Obra maestra indiscutible del musical, de la comedia y de la propia historia del cine, que narra una divertida sátira sobre el propio mundo del cine, en su transición del periodo mudo al sonoro, repleta de referencias y guiños cinéfilos, debidos al excelente y divertido guión de Betty Condem y Adolph Green.

La dirección de Kelly y Donen es rabiosamente dinámica y muy moderna en la época en que fue rodada.

Kelly brilla con luz propia en el papel protagonista, tanto en las escenas de comedia, las de acción, rememorando su reciente papel de D'Artagnan en "Los Tres Mosqueteros", y está sublime en las secuencias musicales, tanto en la romántica balada "You're my Lucky Star", como en la irreverente y gamberra "Moses", la esperanzada y optimista "Good Morning", o la grandiosa "Singing in the rain".

Donald O'Connor es el perfecto y simpático compañero de Kelly, retomando y superando la función que había asumido Frank Sinatra en films anteriores, su interpretación de "Make'em Laugh", subiéndose literalmente por las paredes, es uno de los más dinámicos y divertidos números musicales jamás filmados.

El resto del reparto, incluyendo a Jean Hagen y Debbie Reynolds, está sencillamente perfecto en los papeles asignados.

Mención aparte merece una maravillosa Cyd Charisse, cuya hipnótica aparición en el doble papel de ángel y demonio en el número "Broadway Melody", le valió el papel protagonista al año siguiente, en el musical "Melodías de Broadway,1955", junto a, nada menos que, Fred Astaire, y el recuerdo imperecedero de todos los amantes del cine.

El optimismo, la fuerza y la alegría de vivir que emanan del film, siguen siendo tan contagiosos en la actualidad, como lo fueron en el momento de su estreno, ¿o es que alguien es capaz de resistirse a tararerar "Singing in the rain" cuando suenan sus primeros compases?

En su segundo film rodado en Londres, Allen se da un respiro tras la crónica negra efectuada en la lúgubre y genial "Match Point", para recuperar el tono de intriga jocosa que ya utilizase tan acertadamente en "Misterioso Asesinato en Manhattan".

Vuelve a mostrar su catálago habitual de filias y fobias: la muerte y el miedo al "más allá", el miedo a las crisis de creatividad, la crítica a la pedantería intelectualoide, y en esta ocasión, como ya iniciase en "Match Point", una ácida y sarcástica visión de la "high class" británica.

Repite Scarlett Johansson en un papel que es la antítesis de la fascinante y desgraciada "femme fatale" de "Match Point", estableciendo un memorable dúo con Allen, donde brilla una indudable química entre ambos en su divertida relación paterno-filial.

Hugh Jackmann interpreta con brillantez a un aristócrata seductor de presuntas tendencias homicidas, derrochando otro tipo de química, pero igualmente eficaz, con la protagonista.

El resto del reparto brilla como es habitual en cualquier film de Allen, destacando especialmente la interpretación de Ian McShane en el papel del periodista muerto y puerta de acceso a la comunicación con el más allá, propiciando algunos de los mejores momentos del film.

En cuanto a la fotografía, Londres brilla con una luz tan evocadora, como en su día brilló "Manhattan".

Se ha dicho peyorativamente de "Scoop" que es un Allen menor, y posiblemente lo sea, pero estas citas anuales con el film de turno del prestigioso director neoyorquino, por muy menor que sea el film estrenado, suponen siempre una agradable experiencia para el aficionado, y a veces, esporádicamente, una revelación.

Excelente adaptación de la novela gráfica de Alan Moore, a quien debemos obras tan memorables como "From Hell", que también cuenta con una excelente adaptación cinematográfica, dirigida por Albert & Allen Hughes en el 2001, y autor también de "La Liga de los Hombres Extraordinarios", de plasmación fílmica en el 2003 menos afortunada.

James McTeigue, ayudante de dirección de los hermanos Wachowski, artífices de la saga de Matrix, dirige con notable acierto esta adaptación, que a pesar de haber sido repudiada por Alan Moore, devuelve al género fantástico el papel subversivo, transgresor y perturbador que había tenido hace unas décadas.

Sin pretender polemizar sobre lo políticamente incorrecto que resulta en el mundo actual, permanentemente amenazado por el terrorismo internacional, convertir a un terrorista en el paladín de la libertad o considerar la revolución violenta, como única alternativa de liberación, McTeigue se atreve, en el primer film que dirige, a sostener esta incómoda posición, reflejando en un futuro cercano, una sociedad, quizá no tan ficticia, dominada por los medios de comunicación que sirven al poder dictatorial del partido único, que puede ejercer de esta forma un control absoluto sobre la opinión de la población.

Los métodos de lucha que utilizará el fascinante vengador, un extraño personaje, que se asemeja a un cruce entre el Conde de Montecristo y el Fantasma de la Ópera, son los mismos que el poder usa para ejercer su control: violencia, terror, mentira y manipulación, convirtiéndose así en la otra cara de la moneda del mismo poder que pretende derrocar.

Pero el film, no es sólo una reflexión social o política de nuestro futuro inminente, es también un excelente relato de aventuras, algo lastrado por una estética deudora de la saga de Matrix, una hermosa historia de amor imposible y un compendio de influencias clásicas.

Destacan las brillantes interpretaciones de Natalie Portman, en el papel de Evey, la mujer que se verá sometida a un doloroso proceso de concienciación; de John Hurt, en el papel del tiránico Canciller Sutler; y en la recomendable V.O, la mágica voz, de Hugo Weaving, ya que la máscara de V no nos permitirá ver su rostro en todo el metraje.

Excepcional adaptación de la novela de Pierre Boulle, "La Planète des Singes", que deviene, bajo la inspirada batuta de Schaffner y la vibrante actuación de Heston, en un clásico de la ciencia-ficción.

El film plantea, como si de una fábula animalesca se tratase, una reflexión filosófica acerca de la identidad de lo humano y aquello que realmente nos hace humanos, la raza y la cultura o las cualidades del espíritu, para concluir que un simio, podría perfectamente tener más características de las conocidas como "humanas" que el propio hombre.

También plantea un alegato contra la guerra, la violencia y la agresividad del hombre hacia su entorno, incluyendo su propia raza, así como contra la intolerancia religiosa, racial y científica.

Que todas estas reflexiones se postulen irónicamente y bajo la forma de un excelente relato de aventuras, cuyo interés no decae en ningún momento del metraje, planteando una estructura narrativa y una banda sonora, que aún hoy, siguen resultando innovadoras, convierte al primer film de la saga de los simios, en una obra maestra, no ya de la ciencia-ficción, sino de la historia del cine.

El éxito del film se tradujo en cuatro secuelas rodadas para la gran pantalla, una serie de televisión de 14 episodios, interpretada por Roddy McDowall, como único superviviente de la saga fílmica, otra serie televisiva de animación de 13 episodios y un innecesario remake, rodado por Tim Burton en el 2001.

La progresiva mediocridad de las secuelas, las series y del remake de Burton, no han conseguido empañar los logros, el mensaje y la fuerza de esta cinta extraordinaria.

Alejándome voluntariamente de las disquisiciones filosóficas, efectuadas en el film y que personalmente considero enormemente sugestivas, sobre la inmutabilidad del destino y el sentido de la vida, no cabe duda de que el tercer film de la filmografía de Shyamalan, tras las memorables "El Sexto Sentido", y "el Protegido", que confirmaría en la misteriosa “El Bosque”, le configura como uno de los grandes jóvenes autores, del panorama cinematográfico mundial, a pesar del resbalón de “La Joven del Agua”.

Shyamalan tiene todo aquello que distingue a los grandes autores:

Una temática propia y recurrente: el enfrentamiento y la reacción del "hombre de la calle", con lo extraordinario, sobrenatural o terrorífico.

Una fórmula narrativa propia y personal, intelectualmente muy estimulante: el poder de la sugerencia y la sutileza, versus la espectacular exuberancia de los aparatosos efectos especiales/digitales.

Unos modelos en los que se inspira, de indudable maestría autoral: desde Alfred Hitchcock, las referencias a “Los Pájaros” en este film son innegables, o a Jacques Tourneur, claro inspirador y modelo del gusto de Shyamalan por las elipsis.

En “Señales” confluyen dos historias paralelas, por una parte, el progresivo descubrimiento de la amenaza de una invasión extraterrestre, por parte de una atípica familia norteamericana, compuesta por el patriarca, un correcto Mel Gibson, en el papel de un pastor protestante que acaba de enviudar tras un trágico accidente que ha segado la vida de su mujer, y provocado en él una profunda crisis de fe, de la que trata la segunda historia que subyace en el film, su hermano, que se ha mudado a la granja familiar, tras el dramático accidente, un excepcional Joaquin Phoenix, y los dos hijos del primero.

Es relevante para ilustrar lo comentado, comparar la economía de medios con que el autor nos narra la invasión extraterrestre, que el espectador vive a través de los ojos de la familia, como un miembro excepcional de ésta, con las últimas invasiones que nos ha brindado el cine en los últimos años, desde la estimable, por otras razones, “La Guerra de los Mundos” de Spielberg, hasta la lineal “Independence Day” de Roland Emmerich, plenas de explosiones e imágenes apocalípticas, que buscan epatar al espectador, asombrarle, restándole por consiguiente la capacidad de pensar y razonar.