Desde Uruguay nos llega una cinta de terror con la propuesta de añadir algo de innovación dentro del género. Este año en el festival de Sitges han proyectado dos películas que su particularidad es el estar rodadas prácticamente en un solo plano secuencia, al igual que la película El arca rusa, en el año 2002. La casa muda es una de ellas, con la pequeña pretensión de ser la primera película de terror rodada en plano secuencia. Desconozco si es la primera, lo que importa es lo arriesgado de la apuesta, en este caso se puede decir que la idea es atractiva, pero el resultado final no. De ahí no hay que quitar el mérito al difícil trabajo realizado, la película está muy bien pensada y trabajada, pero a pasar de su corta duración, se hace larga y aburrida. Aunque lo peor de todo, es ver como un buen inicio se va desmoronando a mitad de película con una trama ya no solo previsible, si no, llena de un sin sentido aburrido.


La película está basada en hechos reales, con la planificación que requiere el plano secuencia y la ambientación, consiguen crear la sensación de realismo, la actuación de Florencia Colucci también está muy lograda. Pero todo se deshace cuando pasada media película estás con la sensación de repetición y pensando que la situación hace rato que se tornó absurda. Muchos de los planos que nos presentan están muy bien pensados y son efectistas. Se juega muy bien durante toda la película con el fuera de plano, el estilo indirecto de recrear las situaciones de tensión lo han pensado mucho, pero el giro argumental, por así decirlo, junto al desenlace de la historia, hace que las virtudes de la película queden como una anécdota. La sensación tras ver la película es de desengaño, el recuerdo al pasar el tiempo, negativo. La aparente sencillez que desprende la película era un aliciente para una predisposición absoluta de dejarse llevar, pero se consigue un efecto contrario, quizás por intentar llevarla más lejos de sus posibilidades.

Dirigida por el animador surcoreano Yeun Sang-ho en su debut como director de largometrajes, King of Pigs debutó en el Festival Internacional de Cine de Busan, celebrado del 6 al 14 de Octubre donde recibió una buena acogida en la ciudad coreana. En el festival donde he tenido la oportunidad de verla fue en el pasado Festival Internacional de Sitges 2012. La película es descrita como un reflejo inquietante de la sociedad contemporánea, de una violencia explicita, la película intentará desafiar y entretener al público internacional. El tipo de animación, la temática que toca y sobre todo, la forma elegida para abordar estos elementos, están pensados para dicho propósito.

Una propuesta accesible de forma genérica más allá de fronteras, y en lo que puede ser un mayor o menor gusto por la animación. Un factor de rechazo puede darse porque a modo personal, haya quien no le guste ese tipo de animación, a parte de la temática, en ese caso daría igual si la película está realizada con un tipo de animación u otra. Otro factor de promoción para la película es que cuenta para uno de los personajes con la voz de Yang Ik-jun, director, escritor y protagonista de Breathless, no confundir con el título en inglés de la obra maestra de Godard, se trata de una película del 2008 que cosechó mucho éxito. Pero sin duda, el atractivo de la película es la apuesta por un forma feísta, factor importante para crear el sentimiento que se trabaja durante toda la película. Esa forma está diluida por toda la película, en la animación, en los colores, los personajes, los diálogos, los sonidos, la trama... es una película que ya desprende cierto mal estar, pues muestra un contenido bastante duro.

Esta película contiene una fuerte carga de violencia psicológica, a parte de física, y retrata de forma oscura y desesperanzadora una realidad de frustración. El fracaso como elemento primordial que rodea a los personajes, los encargados de mostrar una dura crítica social y política aplicable a diversas culturas. La banda sonora de la película, compuesta por el también debutante en su campo, Been Eom, está compuesta de forma que acompasa el leit motiv de la película. Lo que parece una fuerte apuesta de nuevos talentos que emergen, merece la oportunidad del visionado con el beneficio de la duda y sin ningún tipo de complejos, la película sorprende por si sola, es un mordisco directo a la yugular imposible de dejar a nadie en la indiferencia.

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El primer día del festival Sitges 2010 ya dieron comienzo las primeras sesiones nocturnas. En la primera maratón de bienvenida, como no, en el cine El Retiro, para mí el más autentico aunque menos glamuroso del festival, se proyectaron cuatro películas: Captif, The Possession of David O'Reilly, Blood River y la que pasamos a comentar, una locura llamada Pig. Fue la última película de la maratón y se puede decir, que la más sorprendente. La impresión que puede dar está película es negativa, alguien que la vea sin saber nada sobre ella la causará repulsión y es posible que bajo un prejuicio justificado, piense que el director sea alguien sin mucho conocimiento del medio, que intenta abrirse paso llamando la atención de una forma desesperada. Pues aunque tampoco sea un dato importante y una cosa no tenga nada que ver con la otra, el realizador de esta película, Adam Mason, es licenciado en la escuela internacional de cine de Londres, lleva más de 12 años trabajando, dispone de 9 películas como director, auto-produciéndose y escribiendo guiones. En un principio no tendría la necesidad de llamar la atención con una película de este estilo, aunque lo que si conseguirá, de forma irremediable, es que para bien o para mal, se hable de él.

Su trayectoria como cineasta no fue un camino de rosas, Adam Mason comentó en entrevistas durante el festival como ha sufrido muchos desengaños en la industria del cine. Tras acumular diversas frustraciones, odio y rabia, él mismo describe su película como una especie de venganza particular o desahogo, para ello utilizó las siguientes palabras:

“es una película
repugnante, construida a base de
puro desprecio"

Lo más inverosímil de todo es que la película dispone de un buen resultado final, está trabajada y te hace dudar si en algunos momentos lo que ocurre es premeditado o pura improvisación. Gran parte de ello se debe a la fantástica actuación de su actor fetiche Andrew Howard. La particularidad del film es estar rodado en un solo plano secuencia, solo al final apreciaremos un pequeño montaje para poder explicar un desenlace, que otorga algo de sentido a la película. Las cosas no son lo que parecen y está película es un ejemplo de ello. Bien pensada y con algunos planos buscados con ingenio, tenemos un desarrollo de la acción trepidante en el que nunca deja de pasar algo. La película es repetitiva, pero consigue tenerte a la expectativa, parte de ello hay que darla a una magnifica banda sonora, rítmica e hipnótica. Esta película opta por ser una candidata del festival como película más extrema dentro de la sección MIDNIGHT X-TREME. Aunque tiene seria competencia, no deja de ser una arriesgada apuesta para quien sienta un morbo especial por este tipo de experimentos audiovisuales.

Producción de Toei, una de las principales productoras de anime en Japón, basada en los cómics de Marvel The tomb of Dracula, publicados desde Abril de 1972 hasta Agosto de 1979. La película fue animada en Japón para una posterior emisión televisiva en Estados Unidos por Harmnoy Gold bajo el título Dracula: Sovereign of the Damned, fue editada en DVD como The Tomb of Dracula: Sovereign of the Damned. En España la película fue emitida a principios de los 80 en el programa de TVE Mazapán, presentado por Teresa Rabal, bajo la distribución de ITB Italian TV Broadcasting se editó en VHS titulada solo como Drácula, con un doblaje espantoso.

Está película estaba almacenada en lo más profundo de mis recuerdos, durante mi niñez la vi bastantes veces, recuerdo disfrutar siempre que la veía como si fuera la primera vez. Ahora es cierto que la película se percibe algo distinta, pero guarda todo su encanto, aunque insisto en lo pésimo, vergonzoso e insultante que resulta el doblaje en castellano. La película arranca con una voz en off que nos narra e introduce en la ambientación, el doblaje al castellano es una voz insulsa, sin espíritu ni emoción, durante la película empeora, no solo las voces son malas, la traducción también es de vergüenza ajena, un mal trabajo que rebaja el valor de la película. Dejando de lado el mal hacer del doblaje al castellano, la película dispone de un argumento delirante, la narrativa no es muy fluida, pero dispone de cierto encanto. La animación puede que ahora esté muy desfasada, pero eso no debería ser para nada algo negativo, cada cosa se debe a su tiempo y se debe valorar sin entrar en comparativas.

El diseño de personajes está muy logrado, inspirado en la colección de cómics y compilando todos los clichés posibles, se consigue un carisma especial en todos ellos. Se destaca de forma particular el clasicismo en el diseño del personaje de Drácula, tanto por su vestuario como por respetar el homenaje que rindió el dibujante Gene Colan, otorgando al personaje de Drácula en la colección The tomb of Dracula la apariencia del actor Jack Palance. Otro punto fuerte reside en la banda sonora, al no encontrar trailer dejo un fragmento con los diez primeros minutos. La banda sonora está compuesta por Seiji Yokoyama, compositor Japonés mayormente conocido por la banda sonora de El capitán Harlock y casi por la totalidad de la banda sonora de la mítica serie Saint Seiya (Los caballeros del zodiaco). La banda sonora en conjunto con el diseño, tanto de personajes como de localizaciones, consigue recrear una ambientación oscura y tenebrosa, una interesante mezcla de película de terror Italiana y las clásicas producciones de la Hammer. Yami no Teisou: Kyuuketsuki Dracula es una interesante y curiosa adaptación del legendario e inmortal personaje fantástico que quizás, más haya transcendido con el paso del tiempo.

En la actualidad Carne de neón es el segundo largometraje de Paco Cabezas tras su incursión con Aparecidos. Pero años atrás fue su segundo cortometraje, después de escribir y dirigir junto con Jerónimo de los Santos un peculiar y tosco mediometraje títulado Invasión Travesti. El cortometraje Carne de neón está escrito y dirigido por Paco Cabezas, en un principio para ser un largometraje, aunque en su momento no pudo ser y tuvo que esperar cinco años para poder llegar ha realizar tal proyecto.
El cortometraje cuenta con un buen reparto, empezando por el protagonista Óscar Jaenada, encaja a la perfección en el papel de Ricky. En el papel de su madre vemos de forma leve a Victoria Abril, otros personajes que interpretan Vicente Romero, Dámaso Conde como travesti, son espectaculares y graciosos. También participa la propagada Macarena Gómez entre otros, que forman un elenco variopinto de personajes dentro de un contexto sórdido, pero en clave de humor. La estética está muy cercana a la del director Guy Ritchie, que personalmente detesto y para mí es la lacra del cortometraje, aunque ese aire tan Ibérico y canalla que empapa Carne de neón le permite sostenerse.
Con un presupuesto entre los 10.000 y 30.000 euros el resultado es muy notable, divertido de ver y escuchar, una interesante producción que cosechó varios premios y sirvió de trampolín a Paco Cabezas.