*Las dos caras de la moneda

Patria comienza con la noticia del alto al fuego de ETA en 2011. Es entonces cuando Bittori (Elena Irureta) visita la tumba de su marido, Txato (José Ramón Soroiz), asesinado por la banda terrorista. La viuda promete a su difunto esposo volver a su pueblo para buscar respuestas sobre su muerte. Años antes, Bittori había abandonado la población rural para alejarse de la influencia abertzale que imperaba en la zona.

Cuando Bittori vuelve al pueblo, todos los vecinos se alteran con su presencia. La familia de Miren (Ane Gabarain) y Joxian (Mikel Laskurain), antiguos amigos de la familia, serán los que intenten evitar a la viuda a toda costa. La razón es sencilla, su hijo Joxe Mari (Jon Olivares) fue un participante de la banda terrorista.

Patria aborda las dos caras de la lucha etarra: el de los verdugos y el de las víctimas. Contar las diferentes perspectivas de un hecho histórico hace más real el relato. Por eso, Patria es una serie tan enriquecedora para la sociedad española actual. Sin duda, Aitor Gabilondo ha bordado la adaptación de la novela en la pequeña pantalla.

*Un puñado de emociones

Desde el primer minuto de serie, Patria se encarga de emocionar al espectador. El espectador debe estar dispuesto a convivir con diferentes y variados sentimientos durante los ocho capítulos. Tristeza, rabia, impotencia, compasión, felicidad, miedo, soledad… son algunas de las emociones que se agarran al pecho a medida que las escenas pasan.

Sin duda, lo que queda es la empatía. Tanto Aramburu como Gabilondo consiguen que el lector y el espectador se pongan en la piel de Bittori y, a la vez, de Miren. Dos mujeres que viven la existencia de ETA desde un lado y desde otro. Sentirse como lo hace una víctima y, a la vez, como un familiar de un verdugo es una tarea muy complicada, pero lograda con matrícula de honor. Eso es lo que hace tan especial a Patria.

*Técnicamente excelsa

El sobresaliente no es solo para la narración. El casting es inmejorable: Elena Irureta y Ane Gabarain sobresalen especialmente, pero el resto del reparto no se queda atrás. Además, puede parecer una tontería, pero que el elenco sea vasco y suelten ciertas muletillas y expresiones hace más verídico el contexto.

El juego con los planos es maravilloso: desde los generales a los detalles que enmarcan perfectamente el contexto. Técnicamente, Patria es una maravilla audiovisual. Junto a la luz y los colores, la ejecución de cada escena es majestuosa. Por no mencionar el maquillaje y el vestuario, que hacen que viajar en el tiempo no sea una utopía y el espectador siga los flashbacks con toda atención.

Conclusiones

Patria es una lección de historia, ética, filosofía y comunicación audiovisual sobresaliente. No sería arriesgado ni atrevido decir que es la serie española del año, porque con certeza ha superado todas las expectativas desde su estreno en el Festival de San Sebastián. Majestuosa de principio a fin, sorprendente en cada plano y en cada frase del guion, Patria es, sin duda, una maravilla audiovisual.

Lucia Blazquez

*Vuela lejos, Aster…

Si algo se había ganado el director Ari Aster con sus dos propuestas cinematográficas que mezclan terror y surrealismo es la libertad creativa que exhibe en Beau tiene miedo. La realidad es que hay más o menos una hora recortada de la película, pero eso no quita que las tres horas de metraje sean más que excesivas.

En esta propuesta de A24, Aster usa su libertad absoluta en toda su expresión, pero sin lograr conectar con toda su audiencia. Puede que ni siquiera sea su objetivo, pero es cierto que entrar en Beau tiene miedo es un reto difícil. Ni mucho menos es una propuesta para todos los públicos, pero quizá sea excesiva hasta para su audiencia.

Algo diferente que aporta el director, de la misma manera que le ocurrió el pasado año al director Jordan Peele con Nope, falla en su ejecución. Ninguna de las dos propuestas responden positivamente a los más allegados a su cine.

*¿La cumbre del surrealismo?

Tenemos muchos ejemplos de cine surrealista, mezclado con ese terror que azotaba Midsommar. El director David Lynch abandera esas propuestas, con películas como Mulholland Drive, pero no pude evitar comparar el Beau tiene miedo de Aster, con el Inland Empire de Lynch. Una de las propuestas menos aplaudidas del conocido director surrealista se asemeja en ciertos aspectos a esta película.

La realidad de Beau tiene miedo es similar. Una obra del director que no llega a impresionar como si lo hicieron las dos anteriores. Quizá la más difícil para conectar a los espectadores, pero tampoco logra conectar con ese público amante del surrealismo.

Y no será por el ímpetu que pone el actor Joaquin Phoenix. Lo mejor de la película de largo. A destacar también los papeles de las actrices más secundarias, como Amy Ryan y Patti LuPone. Están magníficas dentro de este pequeño universo onírico de Aster.

*Dentro y fuera de Beau

Beau tiene miedo es un viaje prácticamente por la mente de nuestro personaje. El tema del trauma familiar, una vez más en Aster, es de lo poco que se sobreentiende en la propuesta. Todo lo demás gira en torno a cómo afronta el personaje de Phoenix el viaje hacia el reencuentro con su madre, y sus reacciones respecto a esto.

Vamos conociendo más sobre nuestro personaje a lo largo de las tres horas. Vamos hilando la película a fuego muy lento, pero en ningún momento llegamos a empatizar ni un ápice. Y así es muy complicado aguantar en una silla de cine sin preguntarnos por la hora.

El tercer film de Aster se queda muy atrás de la filmografía del director, incluyendo a su cortometraje All about the Johnsons, que recomiendo mucho más que esta propuesta. Le damos la vuelta a la frase. Beau tiene miedo es solo para algunos.

*Conclusiones

Película difícil de digerir. Una de las propuestas más destacadas de esta edición del BCN Film Fest 2023, que no ha encarrilado, ni mucho menos enamorado, a la sala que la proyectaba. Tres horas para amantes del surrealismo y del cine de terror con toques de comedia. Pero esto es café para muy pocos cafeteros.

Escrito por Sergio Hernández Valiente

*Un habitual de Cannes

Desde que presentara en 1996 Nubes pasajeras, Aki Kaurismäki se ha convertido en un nombre habitual del Festival de Cannes. El director finlandés ha ido exhibiendo desde ese momento en el certamen la mayoría de sus películas que han sucedido a esta, incluyendo proyectos conjuntos con otros realizadores. Aunque su último largometraje hasta la fecha, El otro lado de la esperanza, fue parte del Festival de Berlín, eran muchas las voces que vaticinaban que su nuevo trabajo iba a ser parte de la Selección Oficial de Cannes de este año. Y así ha sido. Tras un hiato de seis años, Kaurismäki ha vuelto al cine con Fallen Leaves y lo ha hecho en la Croisette.

*Un estilo genuino e innegociable

El cine, como todo, ha cambiado bastante durante estos seis años. Pero Aki Kaurismäki no. Sus personajes de semblante gélido, de diálogos breves y de sentencias tajantes continúan presentes. Sus planos estáticos, también, al igual que las elipsis y los fuera de campo. Persisten los ambientes de clase trabajadora y los amores puros de sus protagonistas. Por ello, casi desde el primer segundo hay una sensación de agradable familiaridad en Fallen Leaves.

La historia de amor entre Ansa (Alma Pöysti) y Holappa (Jussi Vatanen) rápidamente nos lleva a la de otros personajes del universo Kaurismäki, como la de los protagonistas de Ariel por la instantaneidad de su enamoramiento o la del matrimonio de Nubes pasajeras por su estoicismo para salir adelante ante las adversidades. La visión y el estilo de Kaurismäki son innegociables. Y aunque el simple hecho de seguir siendo fiel a sí mismo no convierte automáticamente a Fallen Leaves en una excelente película, sí que reafirma una vez más a su director como un verdadero autor.

*Ejecución impecable

Lo que hace grande a una película pequeña en su coraza como esta es que Aki Kaurismäki, una vez más, muestra que su entendimiento del lenguaje cinematográfico es impecable, al igual que la precisión de sus guiones. No sería exagerado, incluso, decir que con los años ha pulido aún más si cabe sus virtudes. Comprende como nadie la conveniencia de una elipsis para trasladarnos de un momento a otro en una relación amorosa o el uso de la música diegética como forma de expresión de la situación vital de sus protagonistas. Kaurismäki se vale de sus armas y no necesita más de 90 minutos para contarnos la historia de amor más tierna y pura del año.

Al finlandés no le hacen falta grandes diálogos ni actuaciones estridentes. Con un primer plano que lo dice todo simplemente por ser un primer plano, le basta. Nos pasamos el tiempo buscando y rebuscando y a veces da la sensación de que el cine, como la vida, es una cosa menos complicada de lo que imaginamos. Quizás al final, las cosas son mucho más sencillas de lo que pensamos. Y pocos directores dominan tan bien lo sencillo (que no lo simple) como Aki Kaurismäki. Su nueva película es una muestra de resistencia de un personalísimo estilo. Y en tiempos como los que vivimos, se siente como un regalo.

*Conclusión

Fallen Leaves, el regreso de Aki Kaurismäki, es una tierna historia de amor marca de la casa. Todas las virtudes del trabajo del finlandés están presentes en esta divertida, entrañable y certera película, una de las grandes obras presentadas en el Festival de Cannes de 2023 y la enésima confirmación de su director como un cineasta espléndido.

Escrito por Juan Galarza López

*Little Lady Birds

Tras el pelotazo que supuso Lady Bird (2017), el anuncio de que Mujercitas sería el siguiente proyecto como directora de Greta Gerwig resultó un tanto decepcionante. Un trabajo de encargo a partir de una novela muy conocida y adaptada al cine y la televisión múltiples veces no resultaba demasiado excitante a priori. Pero no contábamos con la pasión que sentía Gerwig hacia la historia y su autora, Louisa May Alcott, y que se puede apreciar en cada entrevista que concede. Tampoco reparamos en el gran parecido que hay entre Lady Bird y Mujercitas: ambas giran en torno al crecimiento y aprendizaje de dos chicas con una ambición que no cabe en el entorno en el que se han criado. Y que Saoirse Ronan encarne a la heroína de ambos films no hace más que fortalecer ese hermoso vínculo que las une pese al siglo y medio que las separa.

*Un giro moderno

La principal novedad que presenta esta versión de Mujercitas respecto a las adaptaciones precedentes es su estructura: en vez de ser lineal, alterna entre dos líneas temporales, el pasado y el presente. La elección no resulta caprichosa, pues enriquece y da lustre a uno de los temas del libro en los que Gerwig se quiere centrar: el paso del tiempo. Los paralelismos que se establecen entre un pasado cálido, jovial e ingenuo y un presente austero, lúgubre y melancólico conforman una nueva aproximación al crecimiento de las hermanas March que se siente fresca y audaz.

Gerwig ha hecho una adaptación fidedigna a la narración original pero con un toque moderno, alejado del encorsetamiento de este tipo de producciones, y que enfatiza temas que hoy en día siguen en boga como la independencia económica de la mujer o el papel que la sociedad le tiene reservado a esta.

*Complicidad coral

La película está tan bellamente escrita como filmada, orquestada e interpretada. Lo único que se le podría reprochar a Gerwig en cuanto a la elección de su reparto es haber ido sobre seguro y elegir intérpretes bastante más mayores de los personajes que encarnan. Pero cualquier reproche se disipa cuando se comprueba lo bien que están todos y, sobre todo, la deliciosa complicidad que se forja desde que aparecen por primera vez las hermanas hablando todas a la vez; cuando la película termina, no dudaríamos en quedarnos a vivir con esa familia.

Saoirse Ronan y Timothée Chalamet son unos Jo y Laurie perfectos, Laura Dern es la matriarca y vecina soñada, Meryl Streep está estupenda como la antipática tía March, y es un placer reencontrarse con Chris Cooper en plena forma. Por su parte, Eliza Scanlen es el corazón de la película y la presencia de Emma Watson es agradable pese a que no destaque tanto como el resto. Pero ante todo, es Florence Pugh la que realiza la interpretación más memorable del elenco dando vida a Amy, el personaje más despreciado del relato desde siempre. Pugh y Gerwig se ponen del lado de Amy para que entendamos su postura, otorgándole una humanidad que permite que Pugh se coma cada escena en la que aparece.

*Conclusiones

Mujercitas viene a confirmar que Greta Gerwig, la directora, ha venido para quedarse y que podemos seguir esperando grandes cosas de ella. La película recurre al metalenguaje para rendir tributo tanto a la novela como a la propia Louisa May Alcott, a la que hace partícipe del relato. En su emocionante e ingenioso desenlace, el film se alza no solo como un homenaje a las mujeres precursoras y a su libertad de elección, sino también al arte de contar historias, entendiéndolo como bálsamo de una realidad mundana y una inquebrantable forma de mantener unidas a las personas a través del tiempo y del espacio.

Escrito por Jorge Blanch

*Muy adictiva

Mare of Easttown es de esas series que consiguen mantener al espectador en vilo, desde el primer hasta el último capítulo. Se las apaña para situar y presentar a los distintos personajes de la trama al espectador, de una forma rápida pero sin caer en algo apresurado. Es una miniserie que está realmente bien construida narrativamente y eso es algo que se nota nada más comenzar a verla. Pese a no ser un gran amante del género policiaco y de crimen, he de decir que esta serie ha conseguido mantenerme pegado a la pantalla como ninguna otra serie en lo que va de año. A diferencia de otros intentos fallidos que ha tenido HBO en esta temporada como fue el caso de “The Undoing”, aquí los giros de guion tienen cierto sentido y lógica.

Hablaba antes que encontraba a Mare of Easttown como una serie con mayores aspiraciones, que la de ser otra ficción más del género. En ese sentido y salvando las distancias porque tampoco entra como tal en dicho género, me recuerda a otras producciones como “Big Little Lies”. Me recuerda a esta serie en concreto no por la trama en sí, sino por los temas que intenta abordar a lo largo de sus capítulos.

*No nos merecemos a Kate Winslet

Kate Winslet vuelve a ofrecernos una grandiosa interpretación (para variar), superando las altas expectativas que uno tiene al principio. No necesita impregnar a sus personajes de un melodrama desmedido o tirar de una expresividad actoral forzada y superficial. Desde la sutileza y la gran inteligencia que demuestra constantemente a la hora de abordar a sus personajes, Kate Winslet consigue en Mare of Easttown ser tremendamente expresiva de una forma austera; es decir, el hecho de que a veces en el mundo de la interpretación, menos es más. El personaje de la policía Mare Sheehan, se ve dotada de un trasfondo y complejidad narrativa maravillosa; es sin duda, uno de esos personajes que cualquier actor moriría por dar vida en algún momento de su carrera.

Hay una dualidad en el personaje de Kate Winslet, que me resulta totalmente hipnótica y fascinante de ver como espectador. Por un lado demuestra ser una mujer fuerte e independiente, pero por otro lado tampoco tiene reparos en mostrar su lado más vulnerable. Puede sonar evidente y quizás lo es, pero pocas veces en la ficción se llega a indagar en el mundo interior de un personaje femenino de mediana edad. Parece que el retrato y representación que se hace de ciertos arquetipos de mujeres, tienen que estar dotados de una resiliencia ante todo. Esta serie se atreve a visibilizar que es totalmente normal sentirse a veces pérdida y frágil como persona; en ese sentido, no tengo nada que objetar de cómo está construido el personaje principal y el resto de protagonistas.

*Visibilizar la salud mental

El aspecto que considero más fascinante de Mare of Easttown, tiene que ver con el retrato y visibilización que hace de la salud mental y de la violencia doméstica. A partir del pasado del personaje de Kate Winslet y de sus respectivos vínculos familiares, podemos ver un retrato muy honesto y desgarrador sobre temas tabúes como el suicidio. El hecho de que esta serie se haya atrevido a tocar temas tan delicados en lo referido a la salud mental, me parece que es algo digno de aplaudir. La relación de Mare Sheehan y su hijo es algo vital, que es clave para entender el desarrollo del personaje del nieto de Mare.

El trato de la salud mental y el retrato que hace de la familia disfuncional de la protagonista, me parece que está muy bien llevado a lo largo de toda la trama. Hay muchas preguntas abiertas en ese sentido, acerca del papel que desempeña cada uno en este entorno familiar. ¿Qué es ser una buena madre? ¿Cómo puedo evitar cometer los mismos errores del pasado? Son algunas de las preguntas a las que tendrá que hacer frente el personaje de Kate Winslet. No obstante, estos dilemas también acabaran por plantearse de distinta manera, en el resto de personajes de la serie.

*Conclusión

Mare of Easttown es una de las grandes propuestas por parte de HBO para este año. Una miniserie tremendamente adictiva, con una construcción narrativa de la trama y de sus personajes impecable. Kate Winslet hace una interpretación excepcional en el papel de Mare Sheehan, demostrándonos una vez más que es una de las mejores actrices de su generación. También es interesante el trato y la conversación que abre esta miniserie, acerca de la salud mental y la violencia doméstica. Sin duda una de las mejores series de lo que va de año y que dará mucho de qué hablar, a medida que se vayan estrenando los siete capítulos con los que cuenta.

Escrito por Daniel Jimenez