Truffaut realizó, con "La noche americana", una de sus mejores películas y no solo eso: su mayor y más indisimulado homenaje al Cine y a los espectadores.
La película es, ni más ni menos, que el rodaje de otra película en la que Truffaut interpreta el personaje del director y en la que su "alter ego" Jean-Pierre Léaud es un inmaduro protagonista acosado por delirios sentimentales y celos no poco justificados.
Es una reflexión equilibrada entre lo liviano y lo serio, entre el humor ligero y la inseguridad de sus personajes (también espectadores), acerca del Cine, del oficio de hacer películas, de inventarse historias, de pelear por hacerlas verosímiles, de buscar la emoción en la gente. Sin ningún afán mitológico ni ético, Truffaut, a cuestas con su cinefilia en las venas, nos regala un presente de lo más agradable. Y nos homenajea a nosotros mismos, a los que hacen el cine posible, a él mismo, al ser humano, en fin, y una vez más, con una secuencia memorable y onírica que tal vez sea la que mejor resume todo ello: el niño-Truffaut (cualquier cinéfilo) soñando que roba por las noches los carteles de un cine dónde se proyecta "Ciudadano Kane".

Una de las más estimulantes y maravillosas películas de aventuras de todos los tiempos, montada en base a la plasmación del encantador, rudo y hermoso universo del pueblo vikingo - enfrentado a los ingleses - y dentro de éste encarando el personaje de Kirk Douglas al de Tony Curtis - hermanastros ambos sin saberlo -, enamorados los dos de Janet Leighen una relación abrasiva y arrebatadora.
En definitiva, lo que hace Fleischer en la que es su verdadera y legítima obra maestra es trascender lo que pudiese ser una genérica película de aventuras en algo así como una tragedia griega, algo en lo que Kirk Douglas tiene muchísimo que ver, ya que no en vano es el productor, y ya lo hizo con el western de manera memorable en "El último atardecer" de Robert Aldrich. Por ello, "Los vikingos" adquiere rango de film excepcional, casi único.
Película de enorme fuerza, literalmente bellísima, con una formidable fotografía de Jack Cardiff y dotada de una arrebatadora escenografía e iconografía que transmiten, además, con singular maestría la esencia de la tan manipulada cultura y vida del pueblo vikingo. Rematada en un final memorable, es, en sí misma, una película inagotable, un círculo perfecto, mucho más que otros círculos-películas de su especie y época que no tienen más que abollones en muchos casos. Para empezar: la gilipollez de los Oscars y sus películas multipremiadas.
Amo esta película. Es vergonzoso que siga olvidada.

Me resulta más que preocupante el hecho de que cuasiunánimemente la Crítica vea y haya visto en "Mi tío" la auténtica obra maestra del genial Tati. Así, obtuvo el Oscar a la mejor película extranjera y demás premios relevantes. Para quien esto escribe, sin embargo, esta película queda, dentro de la corta - por desgracia - obra de su autor, muy alejada, en logros y vigencia, de dos películas como "Día de fiesta" (una obra maestra del humor gentil y costumbrista) ó "Las vacaciones de Mr.Hulot" (con el mismo personaje que en ésta, demuestra Tati mucho más talento, más contenido y acertado).
En "Mi tío" no puede hablarse de argumento tal cual. Solo cabe hablar de una elaboradísima sucesión de "gags" visuales (la palabra apenas cuenta), algunos en verdad graciosos, pero que por regla general resultan excesivamente alargados y artificiosos.
Está claro que Tati bebe de Keaton, Chaplin, Lloyd y demás, y de que guarda un talento enorme. Está claro también que la crítica que se hace, con ese humor jovial, preñado de campechano costumbrismo y delicado sentido de la observación (no deja de ser un minucioso retrato de una ciudad de provincias), de la modernidad y el mundo futuro lleno de aparatos inservibles resulta querible y valiosa, pero, pese a su ironía y buenas intenciones, resulta hoy un film bastante superado, carne de cañón para la crítica, desfasada (o sea, su condición de clásico se tambalearía). Y eso, a pesar de su condición de película bastante única. Con perdón.

Una película absoluta y, más que probablemente, involuntariamente de culto, un caso paradigmático de cómo un film realizado en apenas 6 días, con escasísimos medios y con un reparto bien flojo y casi tan barato como el propio film, logra ser un thriller extrañísimo y casi fascinante, de rara y magnética atmósfera pesadillesca que remite, casi nada, al experimentalismo alemán.
La historia de un pianista (Neal) que decide atravesar el país para encontrarse con su novia y se mete en un embrollo de mil demonios al fallecer el hombre que lo ha recogido en coche y ser reconocido luego por la mujer (Savage) que éste recoge, a su vez, con el coche del finado, que culmina con una memorabe e ingeniosa segunda muerte, que cierra en kafkiano semejante thriller.
Ulmer, auténtico maestro de la serie B y director maldito dónde los haya, desarrolla la historia casi exclusivamente en planos fijos, a bordo del coche, apenas juega con tres o cuatro escenarios y utiliza la elipsis alguna vez de manera muy inteligente. Aún así, logra un thriller que reune las claves del cine negro: el destino, la mujer fatal, la fortuna, etc... y una atmósfera tan rara como simpática y atractiva. A destacar, efectivamente, y como aportación la tremenda pasividad del personaje principal, incapaz de adoptar iniciativa alguna, algo inusual el el thriller americano de su época.
Una película que está muy por encima de calificativos y modas, pues resulta particularmente única e involuntariamente (¿o no?) afortunada.

Hizo Miguel Picazo con "La tía Tula", su primera y mejor película, un clásico para el cine español y un relato/adaptación de la novela homónima del gran Unamuno espléndido, magistral, que enseñaba al cine español nuevos caminos, luego bien poco trabajados.
"La tía Tula" es el retrato psicológico y social de la sociedad española de provincias, con personas como la tía Tula, un cúmulo de contradicciones poderosas e infranqueables: por un lado, una rigidez y rectitud espartanas; por otro lado, un volcán en plena ebullición, zarandeado por el deseo y la transgresión a poder derribar toda la monotonía que la envuelve. Aurora Bautista hace un trabajo memorable del personaje, de esa mujer/madre educadora y de poderosa personalidad, pero sumida en la mediocridad vital más absoluta.
Y la película es un dechado de precisión, de soberbia sobriedad, un trabajo poderoso y seco, una obra contundente y que deja una huella indiscutible.
Un documento sociológico incluso, más allá de su condición de clásico y de obra maestra del cine español. Y siento blasfemar si escribo que me parece incluso un poco mejor la película que la novela del adorado y adorable Unamuno.