sur versus el norte. En suma, temas de enorme interés intelectual y social que en otras manos hubiesen naufragado en un mar de banalidades, pero que con la diestra habilidad de Wertmüller llegan a ese punto de inflexión exacto desde el cual nace una auténtica obra maestra.

En términos de argumento; la cinta básicamente se trata de Raffaella, una ricachona capitalista del norte, y de Genarino, un pobre marinero comunista siciliano; quienes, por azares del destino, naufragan y terminan juntos en una isla desierta. Ambos deberán desenvolverse en un mundo donde el dinero ya no tiene valor alguno y la relación hombre-mujer adquiere un carácter primitivo. Sexo y política, los dos temas preferidos de la señora Wertmüller, se intercalan de manera maestra en esta propuesta. Es una película que replantea las relaciones de poder en un contexto fantasioso, aborda el tema de las clases sociales con humor y recupera el carácter instintivo de las relaciones sexuales (se odian, pero al fin y al cabo son un hombre y una mujer en una isla desierta).

Controversial, la película de Wertmüller no tiene reparos en mostrar al hombre y a la mujer en un nivel muy básico; es como un regreso a la edad de piedra, donde el hombre es el macho dominante y la mujer se convierte en su hembre sometida. Es importante aclarar que la cinta en general es una alegoría; por supuesto que muestra más de lo que uno tolera ver, pero, como dije, se trata de una película de ideas. En la mencionada alegoría reside una profunda crítica, y eso es lo que hay que comprender, que la cinta es crítica de las relaciones hombre-mujer, del sistema capitalista, de las estructuras políticas y sociales, así como es profundamente analítica en la medida que desarrolla el tema de la supervivencia y de la condición humana.

En conclusión, una obra única y esencial que en su forma es una comedia romántica poco convencional, y que en su contenido es sátira, parodia, drama y crítica. Recomiendo ampliamente esta película, no sólo por las ideas ya expuestas, sino también por las ejemplares actuaciones de Giannini y Melato en los roles principales -sin ellos esta obra maestra no sería el éxito que es, pues ambos demuestran un amplio registro al dejarse odiar, querer, volver a odiar y volver a querer.

No he tenido la oportunidad – aún – de ver “Slums of Beverly Hills” (1998), el largometraje anterior de la realizadora Tamara Jenkins, pero por lo que he podido averiguar es fácil comprender que su tópico preferido se centra en las relaciones familiares y es quizás por este motivo; entre otras muchas razones que tienen que ver con una aguda habilidad para observar, mucha creatividad e inteligencia y una salvaje pero sofisticada propensión a la crítica más despiadada; que su nueva e hiper-laureada obra, “The Savages”, funciona tan pero tan excelentemente bien.

La trama de “The Savages” analiza la relación de dos hermanos adultos, Wendy (Laura Linney) y Jon (Philip Seymour Hoffman), quienes deben cuidar ahora, en los días de vejez y demencia, a un padre negligente que jamás se preocupó por ellos. El desarrollo del film lleva al espectador, por caminos inesperados, a descubrir dos seres humanos emocionalmente exhaustos y carentes de afecto pero también ofrece una posibilidad discreta y creíble para la esperanza… eso es lo maravilloso de esta historia: su apertura a la posibilidad de dejar atrás nuestros demonios, evolucionar y mejorar como personas.

El trabajo de Jenkins, tanto en la dirección como en el guión, es provocador, inteligente, subversivo, extremadamente conmovedor pero a la vez carente de afectaciones y, finalmente, matizado por un humor que emerge perfectamente dentro del contexto y cautiva con su enorme humanidad e inusitada ternura. Las reflexiones que plantea la película son incisivas y seguramente, para quien la observe con atención, no pasarán desapercibidas.

Laura Linney y Philip Seymour Hoffman, ambos por igual, realizan un trabajo interpretativo de calidad superior, son totalmente convincentes, devastadoramente crudos en la descripción de los avatares emocionales de sus personajes, muy divertidos e interactúan con una química inmejorable. Hoffman como Jon Savage vive desamorado y totalmente embebido en su investigación de Bertolt Brecht, en su mundo es difícil apreciar un lugar para la felicidad pero aparentemente él lo asume con estoicismo; Linney como Wendy Savage está desesperada, toma malas decisiones, está obsesionada por obtener la beca Guggenheim para financiar un proyecto teatral que refleja la terrible niñez de ella y su hermano, sin embargo, ante tan terrible panorama, se tienen el uno al otro, y estos dos exquisitos actores elevan, sin lugar a dudas, el alcance de este original ensayo sobre las relaciones de hermano-hermana.

Con todo lo expresado “The Savages” es, definitivamente, una cinta que, en la vena agridulce de “Sideways” (2004, de Alexander Payne), orgullosamente recomiendo aunque probablemente, al igual que la mencionada referencia, no sea del agrado de todo el mundo.

Con la expresión “thriller erótico” vienen a la mente, por antonomasia, títulos baratos tipo “Basic Instinct” y sus innumerables refritos. Esta película es definitivamente un “thriller erótico” pero uno que redefine el término y profundiza en los vericuetos de la psique femenina en vez de limitarse a mostrar tetas.

La crudeza y provocación que caracterizan a Jane Campion están presentes y el resultado de su esfuerzo es una historia pasional con el trasfondo de un drama policíaco, relativamente débil, que sobrevive gracias a un trabajo básicamente bien hecho y a la fenomenal Meg Ryan.

Frannie (Ryan), una profesora de redacción creativa, atestigua un encontronazo sexual entre un hombre y una mujer en un callejón oscuro, aquella mujer amanece muerta dando paso a que el Detective Giovanny Malloy (Ruffalo) ingrese a la vida íntima de Frannie. La atracción entre Frannie y Giovanny es intensa y va subiendo de temperatura al tiempo que se desarrolla la respectiva trama policial.

El atractivo de esta película radica en un sentido muy orgánico y primario del sexo y de lo que constituye ser hombre o mujer. La fotografía de Dion Bebee respalda este atractivo proporcionándole un estilo visual que se debate entre el drama, el terror y el porno.

Mark Ruffalo transpira sexualidad mientras Jennifer Jason Leigh manifiesta auténtica inocencia pero la figura destacada de este show es Meg Ryan (¡!), quien se despoja de su fatuo ropaje de estrella para realizar un “tour de force” interpretativo, con naturalidad asume su personaje y recrea un estudio genuino de la sexualidad femenina.

Es una película difícil de ver, y la crítica no ha llegado a un consenso al juzgarla, usted puede echarle un vistazo y decidir con criterio.

"Quiero ser libre" es el título de otra película, sin embargo, también es una buena frase para empezar a escribir sobre "Raquel, Raquel", una película muy personal que Paul Newman dirigió mientras todavía era un actor extremadamente popular. La libertad aparece en dos sentidos muy claros: primero la libertad creativa de Paul Newman y Joanne Woodward, su mujer, para crear un proyecto pequeño pero significativo, y segundo, la libertad expresada en el argumento de la película como la necesidad de todo ser humano de escoger el rumbo de su vida.

Las virtudes de "Raquel, Raquel" son realmente admirables. En primer lugar, se aprecia con agrado la naturalidad con la que la película describe a un pueblo pequeño y genera una atmósfera sofocante. Luego, a la característica anterior le acompaña el ritmo, pues lenta y pacientemente se desarrolla una historia diminuta que es muy buena, pero cuyo propósito casi exclusivo consiste en viabilizar el desarrollo del personaje central. Además, aunque específicas en su marco temporal, las incertidumbres y la crítica que el guión plantea poseen una validez universal que trasciende límites de todo tipo y permite apreciar a esta película de más de 40 años de edad con el mismo -o quizás con mayor- entusiasmo que con el generado por una cinta de corte contemporáneo. No obstante, más allá de estas valiosas cualidades, "Raquel, Raquel" es lo que es gracias a su protagonista: Joanne Woodward.

Al igual que "Una mujer bajo la influencia", de John Cassavettes, "Raquel, Raquel" es una película provocadora e indiscutiblemente conmovedora en su manera de observar con un impresionante nivel de intimidad la lucha interna de su protagonista. Mientras en la primera Gena Rowlands manifestaba el conflicto de su personaje a través de expresiones faciales sui generis y explosiones volcánicas que terminaban en trágicos desencuentros; en "Raquel, Raquel", Joanne Woodward aparece la mayor parte del tiempo calmada, pero su conflicto está siempre presente, brillantemente interpretado por la actriz a través de un conjunto que encierra la mirada triste, el paso inseguro, la voz quebrada y todos los elementos propios de la metáfora del pájaro herido que ya no puede más, que debe volar o morir.

"Raquel, Raquel" no existiría sin Joanne Woodward, en su interpretación la actriz se convierte en la mujer reprimida que la cámara tan insistentemente estudia cuadro a cuadro. Woodward consigue el milagro de la transfiguración y la genialidad de su trabajo se aprecia en los pequeños detalles, en los momentos de introspección, en sus súbitas reacciones a las fantasías de liberación sexual y física que la persiguen a cada momento, en las escenas más fuertes (impresionante en un momento de histeria colectiva en el siniestro servicio de una iglesia evangélica) y en la impresionante naturalidad con la que lee sus líneas y se transforma en una mujer más resuelta y capaz de decidir por sí misma. Dedicada a un amigo muy sabio.

Las “comedias teen” tienen cierto gancho y con los elementos adecuados pueden ser hasta recomendables, como ejemplos cito “Clueless” de Amy Heckerling y “Mean Girls” de Mark Waters. Con “Pretty Persuasión” tenga cuidado, yo ni siquiera me atrevo a llamarla “comedia teen”, es demasiado transgresora y cruel para que dicha etiqueta le corresponda.

Skander Halim escribió el guión, el cual es una visión caricaturesca y perversa de la vida colegial en Estados Unidos, una burla mordaz del “sueño americano” y una crítica social con agrio sabor a sátira. La historia es acerca de Kimberly Joyce (Wood), una chica de quince años con cuerpo ardiente y cerebro brillante, quien en compañía de sus amigas, Brittany y Randa, acusa a su profesor (Livingstone) de acoso sexual con dos propósitos exclusivos: 1) Ser una actriz famosa y 2) Vengarse de quien le robó el amor de su vida.

Evan Rachel Wood, con talento y una presencia arrolladora, domina el terreno que pisa, intimida, es completamente malvada pero también tan atrayente que no resulta en lo absoluto extraño que vaya por la vida seduciendo y manipulando a todos quienes la rodean con tal de lograr sus propósitos.

La dirección de Marcos Siega sin ser magistral resulta oportuna, le proporciona a la película cierto encanto malévolo y la cuida de lo burdo y lo trillado.

A veces flaquea y no siempre consigue ser una crítica legítima (como “American Beauty”, por ejemplo) pero igual es muy divertida y oscura por lo que usted reirá con cargo de conciencia, es como si “Mean Girls” (que disfruté muchísimo) hubiese crecido y ahora es menos condescendiente, más cruda, más desinhibida y muchísimo más “mean” (mala/perversa).