Primer largo de Richard Flescher (1916-2006), exponente de la generación de directores que emergió tras la II GM. Se basa en la obra teatral "Wednesday's Child", de Leopold L. Atlas, y en su primera adaptación al cine en 1934. Se rodó en estudio y en algunos exteriores, con un presupuesto de serie B. No se estrenó comercialmente en España.

La acción tiene lugar en una ciudad indefinida de EEUU, entre 1945 y 1947. Narra la historia de Roberta "Bobby" Carter (Sharyn Moffett), de 8 años, hija única del matrimonio de clase media alta formado por Ray Carter (Regis Tooney) y Jean (Madge Meredith). La falta de felicidad conyugal, propiciada por las frecuentes y prolongadas ausencias de Ray por negocios, provocan la ruptura de la pareja y su divorcio. La separación de los padres y sus posteriores matrimonios, crean a la niña dificultades de convivencia y de estabilidad emocional, que la sumen en una depresión. Con la ayuda de Peggy Allen (Ann Carter), compañera de habitación del internado, intentará aceptar los hechos.

La película, sometida a la censura del Código Hayes, presenta el divorcio como una fuente de males para los hijos, a los que causa traumas psicológicos graves. En la misma línea, culpa a la madre de la ruptura, por su adulterio con Michael Benton (Walter Reed), hombre bondadoso y afectuso. La fuerza dramática de la obra se basa en la incapacidad de la niña de entender la separación de los padres, de aceptar sus nuevos matrimonios, de combinar la convivencia en verano con el padre y el resto del año con la madre, sus celos y la falta de dedicación de tiempo de calidad que le prestan los padres, más atentos a otros intereses. La obra pretende exponer una visión del divorcio desde el punto de vista de los hijos, que concibe como víctimas innocentes de una situación inconveniente. No es necesario decir que las concepciones del film son frágiles e insostenibles. La obra aporta un interesante documento sobre la concepción imperativa del divorcio en los primeros años de la Posguerra y su rigurosa reglamentación legal. Se muestra la inferioridad de la mujer en el hogar, sometida a violencia doméstica impune.

La música, sin relieve especial, cumple funciones de mero acompañamiento. La fotografía comienza con cun "zoom" de alejamiento de una sala oscura que resulta ser una pieza de una casa de muñecas. El final se ciera con un "zoom" similar, ambiguo y sugerente. El guión explica una historia moralizadora. En la interpretación sobresalen Meredith, O'Connor y Ann Carter. La dirección en su primer largometraje demuestra habilidad narrativa y sentido dramático, pese a las limitaciones de la obra.

Película sobre el divorcio en una época de estigmatización, severa reglamentación y exigencia de culpabilidad por parte de uno de los cónyuges. Tenían que pasar 33 años para que se estrenara con éxito "Kramer contra Kramer" (1979). De gran interés para fans de Fleischer.

Dirigida por Myriam Mézières y Alain Tanner, fue filmada en video. Se rodó en estudio y en escenarios de París y España. Dispuso de un bajo presupuesto. Se estrenó el 1-V-2002.

La acción principal tiene lugar en París en un tiempo próximo al del rodaje (2000/01) y cinco años antes (1995/96). Narra la historia de Pam (Louise Szpindel), de 14 años, que ha escapado de una residencia tutelar de menores, para reunirse con su madre, Lily (Myriam Mézières), que encuentra hundida en la miseria, el paro y tendencias autodestructivas. En flashback, recuerda la vida junto a su madre cinco años antes.

La película narra con los ojos ingenuos y dulces de una niña, que no ha ido nunca a la escuela, las desventuras de la vida de la madre, explotada, utilizada y engañada reiteradamente, que lucha sola para salir adelante, sin encontrar ayuda, ni amistad, ni amor, ni trabajo estable. La obra traspira dolor humano, dolor de soledad y desamor, un dolor profundo, prolongado y desolador, del que Lily es presa en un mundo sórdido, egoista y cruel. La preocupación que comparten Tanner y Mézières, pareja en la vida real, por el sufrimiento humano encuentra en esta obra un vehículo privilegiado de expresión. El baile erótico, el streptease, los juegos de ficción con un cisne (evocación del mito de Júpiter y Lada), los desnudos para complacer al público, son para Lily motivo de humillación y amargura, tanto como las retribuciones que no cobra y ha de mendigar o las facturas que no puede pagar. A causa de su trabajo y de la presunta desatención que presta a la hija de 9 años (Tess Barthes), el Tribunal de Menores le retira su custodia, condenándola sin contrapartidas a una mayor soledad y a una vida humanamente insoportable.

La música, que ocupa una posición destacada, se basa en una partitura muy atractiva y versátil en la que predomina el violín, en solos magníficos o acompañado de acordeón y de otros instrumentos. La música añadida incluye piezas de baile, de percusión y canciones como "Flores de sangre", compuesta e interpretada por Mézières. La fotografía, brillante y hermosa, muestra con convicción los ambientes lúgubres del trabajo de Lily, que constrasta con exteriores coloristas. El movimiento de cámara es ágil y acertado. El guión desgrana con fluidez una historia trágica de soledad, dolor y desarraigo, que se explica con riqueza de detalles, matices y recursos. La interpretación de los dos papeles de Pam es acertada. Tess Barthes, muy natural, se gana la simpatía del espectador. Mézières realiza una intervención expresiva y emocionante. La dirección construye una obra singular, atípica y desesperanzada, sobre el sufrimiento humano, sus causas y sus secuelas.

Película con un doblaje al español del todo censurable, a evitar sin salvedades. Hermoso, interesante y dramático relato de dos vidas abocadas a la marginación, la exclusión social y la locura.

Por encargo de Dreamworks, Michael Bay asumió la dirección de la obra, que dispuso de un presupuesto estimado de 122 M $. Se rodó en los desiertos de California y Nevada, en Detroit (que hizo las veces de LA), en otras localizaciones de California y en los Downey Studios. El rodaje comenzó en otoño de 2004.

La acción tiene lugar a lo largo de varios días, a partir del 16-VII-2019, en una residencia/prisión que alberga centenares de personas, bajo severos controles médicos, al objeto de preservarlas de la contaminación letal que sufre la Tierra. Cuentan con un único aliciente: la esperanza de ser favorecidos en los sorteos periódicos con una plaza para ir a una isla remota, libre de contaminación. Otra parte de la acción tiene lugar en el exterior, camino de LA. Narra la historia de Lincoln Eco Seis (Ewan McGregor) y de su amiga Jordan Delta Dos (Scarlett Johansson). Lincoln, dotado de curiosidad, capacidad crítica y sueños premonitorios, advierte que son víctimas de un engaño, por lo que decide huir con Jordan.

La película plantea la problemática que se puede dar asociada al avance de la clonación y la ingeniería genética, si su uso cae en manos de científicos soberbios que se creen dioses (idea de "Blade Runner") y de personas desaprensivas con ambiciones económicas sin límite. La decisión de Lincoln, secundada por Jordan, simboliza la lucha desesperada contra la opresión organizada de la soberbia y la codicia, en defensa de los compañeros/víctimas y de la propia vida. Son escenas destacables la muerte de Lima tras el parto, la llegada de Lincoln y Jordan al exterior, la constatación de que los "agnates" de la serie eco han resultado por error mejores de lo previsto, la visita de los clientes potenciales a la residencia.

La música combina melodía, percusión, coros y abundantes efectos digitales. La música añadida, de gran calidad, incluye fragmentos clásicos, como el "Kyrie" de Palestrina, "Nessun dorma" de Puccini, una cantata de Bach y otra de Mozart, y algunas canciones ligeras, como "Siboney". La banda, efectista y envolvente, evita estridencias sonoras. La fotografía incluye efectos digitales, flashes de luz intensos, secuencias de estética de videoclip y una cámara volátil, rápida y espectacular. Predominan los azules en interiores y los dorados en el exterior. Muy de agradecer la inclusión de un cuadro de Picasso ("La mujer sentada. Jacqueline", 1962) y un cartel de Franz Kline. Habitualmente la pintura que se exhibe en el cine es execrable. El guión narra, en clave de thriller, una historia de amor y lucha por la vida, atractiva y grata. Construye un crescendo, acertado y bien dosificado, de suspense. La interpretación de los protagonistas y las de Buscemi (McCord) y Sean Bean (Maverick) son muy meritorias. La dirección construye una obra absorbente de entretenimiento y acción.

Película de evasión que, más allá del efectismo prevalente, apela a la reflexión y muestra la imperiosa necesidad del espíritu crítico.

La película se basa en la novela homónima del japonés Yukio Mishima, un hombre controvertido y malogrado, que en 1970 se suicidó ante el Jefe del Estado Mayor del Ejército en protesta por la reducción de las inversiones en armamento.

La narración traslada la acción del Japón de Postguerra al París actual. Explica la relación entre una mujer de poco más de 40 años, instruída, madura, equilibrada, bien situada profesionalmente y socialmente, y un joven de 25 años, de origen marroquí, que trabaja como camarero en un bar de ambiente y complementa sus ingresos prostituyéndose con clientes de ambos sexos. El interés de Dominique por Quentin se apoya en la atracción física, en el deseo carnal, en el apetito sexual, sin dejar espacio al afecto y al cariño. El interés de Quentin en la nueva relación (acaba de salir de un romance con un abogado entrado en años) se basa en la curiosidad que despierta en él una mujer atractiva, solvente y económicamente generosa. Sin embargo, entre ellos hay más silencios que explicaciones y más disimulos que sinceridad.

De acuerdo con la novela, la mujer asume en la película un papel más activo que el del hombre. Dominique es quien lleva la iniciativa, ofrece protección, domina y manipula, mientras el muchacho asume un papel más bien pasivo: ser un objeto de uso, un instrumento de placer. Cuando ella se convence de que la relación es inviable, decide romperla. Más adelante volverán a encontrarse, pero será tarde para muchas cosas.

La dirección concentra la atención del film en el personaje interpretado por Isabelle Huppert, que aparece radiante, serena, segura, dotada de una belleza poco común: es pelirroja, de piel blanca y pecosa y de ojos verdes, de un verde tierno, joven y admirable. En su interior hay un capital enorme de independencia, de autosuficiencia, de conciencia de la igualdad de géneros y de cultura puesta al día. Es por ello por lo que en su interior se desarrolla un drama que enfrenta deseos e ideales, voluntad y apetitos, fuerza moral y debilidad emocional, necesidad de amor e imposibilidad de romance.

La interpretación de la protagonista, convincente, verosímil y desenvuelta, es lo más sobresaliente de la película.

Marco Ferreri convocó para la realización de la película a un extraordinario elenco de actores franceses e italianos y a un número elevado de figurantes. La obra parodia desde una perspectiva satírica e irónica las batallas del general Custer contra los indios y las andanzas de Búfalo Bill. Los personajes son caricaturescos, la acción contiene episodios excesivos y el lenguaje emplea expresiones desmesuradas. La ironía y la sátira habitualmente se combinan mejor con la moderación que con el exceso. El resultado es una extraña comedia del oeste, ubicada en exteriores del París de los años 70, inverosímil y surrealista. Forma parte de una trilogía junto con "La gran comilona" y "La otra mujer".