Esta película es una declaración de Rossellini a Anna Magnani y su arte. La película consta de dos episodios bastante distintos. En el primero (“Una voz humana”, adaptación de la obra teatral de Jean Cocteau) solo aparece la actriz sosteniendo una conversación por teléfono en una habitación con su amante, del que apenas sabemos nada y del que no oímos su voz.

Se trata de un monólogo largo de media hora, muy pasional, enérgico, vital, sobre una relación amorosa que se rompe y que fue muy, muy impetuosa. No sé si ella improvisa o no (parece que sí) pero su naturalidad y su poderío se comen la pantalla con su diálogo lleno de fuerza y expresividad.

Lo malo es que por larga y solitaria y por ser un solo escenario, puede llegar a resultar monótona, a pesar de la enorme capacidad de esta impresionante actriz.

Si el primer episodio resulta insulso para mi gusto, el segundo es distinto. Se llama “El milagro”.

Brilla otra vez Anna Magnani, y de qué forma, en una prodigiosa realización de Roberto Rosellini. El sentido religioso ( o no) que propone Rosellini es prodigioso. Si Magnani era un torrente en el primer episodio, aquí vemos su camaleónica faceta de actriz total y solo hay que quitarse el sombrero ante ella. Al igual que el anterior episodio, su intensidad es impresionante, pero aquí se mezcla con un personaje frágil e inocente, absolutamente magistral.
La interpretación de pastora, casi una indigente, que queda embarazada por, según ella, San José es alucinante. Las referencias al pecado original son más que evidentes. La película tuvo polémica, y mucha, en su momento.

Federico Fellini (antes de convertirse en otro director de talla mundial) interpreta a un San José silente también magistral.

La primera historia me gusta menos, y en conjunto acaba restándole un poco, si lo tomamos como un conjunto, pero el segundo es sublime, y Anna Magnani está inconmensurable (creo que ya lo he dicho).

La película no puede sino llevarnos al elogio. La mujer como centro, la humanidad como tema central, un director y una actriz que son pura historia del cine.

La desconocida gira en torno a 2 personajes: un hombre mayor que chatea por internet y una chica (Carolina16) que acude a un encuentro en un bosque.
Hay giros de guión y asuntos por descubrir que tratan de mantener la tensión. Lo malo es que la falta de presupuesto es tan notoria que acaba por afectar a la película.

A pesar de que está muy bien realizada, los planos son muy, muy cerrados, nada de planos abiertos. Es cierto que le va bien a la historia, claustrofóbica, pero evidentemente hay que tapar los déficits presupuestarios. Por ejemplo, hay una escena en una especie de discoteca, y no da la sensación de ello, apenas unas luces de colores, unos pocos cuerpos, queda bastante pobre. La escena del supermercado es también bastante lánguida.

Y luego la historia. Sin hacer spoilers, una filia soterrada que se hace bastante indigesta para el espectador en el sentido de articularla en la vida laboral del personaje.

Sin duda, el plato fuerte es el trabajo de los dos actores principales, absolutamente irreprochable. Ambos están magníficos en la parte que les toca.

Lo mejor:
-Los actores: Manolo Solo. Genial su monólogo sobre cine, por poner un ejemplo. Su naturalidad traspasa la pantalla, el horror de lo cotidiano, y qué bien lo hace.
Laia Manzanares, lleva gran parte del peso del film, muestra solidez y gran versatilidad, león con piel de cordero.
Para ser el primer largometraje de ficción de Pablo Maqueda, el director, demuestra gran habilidad y precisión (ej. el fuera de campo), sabe incomodar al espectador, le ha quedado bastante bien.
Su duración (88 minutos), no necesita más

Lo peor:
la falta de presupuesto queda patente y le perjudica en los planos tan cerrados.
A veces resulta difícilmente creíble. El arranque es fabuloso, la peli va de más a menos.

Conclusión: la constatación de que, aunque se tengan pocos medios, se puede hacer una película (¿un thriller?) inteligente y llamativa , contando con un guión atractivo (no perfecto) y 2 buenos actores

Segunda película de Truffaut tras el éxito rotundo de “Los 400 golpes”, una auténtica obra maestra. “Tirad sobre el pianista” bien podría ser un grito desgarrador del genial director francés, proclamando su propia visión, rupturista, “sui generis” del cine negro, ora homenaje, ora desmitificación.
Se desmarca de una manera totalmente buscada y voluntaria al tiempo que hace un sentido homenaje al film noir norteamericano de serie B de los años 50.

Truffaut da una vuelta de tuerca, cambia estereotipos, apuesta por la innovación. Mezcla ademas varios géneros, no solo el de gansgters, sino que caben también romance y drama psicológico.

Dicho todo esto, y teniendo en cuenta su destacada filmografía en la que pueden contarse varias obras maestras, esta película no es de mis favoritas del galo. Aprecio, cómo no, su capacidad para revolucionar, hacer cosas distintas, pero mi percepción es de tomar cierta distancia con la película, sin llegar a involucrarme a pesar de estar predispuesto a ello en este pequeño ciclo que estoy haciendo por su carrera. La narración me resulta demasiado abrupta y el montaje reulta áspero; posiblemente por ello no obtuvo el éxito esperado.

Es muy destacado su capacidad para crear atmósferas sórdidas y ambientes desangelados, a pesar (o quizá por ello) de la notable escasez de medios, bastante patente durante todo el metraje.
Otra de el cosas más llamativas para el espectador es la actuación de Charles Aznavour, estrella musical del momento, que lleva casi todo el peso del film. Su voz en off, su mirada melancólica y su inevitable visión fatalista de la vida le van como anillo al dedo al tono y al ritmo del film.

Sin duda una película de culto, de las que se suelen amar u odiar. Yo me sitúo en un término medio, no me entusiasma, a ratos me divierte y aprecio su capacidad rupturista y la enorme influencia posterior.

Comienza muy bien “Maestro” con un plano secuencia despampanante. Parece que vamos a asistir a una gran película. Las fiestas, la recreación de la época, el vestuario, el tabaco, todo el diseño de producción está realmente bien hecho.
Pero algo me trastorna cuando ya empieza con la presentación de personajes, va demasiado deprisa, creo que confunde al espectador. Luego echo en falta el proceso por el que el protagonista llega a convertirse en un genio; la manera de presentarnos su talento no me convence, no he sabido verlo o no le dedica demasiado tiempo.

Por contra, a veces creo que sobran escenas de diálogos. Y un clásico ya de los últimos años, la duración es excesiva, injustificada.

Bradley Cooper está demasiado entregado a exhibirse, creo que hace más de Bradley Cooper que de Leonard Bernstein. Ejemplo más claro: la escena en que dirige la orquesta (hacia la mitad de la película) que no puede ser más personalista: ni un plano de los músicos que le acompañan, ni un mísero travelling o un plano cenital, un plano general, no, solo yo y nada más que yo. Excesivo hasta decir basta, varios minutos que se hacen aburridísimos.

Por suerte, Carey Mulligan (Felicia Montenegro) hace una gran actuación que probablemente le valga el premio Oscar. De hecho, la película se centra en la relación de ellos dos, en sus “infidelidades” consentidas y en cierto modo está contada a través de las reacciones de ella. Todo un acierto haber contado con ella.

En la producción están nada menos que Spielberg y Scorsese; a pesar de tener a estos dos fenómenos detrás, Cooper no acaba de articular una película redonda. Lástima.

1- Está en el top 18 de las mejores películas de acción de todos los tiempos que la revista GQ hizo en el año 2020. Un dato que ya quiere decir algo, por lo menos, es un largometraje a tener en cuenta.

2- Es además el film que mejor taquilla hizo en la carrera de Peckinpah.

3- Se basa en una novela de Jim Thompson, quizá el mejor escritor en este terreno tras Dashiel Hammet y Raymond Chandler. Thompson había trabajado con Kubrick para “Atraco perfecto” (1956) y “Senderos de gloria” (1957), casi nada.

4- La química de la guapísima Ali McGraw (ex-modelo) y Steve McQueen es magnífica. Sus encuentros y desencuentros son fundamentales para que la película funcione. Acabaron casándose en la vida real: eso lo dice todo. Ella es importantísima en la trama. Está brillante. Su personaje va cambiando de registro a medida que el film avanza. Y qué decir de McQueen, un actor que es todo un icono.

5- La película tiene muchísimo ritmo (salvo en la subtrama de Al Lettieri) y hay escenas llenas de suspense como la persecución en la estación o en un camión de basura que, aunque otra vez algo inverosímil, me resulta magnífica.

Quizá no sea una película redonda, y a pesar de todo, puede que no sea la mejor de su director. Casi todo el mundo da por hecho que es “Grupo salvaje” (1969).
La única afirmación con rotundidad que puedo hacer es que a quien le guste el estilo de Peckinpah, no saldrá decepcionado: no puede faltar la violencia (marca de la casa), el antihéroe o la desesperanza, y en el plano técnico su magistral uso de la cámara lenta ensalzando potentes momentos.

En esta película Peckimpah explora la relación de pareja (a su manera, claro), que desde luego nunca es políticamente correcta, y menos en la sociedad de hoy.

Por entrar en algo menos brillante. Hay algo que me chirría, aparte de lo comentado anteriormente, y es la subtrama del otro bandido (Al Lettieri) y su relación con el veterinario y su mujer, aparte de que resulta inverosímil . Esto es lo más flojo del film, lo estropea un poco, quizá buscando un toque de erotismo.

En definitiva, obra de obligada visión para fans de Peckimpah y seguidores del cine de acción.