Algunas sensaciones trascienden las palabras. Definir qué sentimos al comenzar un nuevo proyecto, al decir adiós a un amigo, al terminar un gran viaje… puede tornarse tan fácil como ponerle una corbata a un pez. Las emociones, en estos y otros muchos casos, se solapan, se contradicen y hacen que nos sintamos irremediable y estúpidamente humanos. Por eso es tan difícil hablar de Inside out.

La película comienza como otras tantas películas, de fuera y de dentro de la factoría Pixar. Se nos presentan unos personajes entrañables (cada uno representativo de un tipo de físico: el alto y espigado, la bajita rechoncha…) dentro de un mundo fantasioso y colorista. Un punto de giro es acompañado de numerosos chascarrillos con los que es imposible no sentirse identificado en uno u otro momento (“Triple dental…”).

Y, de repente, algo cambia. Sólo que no ha cambiado de repente; lo ha hecho en los últimos instantes sin ser apenas percibido. Como tantas otras cosas en la vida. Y la historia divertida e infantil se torna madura y significativa, convirtiéndose en algo de lo que muchos hablaban (que Inside out es la película más adulta de Pixar) y que, hasta ese momento, había pasado inadvertido. Es entonces cuando Inside out se revela como lo que realmente es. Los niños podrán disfrutar de los chistes y el ritmo ágil con que transcurre, pero ésta es película para adultos que no han dejado de ser niños, o mejor dicho, para adultos que recuerdan con nostalgia lo que es ser niño.

Pixar mira hacia atrás con melancolía para despedirse de una etapa de la vida tan breve como idealizada, tan dulce como trágica por saber que ha quedado atrás. Y ahí es donde radica la magia de Inside out; no en su frescura ni en su emotividad (Wall-e o Up despliegan igual o mayor carga emocional que esta película), sino en su capacidad para apelar a todas esas emociones escondidas, alteradas a veces por la relatividad y aspereza del tiempo, pero aún vivas en los que seguimos estas historias con la ilusión e inquietud de cuando éramos pequeños.

Sólo un comentario negativo, aunque totalmente ajeno a Pixar y su maestría: “¿Del revés?” ¿En serio? ¿A quién hay que enviar a la isla de Perdidos para que estos horrores se acaben? La expresión “inside out” tiene un significado muy diferente. ¿Qué no existe una traducción literal al castellano? Pues se deja como en el original y punto. Que nadie se murió por decir “Up” o “Toy story”.

Sencilla y maravillosamente compleja a un tiempo, poco más se puede decir sin entorpecer la magia de la sorpresa. Disfrutadla. Es breve y transcurre sin que te des cuenta. Como los mejores momentos de la vida.

Podría decirse que The imitation game es una máquina tan audaz e imaginativa como la que, bajo las manos de Alan Turing, cambió el curso de la Segunda Guerra Mundial. Podría decirse que la película traza una historia de momentos sabiamente medidos y calculados, donde el director es muy consciente de cuándo y cómo elevar la intensidad, cuándo aflojarla y cuándo dejar, incluso, tiempo para la reflexión del espectador (spoiler).

Pero nada de esto sería relevante sin la presencia firme y poderosa de un cada vez más genial Benedict Cumberbatch. La piel de Alan Turing se vuelve elástica, manejable, sobre la figura rotunda del actor que ya nunca será sólo un Sherlock Holmes. Cumberbatch inunda la pantalla con cada gesto, cada palabra; hasta el parpadeo más nimio cobra matices imposibles en manos de otros actores. Es un mago, un genio del disfraz que dota al personaje de la emoción que la historia merece y necesita, pasando de la arrogancia a la vulnerabilidad sin esfuerzo aparente.

Hago aquí una parada para mencionar al actor que presta su voz en la versión doblada al castellano, Iván Muelas. Dejando a un lado la necesidad de escuchar las voces de los actores en su lengua original para poder juzgar su interpretación completamente, Muelas acompaña de forma magnífica la calidad de los matices de Cumberbatch, que se hubieran visto deslucidos con un doblaje menos acertado.

El resto de actores saben ceder el protagonismo al que es director indiscutible del elenco, haciendo el conjunto armonioso y adecuado.

Lejos de ser un simple biopic, The imitation game es un homenaje a través de una historia bella y sutil, que nos ayuda a conocer a un personaje en su día denostado por la Historia a través de un actor que va camino de formar parte de ella.

No es fácil escribir una crítica sin tener el cómodo amparo de las precedentes, pero la intensidad desplegada por Toro me ha empujado a abandonar el confort de los últimos de la cola.

La película parte con una hazaña nada desdeñable: la de introducirte en la historia en apenas dos minutos. Después de eso, una intro a lo James Bond (mal por la falta de originalidad pero, de inspirarse en una intro, que sea en las de James Bond) y una historia muy bien construida, en la que los guionistas dejan pequeñas semillas que los minutos acaban germinando hasta alcanzar su cenit. Maíllo mantiene la tensión narrativa en todo momento, elevándola cuando es necesario y ralentizándola sólo cuando la historia lo requiere, si bien hay una escena de acción que no me ha resultado del todo realista (explicación en spoiler). Los diálogos son naturales y creíbles (algo poco frecuente en películas de este tipo, por desgraciada) y son ejecutados por actores que no parecen estar actuando.

Y aquí es cuando hablo de lo que es, en mi opinión, el gran acierto de Toro, que es la elección de sus tres actores principales: José Sacristán corta la respiración sin necesidad de un pestañeo y Luis Tosar sabe ocupar muy bien su lugar como secundario, relajando su intensidad y cediendo protagonismo a su compañero Mario Casas. Este último tardará mucho, seguramente, en callar las últimas voces chirriantes sobre su supuesta falta de talento interpretativo, pero los que puedan desprenderse del prejuicio y la crítica destructiva, sabrán ver en él unas cualidades que le hacen un mejor actor en cada película que rueda.

Como pega, considero que la banda sonora no es la más adecuada (los referentes religiosos son suficientes como para que sea necesario atronar con las mismas melodías de forma reiterativa) y que el personaje de Estrella (que no la actriz) es algo desdibujado y de poca profundidad.

En resumen, otro gran ejemplo del año que está disfrutando el cine español y los que nos asomamos a las salas para asombrarnos con él.

Esta película es un homenaje a todos los que, en algún momento de nuestra vida, nos hemos calzado para emprender un camino desconocido que nos daba miedo, pero necesitábamos recorrer antes de rendirnos a la desesperación. Para hacerlo, tuvimos que cargar con ciertos pesos inevitables, y dejar atrás otros que podíamos y debíamos obviar; en definitiva, deshacernos de lo que sobra para seguir caminando con lo que uno realmente necesita.

La historia de Cheryl Strayed puede ser insólita, o al menos poco frecuente, pero es fácil ponerse en la piel de su protagonista y recorrer con ella el camino. Reese Witherspoon lo hace posible peleando con su personaje de un modo absoluto, entregándose a sus vicisitudes de forma total. Las escenas donde Sheryl explora los lados más oscuros de su propio yo son de una veracidad y crudeza extremas; por el contrario, las escenas cotidianas con su madre resultan un tanto vacuas y aburridas, carentes de emoción. En éstas, es Laura Dern quien absorbe el protagonismo, pero su buen oficio no resulta suficiente ante un personaje un tanto frívolo y plano (ejemplo en spoiler).

Por otro lado, el montaje de la película (en concreto, las imágenes de Sheryl caminando entremezcladas con flashbacks) ayudan a aumentar el realismo y crudeza de la historia, siendo casi posible sentir el dolor físico y emocional de la protagonista.

Por desgracia, un final un tanto frío y abrupto ensombrece una película que podía haber resultado mucho más interesante. De este modo, la historia nos deja una sensación de desamparo y hace que languidezca en su conjunto (explicación en spoiler).

El tiempo de Clint Eastwood en la Tierra está siendo excelso, prolongado y muy bien aprovechado. Es posible que sea uno de esos seres humanos que querríamos vivieran para siempre y nunca llegaran a hacer algo tan prosaico como tener un ataque al corazón y morirse. Tal vez por eso somos muchos los que esperamos un último regalo, una última joya que nos sacuda el alma y haga que le recordemos siempre como el gran director que es. Desgraciadamente, tendremos que seguir esperando.

El comienzo de El francotirador es prometedor, pero pronto se difumina en un montón de intenciones no cristalizadas. Eastwood trata de mostrarnos el lado más humano de la guerra, pero lo hace a través de unos personajes planos, entre los que, para nuestra y su desgracia, se encuentra su protagonista (explicación en spoilers). Bradley Cooper guarda un gran parecido físico con Chris Kyle; ésa es su gran baza y la, asumo, principal razón por la se hizo con un papel que le queda demasiado grande. Su falta a la hora de transmitir emociones hace que no seamos capaces de empatizar con él, hasta llegar al punto de no saber, incluso, qué siente y piensa.

La dirección no está, ni de lejos, a la altura de otras producciones de Eastwood; más allá de no lograr conmovernos, se suceden una serie de escenas que parecen vomitadas, con unos cortes desconcertantemente abruptos (ejemplos en spoilers).

Una película que podría haber sido ese gran regalo, se ha convertido en algo difuso e impreciso. Seguiremos esperando, maestro; usted, haga el favor de no morirse pronto.