Una pequeña compañía teatral compuesta por Sebastian (Anders Ek), Thea (Ingrid Thulin) y Hans (Gunnar Björnstrand) son citados por las autoridades suecas encargadas de la censura debido a que su espectáculo se ha prohibido, por lo tanto deben asistir donde Abrahamson (Erik Hell) el juez de instrucción para ser entrevistados sobre el caso.

Riten es un filme para televisión que tiene su génesis en el proceso de preproducción de Skammen (Vergüenza), lo que empezó como un simple ejercicio o un sketch como se refiere el mismo Bergman, se transformó en una obra de bastante impacto aunque no tan conocida, el filme está compuesto de nueve episodios, que en el guion -escrito por el propio director- se presenta como nueve diálogos.

En el escrito, la idea del realizador era alejarse de toda concepción cinematográfica, para centrarse en las acciones, al final, la película también resulta y puede ser vista como una obra teatral filmada, como esos filmes para televisión frecuentes que Bergman estuvo realizando principalmente entre finales de los 50s e inicios de los 60s, aunque Riten, aun con su curioso origen, es ampliamente superior.

Este largometraje de apenas 72 minutos de duración, cuenta apenas con escenarios básicos, se centra totalmente en sus personajes y sus rostros, con repetidos primeros planos o planos medios, apenas son cinco los personajes, además de los cuatro protagonistas se le suma una brevísima aparición del propio Bergman como un padre, aunque no se observa su rostro.

El argumento se enfoca en las entrevistas realizadas por el juez, más la interacción de los personajes entre ellos en otras escenas y la ya mencionada secuencia del padre cuando el juez lo visita, cada uno de estos nueve episodios sirve para conocer a fondo a los personajes, sus histerias y pasado, valga decir que también se ahonda en Abrahamson, que no está ahí solo como un intermediario sino que es importante dentro del relato.

Riten termina consolidándose como una obra inquietante en muchos tramos, pero sobre todo en ese inolvidable último acto que marca al espectador, un elenco de allegados al director en estado de gracia como de costumbre, con un Sven Nykvist como siempre manejando la fotografía y el blanco y negro a su antojo, por momentos muy expresionista, formidable trabajo.

Cierre de la trilogía de la muerte del realizador Alejandro González Iñárritu que es a su vez, el trabajo más ambicioso de estos, donde la acción toma partida en varios lugares alrededor del mundo, mediante varias historias que se van entrelazando en este caso con un punto en común: un rifle, así la trama toma lugar en la frontera entre Estados Unidos y México, en Marruecos y Japón, contando cuatro historias.

En Marruecos, Yussef (Boubker Ait El Caid) y Ahmed (Said Tarchani) son dos hermanos que reciben de su padre un rifle M70 de Winchester para cuidar su rebaño de cabras de los chacales que merodean el extenso desierto, por su parte, Richard (Brad Pitt) y Susan (Cate Blanchett) son dos turistas americanos que sufren un atentado durante su visita a este país, la vida de ella corre el riesgo mientras él intenta lo posible por ayudarla.

En Estados Unidos, los dos pequeños hijos de la pareja son cuidados en Estados Unidos por Amelia (Adriana Barraza), la niñera mexicana tiene el anhelo de asistir a la boda de su hijo en su país, por su parte en Japón, Chieko (Rinko Kikuchi) es una adolescente sorda que tiene un despertar sexual, mientras su padre Yasujiro (Koji Yakusho) está siendo investigado por la policía.

Babel lleva al extremo la idea de las historias cruzadas, viendo como un pequeño hecho realizado por uno de los personajes va a desencadenar tiempo después todos los hechos que se van desarrollando, quizá el que queda un tanto desencajado es el de México, pero es claro que Iñárritu debía mostrar la autenticidad y folclore de su país, como también muestra el desierto marroquí o la megalópolis de Tokio.

Última colaboración del tándem Iñárritu en dirección y Arriaga en el guion, una obra correcta que logra ir armando bien sus piezas, complicándose menos de lo que se hizo en 21 Grams (2003) donde hubo un momento en que todo era muy caótico, acá hay un buen desenvolvimiento de las historias, son muy claras y sencillas, pero dejan un claro mensaje con cierto rasgo humano pero en general desoladoras.

Largometraje que recorre el ascenso, consolidación y caída de Napoleon Bonaparte (Joaquin Phoenix), militar francés que aprovechando el caos reinante aun una década después de iniciada la Revolución francesa, comenzó a hacerse un nombre con sus victorias militares hasta convertirse en una figura de mucha importancia, proclamándose tras un golpe de Estado, emperador de los franceses.

El filme tiene claramente dos partes muy marcadas que se van desarrollando a lo largo del metraje, por un lado la vida personal del protagonista, especialmente referido a su gran amor Josephine (Vanessa Kirby), por otro lado, el punto que lo llevó al culmen de su relevancia en dicha época y que ha trascendido al presente: sus campañas militares.

En el primer aspecto, David Scarpa, autor del guion de la película, se enfoca en mostrar la tortuosa relación entre Napoleon y Josephine, el matrimonio, las infidelidades de por medio mientras Napoleon se encontraba en batalla, además del gran anhelo del emperador por tener descendencia, son parte del drama novelesco que toma varios minutos en pantalla, hay un interés en ahondar en la psique del protagonista respecto a las mujeres en su vida.

En el segundo aspecto, el de las campañas militares, por mucho el más interesante y destacado, de mayor impacto visual pero también del que, a pesar de que hay varios minutos en pantalla, queda la sensación de que no se ahondó lo suficiente en el trasfondo de lo que se observa, las campañas militares y las guerras son trascendentales y acá es donde Ridley Scott se luce con una filmación espectacular y que visualmente da gusto.

Ante este panorama vale la pena recordar que Napoleon es una película, que busca entretener y lo consigue, podrá gustar en mayor o menor medidas las decisiones tomadas respecto al argumento, donde no tiene peros es que es visualmente majestuosa y está muy bien ambientada, con actuaciones más que convincentes.

Finales del siglo XIX. La ciudad polaca de Lodz era un centro importante en Europa para la producción de textiles, esta ciudad ubicada en el centro de Polonia vivía una época dorada como parte de una tardía época industrial, bajo este contexto, con el dinero pululando en los grandes empresarios, los más jóvenes buscan la forma de entrar como dueños del capital.

La película tiene un trío de protagonistas: de la nobleza polaca Karol Borowiecki (Daniel Olbrychski), junto con sus amigos el alemán Moryc Welt (Wojciech Pszoniak) y el judío Maks Baum (Andrzej Seweryn), de una u otra forma los tres están ligados a la industria textil, a pesar de que no son obreros buscan mejorar sus posiciones, por tanto, tienen la idea de fundar una gigantesca fábrica.

A partir de dicha idea, se comienza a conocer un poco del contexto de los personajes, mientras los jóvenes se encaminan en buscar la forma de conseguir el dinero para la construcción y puesta en marcha de la fábrica, además que se va desarrollando la parte personal de estos y sus vínculos familiares y amorosos.

Ziemia obiecana es una enorme producción polaca que cuenta con varias versiones, la original de 170 minutos de duración, a la que hay que sumarle una versión para televisión, estrenada como miniserie de cuatro episodios de 204 minutos en total, más una versión del año 2000 con 138 minutos de metraje, personalmente observé las dos de menor duración, pero bien vale la pena visualizar la de casi tres horas, se siente más compacta.

Andrzej Wajda es el director de tan magna obra, uno de los baluartes del cine polaco, contestatario y luchador frente al sistema censor del Estado comunista de su país, el filme está basado en la novela homónima (1899) del autor Wladyslaw Reymont, siendo el propio Wajda el escritor del guion de este ambicioso proyecto.

Estrenada hace casi cincuenta años, Ziemia obiecana ha envejecido muy bien, sigue completamente vigente, primero por ser un filme de época, lo cual le ayuda, pero seguido porque su trama es bastante consecuente y hasta moderna, además que sirve para visibilizar una parte de la historia que aun hoy en día se mantiene, la lucha entre los dueños del capital frente a los obreros de las fábricas.

Wajda se muestra crítico del capitalismo férreo de la época, donde el único fin era crear dinero a costa de la explotación laboral, en un momento histórico donde los derechos de los trabajadores no existían: horarios, medidas de seguridad, seguros contra accidentes, liquidación, días libres, menos vacaciones, lo único que se buscaba era producir con el costo más bajo posible.

Todo esto se desarrolla en una ambientación formidable, el vestuario que identifica fácilmente la clase social de los personajes o las ubicaciones muy bien gestionadas, los edificios de los directores de las empresas y las casas elegantes y opulentas de los dueños del capital, frente a las sucias, caóticas y oscuras fábricas donde malvivían y trabajaban los obreros.

Ziemia obiecana culmina siendo una obra redonda, muy bien ejecutada.

Película de animación ambientada en un New York donde los habitantes son animales antropomorfos, el protagonista es un Perro que vive solo y pasa sus días en completa soledad anhelando compañía, una noche ve un anuncio por televisión de un Robot, lo compra y se vuelven inseparables, hasta que una tarde luego de un día en la playa el robot no se puede mover y quedaran separados.

Todo esto ocurre en los primeros veinte minutos de metraje, a partir de ese primer giro en el argumento, se dará un seguimiento a ambos personajes, por un lado, el robot inmóvil que ante su estado comienza a soñar y rememorar, mientras que el perro, ante la imposibilidad de recuperar a su amigo hasta una fecha en particular, trata de seguir con su cotidianeidad.

A pesar de que el nexo entre los protagonistas, como se ha hecho mención, ocurre en unos pocos minutos, se hace tan bien que de verdad se siente la conexión entre ambos, así como la desesperación que ambos viven al ser separados, además de todo lo que vivieron posterior a ese traumático hecho que les va a marcar por siempre.

Nuevo largometraje del realizador español Pablo Berger, que vuelve a tener un trabajo exitoso como lo fue en su momento Blancanieves (2012), Robot Dreams está basado en la novela gráfica homónima (2007) de la autora Sara Varon. Berger es el autor de un guion para una obra que no tiene diálogos y que por tanto, la animación es en suma importante para mover los hilos narrativos, además del sonido y la música que son vitales en su composición.

A pesar de ser una animación, a pesar de no tener diálogos, a pesar de que no aparecen humanos, aunque sí animales con rasgos humanos, Robot Dramas es probablemente uno de los largometrajes más humanos y más sensibles del 2023, logrando ahondar en el espectador con un acertado diseño de personajes, pero sobre todo, con una historia llena de emotividad, triste y real, como la vida misma.

Un gran trabajo.