Recién salido de la sala me pongo a teclear aturdido y gratamente emocionado a la vez por un poso agridulce que me ha dejado esta comedia dramática paródica que se acaba convirtiendo en una oda a las primeras luchadoras anónimas, las cuales, desde el ámbito más privado —al margen de soportar con una abnegación casi heroica el trato machista y violento de sus parejas— empezaron a poner límites y a romper una cadena de malos tratos esclavizantes a partir de su propia voluntad y el apoyo colectivo de otras mujeres anónimas y solidarias.

Ante todo quiero destacar que "Siempre nos quedará mañana" ha sido un gran éxito en Italia incluso por delante del fenómeno Barbenheimer. Nos situamos, pues, en Roma durante la primavera del año 1946, en una familia muy modesta donde Delia comienza el día recibiendo una bofetada de su marido Ivano cuando todavía están en la cama y antes de iniciar una jornada agotadora de trabajo doméstico y pequeños trabajos puntuales. La familia la completan la joven Marcela, sus dos hermanos más pequeños y el padre convaleciente de Ivano. Un panorama desolador que apunta una chispa de esperanza utilitarista con el noviazgo de Marcela con Giulio, un joven con un negocio familiar aparentemente próspero.

Para aclarar un poco el tono que se crea con la película podemos decir que el dramatismo violento incluido en la trama deja espacio para escenas y momentos que apuntan un absurdo irónico, escenas musicales bastante ingeniosas o la nostalgia de una época singular. La actriz, ahora convertida en directora novel, Paola Cortellesi, en un prometedor debut, viste una cinta con una impronta muy personal aunque a veces la cantidad de edulcorante sea algo excesiva para mi gusto. En cualquier caso, pesa mucho más haber conseguido plantear una historia bastante entretenida, con una trama de intriga en paralelo y perfilando un retrato veraz y reivindicativo del empoderamiento feminista anónimo que logró sembrar las primeras semillas necesarias para que el movimiento y la consecución de derechos básicos sea una realidad incipiente en la actualidad.

Una película bien realizada que nos deja para el recuerdo momentos únicos —destaca la panorámica inicial donde en una caminata hasta el mercado se hace un retrato sociológico diverso de situaciones y personajes del barrio, construyendo una obra irónica llena de esperanza dentro de una época oscura a partir de una mujer protagonista llena de luz y vitalidad. (8)

Un grupo de cuatro jóvenes viaja a Berlín para felicitar por sorpresa en su 35º aniversario a Alex y conseguir así un deseado, al tiempo que un poco forzado, reencuentro de viejos amigos de estudios universitarios.
Un inicio aparente de reunión feliz, donde la conversación fluye y las sonrisas abundan, da paso enseguida a una progresiva atmósfera opresiva ubicada entre el thriller y el drama, en una ambiente gris y frío muy propio de la ciudad para desplegar un nudo y un desenlace crudo , directo y sin sutilezas donde los silencios a veces hablan más que los diálogos.
Las interpretaciones nos muestran de forma acertada un malestar interior profundo y escondido a punto de reventar. La distancia y el desarraigo ayudan a que aparezcan aquellas chispas que provocarán el estallido anímico sucesivo de este grupo que se había mantenido "unido" a base de alimentar unas apariencias de "buen rollo juvenil". Un grupo que debe madurar aunque sea a base de sacudidas y desengaños dolorosos.
A pesar de que el papel de Olivia con una Alexandra Jiménez impactante sea la que se reafirme como líder y protagonista, la prometedora directora Elena Trapé acierta en perfilar perfectamente el resto de personajes consiguiendo un conjunto diverso y bien matizado para esbozar un grupo de seres heridos, con las ilusiones generacionales desvencijadas y con la urgente evidencia de que el tiempo se escapa en direcciones muy diferentes y, a veces, opuestas.
Un cine que transmite de forma ejemplar y contundente un universo angustioso y que reduce la esperanza a las cenizas que quedan a unos pocos segundos en forma de mensajes de voz. (8/10)
http://bit.ly/2QelRTL

Salgo de la sala con un sentimiento de admiración y rabia contenida a la vez. Admiración para el tratamiento del tema y el enfoque que se hace en torno a las víctimas de un cura pederasta de Lyon con el encubrimiento incluido de su diócesis. Hechos conocidos que se narran a partir de los testigos principales de cuatro de las víctimas sin caer en ningún momento en un sensacionalismo gratuito y ciñéndose de forma escrupulosa a unos hechos contrastados y con la aprobación de todo el grupo de víctimas con sus familiares apoyándolos. Esta contención a la hora de no buscar la emotividad gratuita podría haberse torcido en contra y quedarse en una especie de docuficción sosa. No es el caso y podemos afirmar que no hay ninguna ornamentación para apelar a una justa emotividad que se acerca a una mezcla de solidaridad e indignación. El único añadido cinematográfico que utiliza F. Ozon son varias retrospectivas de la infancia de los protagonistas junto al pederasta sin entrar en ningún momento en escenas escabrosas.
La rabia contenida es inevitable si se hace una mínima asociación con los numerosos casos que han salido y salen dentro de la institución eclesiástica y especialmente en sus centros educativos concertados con evidencias claras de encubrimiento. La tarea de la administración educativa y de justicia debe ser decidida para compensar a las víctimas, castigar a los culpables y establecer mecanismos de prevención para evitar este tipo de abusos dentro cualquier organismo con trato y atención a la infancia sin olvidar el trabajo de divulgación y empoderamiento que hacen diferentes organizaciones y medios de comunicación. El papel de la misma iglesia, por el bien de la misma institución tal y como plantean claramente algunos de los protagonistas, debería cambiar en dirección a una auténtica asunción del problema con las culpabilidades incluidas y establecer mecanismos de prevención eficientes. Por pedir que no quede ...
No se trata de un "Spotlight" francés aunque estamos ante el mismo asunto. La mirada sincera y clara del director está centrada en este caso en las vivencias de varias víctimas, su camino hasta constituirse en asociación y su proceso íntimo de liberación. Una mirada que no es una crónica periodística sino una búsqueda valiente y decidida dentro de sus amargos silencios para acabar dando valor, ahora más que nunca, a unas palabras de redención auténtica. (8/10)
http://bit.ly/2ZjTbgC

Vaya por delante que la primera "Blade Runner" es una película matrícula de honor. Es normal que con 35 años nadie se haya atrevido a hacer una secuela porque el listón era casi insuperable.
Denis Villenueve (con las destacadas "La llegada" y "Prisoners") supera la prueba con una valentía previa reconocida y con un resultado final cargado de elegancia y marca propia. El reto no era fácil para la sistemática comparativa que de forma inevitable tenía que soportar.

Vayamos por partes. El guión y la trama tienen su parte sorpresiva pero tampoco estamos ante diálogos ingeniosos o complejos. No hay en ningún momento enigmas indescifrables que nos obliguen a estrujar el cerebro. Con personajes que hablan más a través de los silencios y actitudes que con la conversación se muestra todo el entramado sin subterfugios ni engaños. La intención va más encaminada a mostrar ambientaciones densas y opresivas en un futuro distópico al tiempo que, de forma bien sugerida, se nos van presentando aquellas preguntas existenciales en torno a los recuerdos, lo que nos diferencia como humanos de unos androides que están fabricados y no nacidos, la conciencia de finitud o la complejidad de las emociones. Una intención que se consigue con creces y que supera con nota el obstáculo de tener una duración desmedida. Efectivamente, en algún momento parece que se atasca todo, pero siempre nos sale a socorrer una fotografía espléndida en unos entornos enigmáticos y llenos de detalles que, además, se configuran como un universo particular huyendo de una estricta imitación de la primera parte .

De todas formas he echado de menos el atrevimiento y la capacidad de seducción de los personajes secundarios además de la música singular de Vangelis sin desmerecer un Hans Zimmer que, cuando aparece, cumple perfectamente la función de inquietar poderosamente.

Ante la pregunta si es necesario ver la primera parte para aquel que todavía no lo haya hecho la respuesta es un si contundente en el caso de que queramos disfrutar de todos los espejos y homenajes que podremos encontrar en la película que nos ocupa.

Dos horas y cuarenta minutos que merecen pasar por taquilla para dejarnos inundar de un cine meritorio por su espectacularidad, su capacidad de transmitir trascendencia sin agobiar a pesar de que la lucha por superar el original ya estuviera perdida de entrada. (8,5/10)
http://bit.ly/2y6qmbX

Me apetece mencionar en primer lugar la magnífica charla que nos obsequiaron en forma de diálogo espontáneo y fresco el director, Óscar Aibar, y el guionista de lujo, Albert Sánchez Piñol en la sesión del sábado 15 de diciembre al espacio Funàtic de Lleida. Fueron quince minutos de sonrisas y confidencias sin corsés llenos de autenticidad.
La cinta se basa en un cuento breve de Albert y que transcurre en una masia aislado de la comarca del Matarranya (Teruel) entre el estallido y el final de la guerra civil española. Si pensáis que ya habéis visto todas la versiones posibles de esta guerra fratricida os equivocáis. En "el bosque" se muestra una guerra en un lugar donde la épica no es posible ("por no tener no tienen ni caciques"), se aleja del retrato simplista y políticamente correcto mezclándolo todo con elementos fantasiosos que le dan un tono lleno de magia estrafalaria, fresca y, porque no?, divertida. Estamos ante una propuesta atrevida y arriesgada que merece toda nuestra benévola comprensión para dejar de lado errares en el tempo y ensamblaje del guion para lograr apreciar una visión particular y bastante interesante.

También hay que destacar la intencionada y trabajada versión en catalán con acento marcadamente occidental (o "matarranyenc" como decía el director) como un valor añadido poco apreciado incluso dentro del ámbito catalanoparlante. Tal y cómo se afirma en una escena: "no hacemos lo que queremos, hacemos lo que podemos".

Las interpretaciones son bastante dignas con la "curiosidad", comentada en la introducción, de la participación estelar de Tom Sizemore ("Salvar al soldado Ryan" entre otros)

Recomendada para el que quiera entrar en un relato lleno de fantasía juguetona, sin engaños ni caretas fingidas en medio de una época dramática. Por todo esto se merece mucho màs.