Desde hace unos años parece que ya no es posible la Nochevieja como rito de paso si Televisión Española no emite esa noche un programa especial de humor protagonizado por José Mota. Esta vez, este programa especial empieza como la serie de TV "Perdidos" (Lost, 2004-2010), y acaba como...
(sigo abajo, en la zona oscura)

Hay que partir, en primer lugar, de la dificultad que entraña ver cine italiano de ciencia-ficción. Si además añadimos que "La víctima número diez", que éste es el título de esta película en España, es un film de ciencia-ficción atípico para su época, la extrañeza define cualquier comentario que haga el espectador. Los cambios en el tono, de lo serio al tono cómico del final, se unen con la alegoría crítica sobre el mundo de 1965 -en cuanto a la mercantilización de la sociedad, el cinismo y la mentira reinantes, y la legalización de la violencia y el asesinato en un deporte cruel llamado "la Gran Caza", con el que se canalizan los instintos violentos del ser humano, pero que a la vez es un pretexto para explotar un espectáculo morboso-, todo ello servido con una estética coyuntural, la del "op art", que estiliza la sencillez del blanco y negro, presente en el vestuario femenino, por ejemplo en la ropa de la chica de la secuencia de los títulos de crédito iniciales, y en algún modelo que viste luego Elsa Martinelli, así como en algunos decorados interiores. El "op art" sirve para imaginar la Italia del siglo XXI desde la Italia de 1965.

Si a eso unimos la caracterización de Marcello Mastroianni, teñido de rubio y con unas gafas negras alucinantes, es fácil que el cinéfilo purista descalifique rápidamente este experimento, en el que su director trata de hablar de sus temas favoritos a través de la fábula futurista. La acción incesante lleva a un final desconcertante, pero el resultado es como poco estimulante, aunque esté por debajo de las intenciones.

Por otro lado, algunas cosas que vemos se adelantan a su tiempo, y poseen un carácter premonitorio: la secuencia en la que Mastroianni dirige una ceremonia pseudo-religiosa junto al mar anuncia la espiritualidad "New Age"; la película se ríe de una religiosidad "light" y de los ambientes sofisticados que retrata, viéndolos como decadentes. Todo el seguimiento incesante que las cámaras de TV hacen de Mastroianni y de Andress preludia los "reality shows" tipo "Gran Hermano". En suma, es un film que, por debajo de sus elementos más visibles -la historia de amor entre el cazador y su víctima, la estética coyuntural, la acción incesante, los toques de comedia- estructura, a través de lo visionario de la ciencia-ficción, una mirada muy aguda sobre la sociedad contemporánea, y sobre los males que la aquejan. En este sentido, sigue siendo un film muy actual.

Este largometraje de Elio Petri es muy interesante para el aficionado al cine de ciencia-ficción porque se adelanta a otros films del mismo género que establecen un paralelismo entre violencia y espectáculo, como "Rollerball ¿Un futuro próximo?" (Rollerball, 1975), de Norman Jewison, "Perseguido" (The Running Man, 1987), de Paul Michael Glaser, o también, por supuesto, "Los juegos del hambre" (The Hunger Games, 2012), de Gary Ross, y sus secuelas.

"La conversación" es una película estadounidense muy europea en el estilo, un poco como la previa "A quemarropa" (Point Blank, 1967), de John Boorman. La historia posee una interesante relación con la de un film norteamericano coetáneo como "Quiero la cabeza de Alfredo García" (Bring Me the Head of Alfredo Garcia, 1974), dirigido por Sam Peckinpah: el empleado, el técnico, de pronto no se conforma con hacer su trabajo, sino que quiere saber más, se cuestiona su trabajo, rebelándose contra su condición de mercenario, y contra una realidad que le miente o le traiciona. En el film de Coppola hay tal vez más pretensiones de tipo metafísico o existencial, y más reflexiones sobre la soledad y la intimidad, pero la conexión es evidente.

El film de Coppola es además una obra situada en una tradición paranoica que los hechos del entonces muy actual "caso Watergate" no hacían sino acrecentar. Harry Caul, el protagonista -muy bien interpretado por Gene Hackman- es un técnico del espionaje, la vigilancia y el seguimiento que, como técnico, sólo posee, al principio, unas pocas piezas del rompecabezas; cuando quiere tener todas las piezas, y entender todo lo que pasa, es cuando comienzan sus problemas. Es entonces cuando a la capacidad tecnológica se une un componente nuevo y extraño, el sentido de la justicia, la noción de lo que está bien y lo que está mal. En realidad, más que de la paranoia, la película trata de la responsabilidad ante uno mismo y ante los demás, del sentido de culpabilidad: estamos ante un "thriller" que plantea un conflicto moral. El guión hace que el protagonista sea un ferviente católico.

Con un argumento como el de este film el trabajo con el sonido, con los ruidos, debía ser muy fino, y desde luego el resultado en ese sentido es fantástico. A esto se une la banda sonora musical, muy "jazzística", y también muy a tono con la historia y con el estilo cercano al "noir" o al llamado "neo-noir" que Coppola imprime al argumento. El reparto, por otro lado, está lleno de grandes y buenos secundarios, como John Cazale, Frederic Forrest, Harrison Ford, Teri Garr, y hasta Robert Duvall en un pequeño papel.

Para mí, "La conversación" es una de las mejores películas dirigidas por Coppola, y un título clave en el cine estadounidense de la década de los años 70 del siglo XX.

"Atraco al furgón blindado", que ése es el título en español de esta película, según la copia de la edición en DVD que acabo de ver, es un entretenido y aceptable film "noir" que Richard Fleischer, cineasta infravalorado, rodó y dirigió en los comienzos de su carrera como director de cine, en este caso para RKO. Se narran los preparativos, desarrollo y consecuencias posteriores del atraco a un furgón blindado por parte de una banda dirigida por el torvo William Talman, en un papel de delincuente frío y sin escrúpulos, casi psicopático. Por su parte, Charles McGraw encarna al policía que dirige la búsqueda de los ladrones, mientras que Adele Jergens, cual Virginia Mayo del pobre, pone de su parte un físico sin duda apto para el "burlesque" más cutre.

Según he leído en la cara posterior del estuche del DVD, Stanley Kubrick se basó en esta película a la hora de rodar "Atraco perfecto" (The Killing, 1956). En efecto, cualquier espectador que se tome la molestia de ver ambas películas, encontrará algún paralelismo: por ejemplo, la máscara antigás del film de Fleischer se convertirá en la careta de payaso del film de Kubrick...

"Muñeco diabólico 2" (Child´s Play 2, 1990), de John Lafia, es para mí una aceptable secuela de la previa "Muñeco diabólico" (Child´s Play, 1988), de Tom Holland. Los efectos especiales y la voz de Brad Dourif están a la altura de una historia ingeniosa y retorcida, en la que Charles Lee Ray, el estrangulador de Lakeshore, sigue dando guerra en la forma de un muñeco de aspecto siniestro. El desenlace final en la fábrica de muñecos está muy bien. Christine Elise destaca con su personaje, mientras que el papel que hace Jenny Agutter, una actriz siempre interesante, se hace demasiado pequeño. La saga de Chucky es una simpática vuelta de tuerca de las películas de asesinos en serie y del cine "slasher" de los años 80.