Una vez más me veo atraído por la filmografía de Julien Leclerq, cual mosca a la lámpara eléctrica. Este director, pese a sus fallos y flaquezas, ha desarrollado una variante del genero neo noire por la que tengo debilidad. La ley de oferta y demanda vuelve a entrar en vigor, en términos generales ya se lo que me espera ¿pero podrá Leclerq superar la expectativa esta vez?
En esta ocasión toca analizar Atracadores: La serie, secuela espiritual (o quizá nominal sea un adjetivo más correcto) de la película homónima dirigida y escrita por el director en 2015. La trama de esta producción sigue los pasos de Mehdi, un atracador de alto vuelo que organiza importantes golpes junto a su equipo de elite. Después de años llevando a cabo asaltos exitosos sus compañeros están sentando cabeza y todo indica que el grupo va a disgregarse. Pero es entonces que un narcotraficante secuestra a la sobrina de Mehdi y le obliga a llevar a cabo una serie de peligrosos golpes.
Además del nombre, Atracadores: La serie y Atracadores: La película no tienen mucho en común. Aparte del actor protagonista, Sami Bouajila, todo el reparto es nuevo y, pese a las similitudes de la trama, estas producciones no comparten personajes. Donde se pueden hallar mas similitudes es en el tono del guión; la película y la serie retratan un mundo despiadado, donde las promesas son frágiles y la confianza puede salir caro.
En efecto, el aspecto más notable de esta producción, muy común las películas del director, es el carácter humano de la trama. Desconfianza, impulsividad y arrogancia son los principales motivadores de los protagonistas, que se tranzan en un juego de ajedrez destructivo del que nadie saldrá indemne. El guión se apoya fuertemente en la ironía trágica, desde la posición privilegiada de espectadores podemos apreciar como los personajes se sabotean entre sí, aveces intencionalmente, otras por accidente. Esta forma de presentar la narrativa facilita la conexión con los personajes.
Conceptualmente la trama es muy buena, la ejecución es donde comienzan los problemas. La trama tarda en despegar, durante los primeros capítulos los acontecimientos se encadenan de forma artificial y forzada. Solo es hacia el final de la serie que las motivaciones de cada personaje terminan de madurar y el conflicto central cobra forma y sentido.
Naturalmente las constricciones de tiempo y presupuesto propias de las producciones seriales se hacen notar, sobre todo en las escenas de acción. La mayoría de estas hacen gala de unos efectos especiales y coreografía bastante simples. El estilo de filmación de adoptado es claustrofóbico, se favorecen los planos cerrados y la edición abundante por sobre las tomas amplias de la película de 2015, que permitían apreciar más claramente el curso de la acción.
En conclusión, Atracadores es una serie bastante entretenida y con una trama conceptualmente interesante. La recomiendo para los que estén interesados en el tono y la temática propuestas y estén dispuestos a superar los capítulos iniciales.

Expansivas es un thriller policial de Ramiro García Bogliano. La trama de esta producción demuestra ambición y su planteo inicial promete mucho, sobre todo en comparación con el tono más modesto que suelen adoptar producciones argentinas independientes de los últimos años ¿Estará a la altura de las circunstancias?
La trama de esta película sigue la historia de Flavia y Ana, dos hermanas que se reencuentran después de cinco años para hacerse cargo de los restos de su madre, que debe ser exhumada. El hallazgo de una prueba esencial en la antigua casa de las hermanas las pondrá tras la pista del asesino de su madre, que nunca fue identificado. Ana había decidido distanciarse de los hechos tiempo atrás, Flavia nunca fue capaz de olvidar y la rabia la carcome por dentro; juntas se embarcarán en una búsqueda de venganza a través de la cual conciliarán sus diferencias y reconectarán después de tanto tiempo separadas.
Desgraciadamente esta producción está plagada de problemas que impiden que la prometedora idea inicial se desarrolle. Durante el primer acto la trama avanza a buen ritmo, pese a algunas leves inconsistencias los personajes y la historia son introducidos satisfactoriamente. Los problemas empiezan en el segundo acto, después de que Flavia descubre la prueba que pone en movimiento la investigación. A partir de este momento los acontecimientos se precipitan de tal manera que da la impresión de que escenas fueron eliminadas. Los guionistas pasan por alto el desarrollo las relaciones entre los personajes y sus motivaciones individuales, saltando directamente a una seguidilla de escenas de suspenso aburridas e inconexas.
Lo peor llega en el tercer acto, en el que se introduce una trama paralela completamente nueva, apurada y mal construida. En mi opinión este tercer acto no solo le resta coherencia al guión sino que también destruye el potencial simbólico de la historia, degradándola de drama familiar a thriller efectista con gusto a serie B.
El apartado técnico sufre todos los defectos propios de las producciones independientes cortas de presupuesto. Con la excepción de un par de escenas bien construidas, la filmografía peca de estática y en muchas ocasiones hay tal falta de luz que es difícil distinguir las imágenes en pantalla. Por otro lado las actuaciones son muy malas, no hay una sola interpretación que se salve y desgraciadamente las protagonistas están entre las peores. Sara Hebe (Flavia) tiene la excusa de ser cantante y no actriz, de Martina Juncadella (Ana) no se puede decir lo mismo. El aspecto más positivo del apartado técnico es la banda sonora, que cuenta con varias canciones originales muy buenas.
En conclusión, Expansivas tiene un buen comienzo pero no es capaz de desarrollar su trama satisfactoriamente. Si la critico tan duramente es porque me parecía una película muy prometedora y, pese a no poder recomendarla, estoy ansioso por ver lo que depara el futuro para este director y los guionistas.

Viy, espíritu del mal, es una adaptación del cuento homónimo de Nikolai Gógol dirigida por Georgi Kropachyov y Konstantin Yershov en 1967.
La trama de esta película sigue los pasos de Jomá Brut, un joven seminarista que se ve obligado a pasar tres noches rezando por el alma de una joven fallecida. Claro que la historia no es tan simple, dado que el seminarista fue el que había herido fatalmente a la joven días antes luego de que esta intentase embrujarlo. Entonces la "fallecida" intentará vengarse del protagonista a lo largo de las tres noches que, según la tradición ortodoxa, son parte necesaria de los últimos ritos.
Pese a haber sido promocionada como "la única película de terror filmada en la Unión Soviética", el tono de esta producción se inclina bastante fuertemente en favor de la comedia. El humor de la película no proviene de chistes en el guión sino de la representación de las costumbres de la Ucrania rural del siglo XIX, que conforma gran parte de la trama. Estos aspectos son tomados directamente del cuento de Gógol, conocido por el carácter social de su obra.
Incluso los momentos de terror, en los que el protagonista se ve obligado a pasar noches enteras en la capilla atrapado con la bruja vengativa, están grabados con un estilo bastante cómico que me recuerda a las mejores partes de Evil Dead 1 y 2. El parecido no se limita a lo similar de las premisas de estas películas, los efectos especiales empleados en esta producción también recuerdan a los de las producciones de San Remi: imaginativos, muy artesanales y dueños de una cualidad caricaturesca que no despierta tanto terror como ternura.
Además de los efectos especiales, notables para la época, se nota mucho cariño puesto en los decorados como el de la capilla donde transcurre la mayor parte de la acción. Otro aspecto a alabar es el hábil manejo de la cámara, que dota de dinamismo único a las escenas más tensas de la película.
En conclusión, Viy, espíritu del mal es un interesante fragmento de la historia del cine soviético. La recomiendo para todo el que esté interesado en el cine de esta región y periodo histórico, así como para los que disfruten del cine de terror o serie B y tengan ganas de ver algo un poco distinto.

El Pibe Cabeza es una película del célebre Leopoldo Torre Nilsson. La década del 70 fue un punto de quiebre en la historia del cine, jóvenes directores de todo el mundo entraron en la industria con ansias de experimentar y cambiaron para siempre la forma de hacer películas. Esta revolución llegó a Argentina con un poco de retraso, de la mano de directores como Héctor Olivera o Adolfo Aristarain. Por lo demás, durante los años 70 el cine nacional se vio compuesto por películas producidas y escritas a la vieja usanza.
La producción que hoy nos compete no es excepción. Esta cuenta la vida y obra de uno de los criminales más infames de la Argentina de los años 30. Rogelio Gordillo, alias El Pibe Cabeza, fue un despiadado asaltante que, con ayuda de su banda de delincuentes, campó a sus anchas por las provincias de La Pampa, Buenos Aires y Córdoba. El relato detallado de la vida de este individuo escapa al alcance de esta reseña, lo único que mencionare al respecto es que el guión de la película cuenta una versión muy idealizada de la realidad.
La trama, muy inspirada en las películas clásicas de gangsters, cuenta los humildes comienzos y posterior ascenso del Pibe Cabeza y su banda de asaltantes. La historia elige centrarse mucho más en las tribulaciones internas del protagonista que en la naturaleza de los crímenes que cometía. Se nota la reticencia de la guionista a la hora de presentar al protagonista como un verdadero delincuente. Impresionan las medidas que se toman para presentar al Pibe como un héroe trágico, así como las decisiones morales que el guión le perdona. Parece que tomar a las mujeres por la fuerza era menos reprobable que el asesinato a sangre fría, eran otros tiempos, era el viejo cine.
La trama se mueve a muy buen ritmo. Hacia la segunda mitad del segundo acto la acción se vuelve un tanto reiterativa, hay múltiples escenas de asaltos y varios monólogos del protagonista que no varían mucho en contenido. Pero estos problemas nunca llegan a ralentizar la película al punto de volverla aburrida.
Desde el punto técnico la película es intachable. Está muy bien ambientada, con vestuario, autos y locaciones que pasan muy bien por las del período recreado. El reparto tampoco se queda atrás, encabezado por el legendario Alfredo Alcón, que encarna muy bien a esta versión del Pibe Cabeza. El resto de los actores se encuentra a la altura de las circunstancias, especialmente los miembros de la banda del Pibe, que logran diferenciarse muy bien uno del otro, tanto visualmente como en personalidad.
En conclusión, El Pibe Cabeza es un clásico del cine argentino; una de las últimas películas de una era que, en este rincón del mundo, se alargó un poco más de la cuenta. Pese a todos los defectos que mencioné la película sigue siendo llevadera, así que la recomiendo para cualquiera que esté dispuesto a abordarla con la cautela necesaria para disfrutar de un clásico un poco anticuado.

La parte del león fue la primera película de Adolfo Aristarain. Con un marcado estilo de policial negro, esta fue la primera de varias películas que ayudaron al cine argentino a renovarse, poniéndose al día con el estilo y los temas que se abordaban en el cine internacional.
La trama sigue los pasos de Bruno, un hombre común que se encuentra una gran suma de dinero proveniente de un robo frustrado. Entonces, el protagonista se embarca en una carrera contra reloj para lavar el dinero y desaparecer antes de que los ladrones sean capaces de localizarlo.
Más allá de una ligera exploración de temas comunes al género tales como el precio de la dignidad, el guión de esta película es bastante simple. El resultado final es una película correcta pero insustancial, que cumple con todos los requisitos del policial negro pero sin mucho más para aportar.
El cast está conformado por algunos de los actores argentinos más cotizados del momento, como Julio De Grazia, Ulises Dumont y Luisina Brando. Por lo tanto, La mayoría de las interpretaciones son correctas. Un par de excepciones son un muy inexperto Julio Chávez, que en su intento de interpretar a un asesino sin remordimientos termina pareciendo un robot, y Luisina Brando, que debe sufrir la injusticia de interpretar el papel de tonta, con un inolvidablemente ridículo monólogo frente a Julio De Grazia.
En conclusión, La parte del león es la correcta opera prima de un director que mejoró notablemente a lo largo de su carrera. La recomiendo para quien esté interesado en la historia del cine argentino contemporáneo, pero me temo que los que estén buscando un policial negro saldrán de ver esta película con sabor a poco.