Basada en la novela homónima en su titulación original en inglés del escritor norteamericano Ricky Moody, el brillante cineasta taiwanés Ang Lee la trasladó a la gran pantalla justo tres años después, en 1997, y con la colaboración en las lides de guionista de James Schamus.

Una brillante cinta sobre las convulsas y progresivas etapas en las relaciones de pareja y en las relaciones familiares, ambientada en 1973 con los ecos enfebrecidos del megaescándalo de las escuchas del Watergate que convulsionaron el país con peligrosos efectos colaterales para la estabilidad del mismo como la eclosión de "guerrillas urbanas" de orientación marxista-leninista ultraortodoxa tipo el Ejército Simbiótico de Liberación...

Pero lejos de poner de plasdmar estos ecos políticos de aquella época, Moody y sobre todo Lee tratan de exponer las etapas decadentes y degradantes en las relaciones de pareja, así como poner de manifiesto los vaivenes en las relaciones familiares como origen, punto de apoyo y fin del ser humano.

Como muy bien dijo el personaje de Paul Hood brillantemente interpretado por un jovencísimo Tobey Maguire al leer aquel comic de la Marvel, "Los Cuatro Fantásticos", al comienzo de la película y mientras su tren desde Nueva York a New Cannan (en Conneticut, donde vivía su familia y se desarrolla la trama) permanecía "varado" debido a la tormenta de hielo desencadenada durante aquella noche del día de acción de gracias de 1973...

Paul pensaba que aquellos cuatro superhéroes actuaban como una familia, y por eso cuando utilizaban sus poderes en límites extremos se producía su destrucción...lo que pasaba con la familia, a la que él creía la antimateria de la persona...una persona tarde o temprano regresa a sus orígenes (la familia), y cuanto más te aproximabas o te adentrabas en ella, más te acercabas al vacío...

Si en las relaciones de pareja la película describe la interactuación de dos parejas de vecinos como empuje final en la ruptura y destrucción de una de ellas, en las relaciones de familia Lee se centra en la experimentación de los más pequeños en su complejo y subjetivo proceso de maduración, fundamentalmente cuando van conociendo su sexo y el ajeno...

Sorprendente, mágica, arrebatadora, con un poder visual y sonoro como pocas veces se había visto e incluso antes de que el maestro Kubrick se atreviera a título póstumo a tratar aunque de soslayo, algunos de los temas aquí descritos en su magistral "Eyes Wide Shut"...

Por todo ello y por más que otros se encargarán de anotar (fotografía, excelente banda sonora y jueguecito de llaves incluído),

I M P R E S C I N D I B L E.

Película de trámite en la maravillosa filmografía del genio. En la línea de películas como La Terminal, Spielberg sólo se centra en cubrir expediente, sin los alardes técnicos a los que nos tiene acostumbrados.

De hecho la trama en sí es de lo más sencilla. La manida, recurrente y sempiterna temática de la parábola del gato detrás del ratón, sirven de marco para el repertorio interpretativo de un brillantísimo reparto coral, con Di Caprio a la cabeza interpretando el papel (basado en hechos reales, tal y como el propio director se encarga de aclararnos al pripincipio de la cinta) de un joven pícaro que responde al nombre de Frank W. Abagnale, críado en el entorno de un padre dedicado al mundo de los negocios y recién nombrado miembro del prestigioso club Rotario (de supuestas tendencias filantrópicas) que a pesar de las dificultades económicas que atraviesa, logra abrir una cuenta corriente en uno de los bancos más prestigiosos del mundo como es el Chase Manhattan Bank a su hijo de 16 años recién cumplidos, y de una madre francesa a quien su padre conoció durante la segunda guerra mundial en el pueblo de Montrichard.

Fuera de la sencilla historia bien interpretada, la película queda reducida a una tosca y abrupta narración que además alarga excesiva e innecesariamente el metraje de la cinta. Desde luego como "obra menor" de Spielberg prefiero infinitamente más La Terminal que ésta, si bien tengo que decir que merece la pena verla aunque sólo sea para recrearnos en las brillantes interpretaciones, en versión original por supuesto, sobre todo de un sorprendente Leonardo de Caprio.

Mucho antes de que Frank Darabont nos deleitara con su estupendo drama carcelario y ópera prima "Cadena perpetua(1994)", uno de los maestros reconocidos del gran Eastwood junto a Sergio Leone, el cineasta y productor norteamericano Don Siegel, ponía punto y final a una filmografía breve pero súmamente provechosa con esta estupenda película de retratos carcelarios en la prisión más inaccesible e infranqueable de la humanidad, la californiana Alcatraz más conocida como "La Roca", justo enfrente de la Bay Area de San Francisco.

Basada parcialmente en la obra homónima de estilo non-fiction del que fuera pionero el insigne Truman Capote (y por tanto narrando hechos verídicos desde un prisma documental novelizado), "Escape from Alcatraz", del novelista J. Campbell Bruce sobre la historia de la famosa y legendaria prisión, "albergue" esporádico de delincuentes y criminales tan célebres como el mismísimo Al Capone ó el último "Public Enemy" de los 30, Alvin Karpis, y los históricos intentos de fuga por parte de algún que otro osado, ante la eventualidad de peligrosas corrientes y las bajas temperaturas con alto riesgo de hipotermia, entre los cuales, el más resonado intento fue este descrito aquí, de un carismático prisionero de inteligencia superior a la media llamado Frank Morris (Clint Eastwood), y dos prisioneros hermanos que atendían al apellido de Anglin en la noche del 11 junio de 1962.

La obra en cuestión refleja sin ambages aunque sin minuciosidad en el detalle, la dureza e implacabilidad de la vida en prisión, en la prisión.

Desde su llegada a la prisión, cuando el carcelero (Patrick MacGoohan) le avisa que nadie hasta entonces había conseguido escapar de allí y él se lo toma como un desafío personal, Morris convive en un ambiente duro pero no brutal, ya que ni sus compañeros amigos de prisión (la gente de la que se rodea) están allí por motivos de haber matado a alguien (tan sólo el negro English y en defensa propia antes dos atacantes blancos), ni los carceleros se comportan de forma excesivamente brutal.

El ambiente de camaradería en general es empero ensombrecido por el comportamiento asaz extraño y sadomasoquista del interno Lobo (Wolf), quien se encapricha peligrosamente de la persona de Morris (para su desgracia).

La descripción de soslayo del drama carcelario se ve sustituída por la verdadera enjundia de la cinta, el intento de evasión junto con otros dos presos más, los hermanos Anglin, ya que un tercero, Charley Butts finalmente no se atrevió a cruzar la línea.

Una cuchara soldada con la navaja de un cortauñas sirvió a los prófugos para excavar un agujero por las vías de ventilación de las celdas, usando como señuelo la careta de los cuadros del amigo automutilado Doc.

Pero la película tampoco nos aclara como la historia el verdadero final de la aventura, así que eres tú mismo quien se lo imagina.

E M B L E M Á T I C A.

Adaptación cinematográfica de la novela epónima de Armitage Trail, pseudónimo bajo el que se escondía la verdadera identidad de Maurice Coons y basada en la época de la depresión en la ciudad de Chicago donde el personaje principal de Antonio 'Tony' Camonte vendría a ser el alter-ego del legendario gángster Al Capone, apodado "Scarface (=caracortada), condenado "tan sólo" por evasión de impuestos en 1931 a una pena de 11 años, y muerto en 1947 de sífilis... pero es que además otros destacados gángteres de la época como Johnny Torrio ó "Big Jim" Colosimo tienen sus respectivos alter-egos en los personajes de Johnny Lovo y "Big Louis" Costillo...además importantes acontecimientos de la historia del hampa como el "día de San Valentín" tienen lugar también...

Fue adaptada con la inestimable colaboración del periodista Ben Hetch quien en 11 días terminó su trabajo con Seton I. Miller, John Lee Mahin, y W. R. Burnett ayudando en los concisos y precisos diálogos...

Aunque facturada en 1930, su estreno se vio retrasado dos años debido a fuertes discrepancias con la industria debido a una supuesta complacencia y carácter panegírico que tanto Hawks como su productor Howard Hughes teóricamente se tomaron a la hora de tratar el delicado tema de los gángsteres...de hecho y para acallar las bocas, Hawks y Hughes decidieron poner un sobrenombre a la obra para dejar las cosas claras, y éste fue, "Scarface; la verguenza de una (la) nación", además de aclarar al inicio de la obra su intención de denuncia con aquellas recriminatorias palabras: "El gobierno también es usted...¿qué va a hacer al respecto?...".

Además los criminales son aquí representados como seres infantiles y sin ningún tipo de remordimientos, salvo el personaje de Tony Camonte cuando entra en juego la figura de su hermana que es cuando pierde su habitual sangre fría para convertirse en un pelele de categoría...algunos rizando el rizo quisieron ver algún tipo de relación incestuosa criptografiada ...o de homosexualidad contenida entre los dos grandes amigos, Tony y Guino Rinaldo.

Excelentementa narrada, fue filmada en un expresionista blanco y negro a cargo de Lee Garmes y L. William O'Connell donde los carteles iluminados en aquel potente y deslumbrante blanco y negro reflejaban los portentosos primeros planos sobre los rostros de sus protagonistas al ritmo de la banda sonora de Adolph Tandler...

De Palma crearía otro monstruo de similares características e incluso mayor resonancia con su celebrado remake "sui generis" de 1983 "El precio del poder", con el inconmesurable Al Pacino reconvertido de Camonte a Montana como exiliado cubano en Florida.

Aún con todo la película no recibió siquiera una nominación, es por ésto que yo sí se lo doy en la categoría de película

I M P R E S C I N D I B L E.

Gran comedia blanca del maestro vienés, facturada 20 años después de que la escritora italiana Anna Bonnaci escribiera una pieza cómica titulada "L´ora della Fantasia" en la cual se basaron tanto Wilder como su colaborador habitual I.A.L Diamond, a la hora de adaptarlo a la gran pantalla.

Cambiando de nombre a los protagonistas; por ejemplo el George de la Bonnaci por el Orvill J (de Jeremías) Spooner de Wilder o el Jenny de Bonnaci por el Polly de Wilder, la película fue considerada en su época como nociva para la frágil moral norteamericana, e incluso en España, la censura hizo mella en el metraje, no traduciendo parte del diálogo entre Zelda y Dino en el remolque de Polly "La Bomba", cuando ésta cae rendida en brazos del galán al ritmo de la pieza italiana "Sofía" de su marido Spooner y su socio Barney... (son los 60, y los Beatles están de moda. Artistas como Dino Latino se empiezan a quedar obsoletos...)

Con un arranque prometedor, y una estructura narrativa más que meritoria a la par que sencilla, Wilder nos introduce en la psique de los protagonistas con el subrepticio homenaje a la música popular del primer cuarto de siglo XX en EEUU... Música tradicional con toques de jazz, swing y chacha-chá (aunque éste estuviera ya pasado de moda...)...

Cole Porter, George Gerschwin, Tonny Bennet, Frank Sinatra, Barbara Streissand, etc... son citados por uno u otro motivo como el claro homenaje de Wilder a aquella maravillosa etapa que empezaba ya a languidecer en beneficio de la emergente música ligera proveniente de la pérfida albión; los beatles y demás... Incluso el gran gran Beethoven está presente en dicho homenaje...

Con una brillante fotografía a cargo de Joseph La Shelle y la espectacular banda sonora a cargo del brillantísimo y efímero George Gerschwin, Wilder casí completó la cuadratura del círculo, sino fuera porque el ritmo narrativo sufre alguna que otra perturbación a lo largo de su inmaculado metraje...

"Wonderful", "Sofía" y sobre todo la serenata que en todo momento tararean nuestros simpáticos granujillas, Orville y Barney; aquella de "...I´m a Napoleon without a Josephine...(" sólo comparable a aquella otra melodía de "My fair lady" titulada; "A little bit of luck") y que Barney puso letra y título. "Soy un huevo frito".

...¿Verdad que es genial el tipo...?.