Déjame entrar (2008) fue una de las películas que consiguieron un gran reconocimiento en la primera década de este siglo, y que abanderó numerosas películas y obras de literatura nórdicas que sirvieron como renovación de un cine que incluso desembarcó en Hollywood. La propia Déjame entrar fue remakeada en su momento por Matt Reeves, conocido hoy en día por ser el director de Batman. reverla hoy en día, resulta un ejercicio interesante para poner en contexto la película. 

Los países escandinavos siempre aparecen en nuestro imaginario colectivo como una civilización (o serie de) que son el culmen del bienestar y de la sociedad tranquila, que es capaz de alcanzar grandes estándares de vida, por lo menos en el ámbito material. Déjame entrar es sin embargo la cara oculta de una sociedad que hasta bien entrado los años 80 del siglo XX seguía estirilizando ciertas etnias para que no se reprodujeran. No es oro todo lo que reluce y esta película es un baño de realidad, donde el personaje más humano es precisamente un vampiro.

La película, conocida sobradamente por su argumento, es la historia curiosa de amor que se establece entre un pequeño niño y una chica que resulta ser un vampiro. Poco a poco se irán conociendo y en estas que surgirá el amor. Sin embargo, valga la redundancia, la sociedad se interpondrá en el camino. 

Oscar, que es interpretado por Kare Hedenbrant, es un niño que sufre acoso escolar y que reprime sus traumas utilizando una violencia extrema. Incapaz de socializar de manera correcta, la película desgrana precisamente uno de los grandes problemas de las sociedades nórdicas como es la falta de comunicación. Sutilmente (a diferencia del más directo remake americano) se deja ver como la madre del propio Oscar se siente totalmente despreocupada por él. No es de extrañar que veamos en este personaje un futuro asesino de masas, al más estilo Columbine. Pero no se trata solo de su familia, puesto que todos los personajes que aparecen en la película son, literalmente, unos desgraciados. Los estudiantes que acosan a Oscar lo son, así como lo son los que frecuentan el bar donde mata el tiempo una pequeña comunidad de lúmpenes que lo único que hacen es emborracharse y criticar al vecino.

Y es sin embargo el amor, que le profesa la vampira interpretada por Lina Leandersson quien en cierta manera endereza a Oscar (aunque para ello tenga que usar igualmente una violencia extrema, como demuestra la secuencia final). De todas maneras, la película deja entrever numerosas relaciones que resultan turbias, como es la pedofilia implícita entre el cuidador de nuestra protagonista, que sin embargo no acabamos de saber que papel juega en esta relación. Como vemos, una de las grandes bazas del guión es saber jugar con el insinuar y no el contar.

Los aspectos técnicos son otro de los grandes puntos positivos de la película. A diferencia de otras producciones vampíricas, Déjame entrar cuenta con una puesta en escena, de Tomas Alfredson, que tiene grandes momentos estéticos. Por una parte sabe combinar grandes planos, como los que muestran la separación física de los dos personajes en la ventana al comienzo del filme, de una gran belleza y que además transmiten la propia incomunicación de los personajes (que de hecho tendrán que utilizar morse para poder comunicarse posteriormente), así como una magistral fotografía que nos presenta una Suecia resplandeciente, donde prácticamente los personajes aparecen retratados pálidos, con una luz que refleja de manera muy intensa sus caras y rostros, llegando hasta más allá del límite de la propia realidad cromática. La nieve, sin que suene a cliché, es otro de los protagonistas de la película. 

Conclusión

Déjame entrar es ya un clásico moderno del cine de vampiros. Una cuento gótico ambientado en una sociedad no tan brillante como parece en primera instancia y que presenta el amor como fuerza redentora. Difícil de entrada, cierto, pero también se trata de una película que da al que sabe esperar y ser paciente.

Cinemagavia.es

Tótem (2023) se trata de una producción mexicana que llega a las carteleras españolas el 1 de marzo. La película, dirigida por Lila Áviles, es un slice of life (Vale verga, mejor digamos un retazo de vida) nos muestra el paso de la infancia al mundo adulto por parte de unos niños que descubren poco a poco que no todo es de color de rosa. Con muy buena recepción crítica, la película ha conseguido saborear el éxito en numerosos festivales...¿Logrará también cautivar al público?

La película está rodada prácticamente como un documental. Se cuela directamente entre los entresijos de la preparación de una fiesta familiar. La cámara es un ente invisible, voyeur, y las escenas en muchos casos dan la sensación de incluso contar con el beneplácito de algunas improvisaciones (sobre todo cuando hablamos de las interpretaciones de los actores más pequeños). En ese sentido, la película se le puede hacer dura a algunos espectadores y hay que avisarlo de antemano. Tótem no es el último blockbuster de Hollywood hecho exclusivamente para entretener. Se trata de una película muy intimista, donde tampoco hay un personaje único sobre el que se centre exclusivamente la acción (aunque el personaje de Sol deslumbre por su propia idiosincrasia), sino que lo importante en gran medida es el desarrollo coral de la familia.

Pero no tengan miedo, no se trata de una obra de cine social arquetípica. Tótem tiene numerosas virtudes que la hacen bastante singular. Por una parte, su directora Lila Áviles, sabe mezclar muy adecuadamente los tonos de comedia y drama. Algunas de las mejores secuencias provienen precisamente de un guion que hace chocar el mundo de los adultos y el de los niños, llevándolo hacia una forma final con cierto regusto cómico. Pongamos por ejemplo el momento en el que los niños le quitan el micrófono comunicador al abuelo que tiene cáncer de garganta para jugar con él. Es cotidianeidad pura, es dramática, pero a la vez tiene cierto regusto cómico y sabe jugar con la inocencia infantil de unos niños a los que la palabra cáncer les suena a algo tabú y de adultos. Esos choques continuos marcan el tono maravilloso de la película y la hacen especial.

Es cierto, que no toda la película se aguanta por igual. La propia idea de la película la acaba convirtiendo en cierto encorsetamiento argumental. Lo que estamos viendo es lo que es, y excepto esa evolución de la infancia a la madurez, poco hay más que señalar. En cuanto a la evolución, se manifiesta de manera obvia en el personaje de Sol, quien tiene que aceptar una dura realidad que choca con su mundo infantil. Es sin duda el mejor personaje de la película y el que acaba conquistando muy fácilmente nuestros corazones. Los momentos en los que habla con Siri para intentar entender preguntas que se le escapan por su propia infancia son tan emotivas como duras.

En cuanto a factura técnica, la película, ciertamente modesta, sabe tapar sus carencias con sus ágiles diálogos y un montaje que combina de manera alternativa los diferentes miembros de la familia de Sol, lo que logra crear un interesante crisol de contrastes. Se apoya en una fotografía que mediante el mismo tono de colores pastel sabe crear cierta monocromía a la que acabamos asociando con la familia, y que contrasta con las pocas secuencias de exteriores.

Conclusión

Tótem se estrena el 1 de marzo en carteleras y tiene una competencia comercial bastante potente. Pero puede atraer un público dispuesto a encontrarse con una pequeña película que si bien no tiene grandes medios cuenta con alma y un guion que nos presenta a un personaje infantil que es de los más bien escritos en mucho tiempo.

Crítica escrita para Cinemagavia.es

The Book of Clarence (2024) se trata de una película dirigida por Jeymes Samuel y que nos presenta una revisión satírica de la vida de Jesús, en clave Blaxpotaition. La película, que ya se ha estrenado en Estados Unidos (cosechando un fracaso en taquilla y recibiendo críticas mixtas), hará lo propio en España, aunque aún no tiene una fecha determinada.

Desafortunadamente, por mucho que el argumento nos haga pensar en una reedición de La Vida de Brian (una parodia de la vida de Jesús) lo cierto es que la película se queda en un indiferente territorio de nadie. Por una parte la película se encorseta a si misma  reduciendo sus posibilidades y convirtiéndose en un humor que solo sabe jugar sobre el cliché afroamericano gansta. Trasladar las situaciones de nuestro siglo XXI de tan específico contexto y simplemente intentar hacer algún pequeño gag sobre ello en el "pasado" no es suficiente, y además en cierto sentido es hasta insultante para con la comunidad afroamericana (como ciertamente ha retratado la brillante American Fiction hace poco). Parece como si cada vez que se hiciera una película con actores norteamericanos negros en el terreno de la comedia, se tuviera que pasar por los mismos troppos que lo único que hacen en realidad es estereotipar a la comunidad (la marihuana, las poses ridículas y en cierta manera la supervivencia como lúmpenes al margen de la sociedad).

Después de haber intentado entrar en la comedia de sal gruesa, la película pasa por cierto tono pseudoreligioso, en el que presenta una Mesías de opereta que va evolucionando poco a poco, pasando por una moralina barata. Naufragando entre varios tonos y con un actor protagonista, Lakeith Stanfield, que tampoco es capaz de mostrar el carisma de un auténtico profeta. Su acompañante, interpretado por RJ Cyler como alivio cómico, apenas está un poco por delante en el papel bufonesco de escudero.

¿Podría haber optado la película por otro camino? Lo cierto es que en algún momento la película muestra alguna idea original, el guion que firma el propio Jaymes Samuel tiene cierto ingenio en cuanto a la creación de ese mundo que en realidad no pertenece más que a una farsa histórica en la que el Harlem se hace pasar por el Imperio Romano, con el trasunto de Barrabás (interpretado por Omar Sy) como quizás el punto álgido del filme. En realidad, The Book of Clarence no es en si una mala película, pero teniendo a priori tantas cosas positivas, el resultado es desalentador.

Conclusión

The Book of Clarence no es La Vida de Brian. No está a la altura tampoco de una buena comedia, sino que simplemente se trata de una película más del género en la que se acentúan los clichés más negativos sobre la comunidad afroamericana y transcurriendo el filme en un escenario un tanto atípico. 

Cinemagavia.es

American Fiction (2023) es una de las películas candidatas a ganar el Oscar de 2023. Supone a la vez un debut en la dirección de Cord Jefferson (guionista de la serie de Watchmen), quien a su vez adapta la novela homónima escrita por Percival Everett. La película es una sátira mordaz sobre numerosos aspectos de la sociedad (el parcelamiento cultural, el consumo "fastfood" de la literatura), alzándose como una de las mejores comedias del año. 

Uno de los grandes aciertos del filme, así como uno de los cimientos de su valentía es la crítica despiadada, pero astuta, que hace la película de la atomización extrema a la que ha llegado la sociedad occidental en nuestra década. Una persona en Estados Unidos ya no es simplemente afroamericana, blanca o hispana, sino que ahora necesita presentarse con todo el árbol genealógico, entre otros detalles, y todo ello en un supuesto progresista, que en realidad favorece ideas reaccionarias, que son las que favorecen la individualización de una sociedad que acaba por perder los vínculos entre las mismas clases sociales que la componen, aún perteneciendo ellas a la misma. 

Esto por supuesto, tiene su reflejo en la literatura. Jeffrey Wright interpreta a un escritor que simplemente quiere dedicarse a la "alta literatura". Los libros que menciona en su película son de hecho una reformulación de los clásicos griegos (aparece el trágico Esquilo, por ejemplo). Sin embargo, tiene un problema: es afroamericano. Hace cincuenta años, esto habría sido un obstáculo por el racismo imperante de la sociedad norteamericana, que le habría impedido (o como mínimo le habría puesto trabas) editar un libro (no hace falta ahora que me dedique a hacer una retahíla de todos los agravios contra la sociedad afroamericana porque no acabaríamos nunca). Ahora, también es un impedimento, pero por otras razones. Y es que, como muestra la película, todo el mundo desea que publique algo que se ajuste a la parcela a la que se le ha clasificado, es decir, que escriba sobre "negros", como si estos vivieran en una sociedad diferente y aparte de nuestro universo. El progresismo, definitivamente, se ha convertido en reacción, al parcelar al individuo y aislarlo en burbujas, que culturalmente también, se encuentran aisladas unas de otras.

Resumiendo, en 2023, un negro escribiendo sobre Esquilo no vende.

Y todo ello decide resolverlo la película haciendo una absoluta parodia de los procesos editoriales, riéndose de manera descarnada de todos esos promotores y literatos que para que nos hagamos una idea, son los que deciden editar libros de personas como Belén Esteban o el Youtuber de turno. Una sociedad que consume literatura de manera parecida a como lo hace con las hamburguesas, espoleada por los nuevos medios de comunicación masivos (evidentemente la película ataca a todos estos modernos Booktokers que juntando letras creen haber escrito un libro). Las secuencias homenaje a una de las mejores películas de Woody Alleen como es Misterioso Asesinato en Manhattan, donde vemos a Jeffrey Wright parodiando al gánster afroamericano de las películas de Spike Lee quedan ya para la historia del cine.

Pero a la vez, la película trata de manera magistral el tema afroamericano. Y eso queda más que comprobado en el personaje secundario, de Lorraine. Esta mujer de edad avanzada y con cierto sobrepeso, ha sido estereotipado cientos de veces en las películas de Hollywood como el personaje secundario de alivio cómico. Sin embargo, de manera deliberada la película lo trata con un gran cariño en American Fiction, lo que le sirve a la película principal para asentar su mensaje en contra de los estereotipos sobre los que se ven limitados los propios afroamericanos.

Conclusión

American Fiction es una comedia brillante e inteligente. Y ya se sabe que las comedia inteligentes no abundan, ni tampoco se valoran con suficiente esmero en comparación con otros géneros. Por eso, denle una oportunidad a una de las mejores películas del año, que no solo se contenta con hacer reír, sino que entre sus hilarantes diálogos se sirve para ridiculizar algunos de los aspectos más estúpidos de nuestra sociedad.

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La Otra forma (2022) se trata de una producción colombiana de animación dirigida y escrita por Diego Felipe Guzmán que se estrenó en el Festival de Sitges de 2022 y que ganó el premio al mejor filme de animación, además de haber recibido numerosas nominaciones en los diversos festivales por donde ha pasado. Actualmente la película puede verse en Movistar +.

Pues a veces pasa, que cómo el chiste aquel, de uno que va en contradirección por la carretera, pensando que la autopista está llena de locos que van en sentido contrario, cuando el loco es en realidad él. Pero sería un ejercicio muy deshonesto afirmar que La Otra forma me ha gustado o mejor dicho, me ha parecido una buena obra. Más bien todo lo contrario. Así que esta crítica será uno de esos ejercicios donde el escritor debe nadar a contracorriente.

Hay una escena mítica en la película Idiocracia, filme distópico donde la imbecilidad ha conquistado el planeta tierra, donde un test de inteligencia se realiza mediante el encaje de piezas, como ese juego infantil en el que un niño tiene que poner las piezas que corresponden mediante su forma (el círculo con el círculo, el triangulo con el triangulo, etc..). Pues bien, el planteamiento de la película es bastante parecido a este juego infantil: La sociedad crea una serie de piezas, nosotros, no encajamos en ella y por ello debemos martirizarnos mediante deformaciones estéticas para poder conseguir ser la pieza perfecta. Es evidente, y no hace falta ser un ilustrado, para entender que la película es una metáfora de nuestra propia sociedad de consumo, obsesionada con unos estándares morales capitalistas que nos obligan a encajar de una manera determinada en la sociedad, y en caso contrario, ser rechazada por esta. Desde la belleza hasta nuestra forma de ser, todo queda reflejado en esta parábola. 

Esto estaría bien como cortometraje, pero lo cierto es que la hora y media de duración de la película pivota exclusivamente sobre esta idea (y no sale de ahí). Y que quieren que les diga, lo cierto es que acabé sonrojado ante la misma repetición excesiva de la única y exclusiva idea con la que juega la película.

La película podría haberse sustentado por lo menos en una animación correcta, pero lo cierto es que personalmente la veo floja y poco trabajada. Obsesionado por una estética feísta, la película recurre a elementos repetitivos para poder construir su propia animación (cansados acabamos de tantos posters que emulan a Corea del Norte; paradójico que en una sociedad ultracapitalista se emule la propaganda de dicha sociedad). Sí, La Otra forma causa rechazo en el espectador y seguramente ese sea el objetivo principal con su animación. ¿La convierte per se en una buena película? ¿Cuál es el logro estético del filme? Sus ideas suenan a vistas, desde esas deformaciones de personajes que pululan como una galería de freaks (cuya imaginación es poco variada) hasta la "nueva sociedad prometida" que aparece como el gran destino utópico al que llevan una vez han cumplido el martirio.

Conclusión

La otra forma es una película que causará cierta polémica. Quizá no fue el momento ideal para que la viera, pero a un servidor le ha parecido mediocre. Lo mejor, es que si el espectador es valiente (y espere una película atípica) la vea por si mismo y saque sus propias conclusiones.

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