Uno de los principales puntos en contra que pueden achacársele a este mediometraje es la desproporcionada cantidad de diálogos que emplea. Y ello conlleva irremediablemente a un no menos aparatoso número de intertítulos que cortan sobre manera el desarrollo de la acción y son un claro impedimento a la fluidez del relato, ya de por sí bastante renqueante y dubitativo. Una mayor parquedad a la hora de presentar las situaciones no habría venido mal, la verdad, sobre todo teniendo en cuenta que la historia que se narra no es especialmente compleja, sino más bien todo lo contrario: sencillita como pocas. Y máxime teniendo en consideración que el "Carmen" de De Mille emplea, con seguridad, menos diálogos que el filme de Chaplin. Sin duda, algo un tanto paradójico e incomprensible.

Los múltiples gags que se dan cita a lo largo del metraje tampoco terminan de ayudar a elevar la categoría del producto. Qué duda cabe que haber, hay alguno verdaderamente reseñable (el constante tropiezo con la dichosa piedra, algunos momentos del interminable enfrentamiento contra el torero, el uso del plato de comida del matador como espejo por parte de Charlot, etc.), pero a grandes rasgos puede decirse que la nota predominante de los gags es su tosquedad. Pese a todo, el simple hecho de ver a Chaplin como soldado ya es lo suficientemente atractivo para el espectador como para darle una oportunidad al filme.

Especial mención merece el momento final de la historia cuando Charlot, empuñando su cuchillo, atraviesa con él a Carmen para posteriormente quitarse la vida. Realmente impactante, pero claro, sólo era un truco en el que, reconozco, caí como un bellaco de primeras.

Así pues, en resumidas cuentas podemos decir que esta "Parodia del Carmen" no es ninguna genialidad. Se trata tan sólo de una piedra más en el camino de Chaplin hacia el estrellado y el reconocimiento mundial. Un escalón más hacia la gloria que no es especialmente recordado, pero qué duda cabe que sus fans lo encontraran bastante más disfrutable que el resto de los mortales. En todo caso, no está de más ver la película de Cecil B. de Mille antes de enfrentarse a ésta obra de Chaplin para poder sacarle el máximo jugo posible a esta parodia.

Aunque, dicho sea de paso, el hecho de haber visto ambos filmes no convierte a éste en obra maestra, simplemente se aprecian mejor algunas situaciones, pero poco más.

No puedo dejar de reseñar una escena que ha logrado perturbarme especialmente: el instante en que los protagonistas entran al sótano de una casa y se encuentran con un puñado de pseudo-hombres encerrados y esperando ser comidos por los inquilinos de la casa. Esa escena pudo conmigo. Absolutamente terrible, depravada e inquietante. Una nueva imagen que desde ahora poblará mis más escalofriantes pesadillas...

La ambigüedad moral que desprende el filme es, bajo mi punto de vista, otro de los grandes aciertos de la cinta. El personaje interpretado por Viggo Mortensen intenta mantener la cordura y la decencia en tiempos tan oscuros, pero no duda en dejar desnudo a un pobre diablo que ha intentado robarle. La pérdida de la humanidad es mostrada a través del personaje de Mortensen y de la relación con su hijo, lo único que le mantiene anclado a este mundo y evita que caiga en las garras de la desesperación o tire la toalla y se convierta en uno de los múltiples errantes sin objetivo ni motivación que pueblan la desértica tierra sobreviviendo sin saber muy por qué ni para qué, más allá de para sentirse no muertos, pero indudablemente tampoco vivos.

El único pero que le puedo poner al filme es su tedioso ritmo narrativo. Es demasiado lento y entorpece en cierto modo el normal devenir de la historia. Este problema ya lo poseía la novela pero, precisamente por ser una novela y no una película, no resultaba tan llamativo. La duración del filme se antoja quizás un tanto excesiva, lo que unido a la reiteración de las situaciones nos lleva a un punto muerto en más de una ocasión donde la historia se estanca.
En todo caso, pese a este ligero problema mencionado, creo que la película posee el suficiente número de virtudes como para resultar una obra destacable. La opresiva atmósfera y el extraordinario diseño de producción son los elementos ideales para representar un mundo devastado tanto física como moralmente que llega a generar perturbadoras sensaciones en más de una ocasión. Puede que no sea fácil de visionar una película así, pero resulta refrescante (quizás ésta no sea la palabra más adecuada) que en Hollywood se hagan filmes tan arriesgados y ambiguos como éste. Creo que no he hablado del chico hasta ahora: Kodi Smit-McPhee lo borda.

Resulta paradigmático cómo de un rodaje tan caótico y conflictivo como fue éste pudo salir una obra de tal calado y magnitud. El (excelente) guión fue obra de los hermanos Epstein (para más señas, gemelos), basándose en una obra teatral que ni siquiera llegó a estrenarse en su momento en Broadway. La producción comenzó sin un guión definitivo y, para mayor infortunio, durante el rodaje los propios hermanos Epstein tuvieron que largarse provisionalmente para colaborar con el cineasta Frank Capra en la realización de un documental de apoyo a la Segunda Guerra Mundial. Howard Koch se encargó entonces de ir realizando el guión prácticamente día a día. Así, los actores recibían sus frases el día antes de rodar (o incluso el mismo día) y no había forma de saber qué narices estaban rodando cada día, con la consiguiente pérdida del raccord narrativo por parte del director y de los propios actores.

La presencia del director Michael Curtiz, famoso por sacar de quicio continuamente a su equipo, debido fundamentalmente a su escaso dominio del idioma y a sus sonados berrinches y enfrentamientos, no fue precisamente un elemento destinado a favorecer el enrarecido clima de rodaje. A ello hay que sumar al productor Hal B. Wallis, supervisor general de la producción de Warner, que por algún motivo se implicó especialmente en esta película, hecho que tampoco ayudó en dotar de fluidez al proceso de producción.

Pese a todo esto, y de manera casi inexplicable, el filme resultó todo un éxito (no lo fue tanto en su día, pero con el paso de los años la película fue mitificándose). Gran parte de la culpa la tuvo el montador Owen Marks, a quien la Academia, a modo de recompensa por lo que había logrado hacer tras el caótico rodaje, le concedió un Oscar.

Sobre la película en sí no hay demasiado que añadir a lo ya conocido: interpretaciones legendarias de Bogart, Bergman, Henreid, Rains y Lorre; diálogos extraordinariamente incisivos y poderosos (al menos hay una docena de frases antológicas en el filme -personalmente me quedo con ese comentario de Rick diciendo "¿Tengo los ojos pardos?"-); dirección muy sólida (pese a todos los comentados problemas y las malas formas de Curtiz, es innegable su pulso narrativo y su profesionalidad); un guión de esos que se emplean como modelo en las escuelas de cine (y eso que se fue escribiendo sobre la marcha y por varios autores)...

En definitiva, un mito del cine. Podrá gustar más o menos, pero no se puede negar su calidad tanto artística como técnica a todos los niveles, ni tampoco el poderoso aroma que desprende cada uno de sus fotogramas. Mientras se ve esta película, uno tiene la firme convicción de estar viendo algo grande, algo fuera de lo común. Es la típica sensación que recorre nuestro cuerpo cuando presenciamos los grandes clásicos del cine, y "Casablanca" es indudablemente uno de ellos.

Pero sin duda alguna, si por algo será recordado este filme, es por su grandioso estudio psicológico de los personajes. Magistral desde cualquier punto de vista. Ya desde el mismísimo comienzo vamos siendo testigos de pequeños, y aparentemente insignificantes, detalles en la manera de actuar y comportarse de cada uno de los personajes (José apartándose del resto para pagar en el bar, Luis a lomos del animal -no recuerdo ahora mismo si era una mula, un burro o qué exactamente- en la granja).

El empleo de la voz en off potencia y magnifica los sutiles matices interpretativos y, así, lentamente vamos descubriendo cómo Paco es un hombre acaudalado que se ha hecho a sí mismo y que no soporta ni permite que nadie se aproveche de él; José es el típico manipulador que contamina y envenena con su retórica a todo aquel que le rodea, salvo al imperturbable Paco, hecho que le produce un profundo malestar; y Luis, un pobre desdichado que, fruto de su pobre personalidad, se ve manipulado y enredado por José como si de un maniquí se tratase, intenta a la más mínima evadirse de su desalentadora realidad, ya sea bebiendo más de la cuenta o leyendo novelas de ciencia ficción.

Mientras los "amigos" comparten la tranquila jornada de caza (con unas imágenes de conejos abatidos que, no es que sean desagradables, pero resultan bastante crudas), los malentendidos y encontronazos van saliendo a relucir, cada vez con más brusquedad y vehemencia. El asfixiante clima logra colmar el ya de por sí enrarecido clima y, las diferencias y resentimientos que durante años permanecieron latentes, terminan por estallar definitivamente en un memorable clímax que finaliza con el asesinato de los tres antiguos compañeros entre sí.

Sin duda nos encontramos ante una de las obras españolas más interesantes de la historia, en la que una a priori jornada de diversión y entretenimiento se transforma lentamente en un auténtico infierno en el que los odios de cada uno de los personajes se dan cita y arreglan de una vez por todas sus más que evidentes diferencias. Gran dirección de Carlos Saura, extraordinaria fotografía de Luis Cuadrado y un reparto, aunque reducido, auténticamente estelar, encabezado por: Ismael Merlo, Alfredo Mayo, José María Prada. Altamente recomendable.

Una historia interesante que sirve fundamentalmente como pretexto para mostrar un enorme abanico de diferentes paisajes, ya sean de la montaña o de los prados, el río, la cascada… Eso sí, se trata de paisajes de una enorme belleza, espectaculares, y que son un claro indicio de la vía documental que iba a tomar su joven realizadora en un futuro no demasiado lejano. La progresión dramática sin embargo se ve fuertemente lastrada por la inclusión de tanto paisaje.

La historia de Junta está contada a modo de flashback, y comienza con la llegada de un forastero al pueblo, que pronto se siente atraído por la joven. Éste trata de defenderla de los furiosos aldeanos, toda vez que tras una noche de luna llena, otro joven más había terminado pereciendo al intentar alcanzar la cima. El recién llegado se trasladará a vivir junto a la chica e iniciarán una historia de amor que no será plena debido a las dificultades lingüísticas que sufren para comunicarse.

El descubrimiento de qué es en realidad la misteriosa luz azul resulta un tanto predecible, sin embargo no deja de estar resuelto satisfactoriamente. Cuando los aldeanos descubren el yacimiento de minerales, se apresuran a despojar a la montaña de su tesoro eliminando así la fuente de luz, y al mismo tiempo la fuente de vida de Junta, que en un intento por descubrir por qué ha desaparecido la mágica luz caerá despeñada y morirá.

Las escenas de escalada se hacen realmente interminables tanto en duración como en frecuencia, sin embargo dotan al conjunto de la obra de un raro cariz, una especie de comunión, de armonía entre el ser humano y la naturaleza, que está presente desde el primer hasta el último fotograma.