La historia interminable es El filme nostálgico. Viéndolo uno recuerda la cantidad de veces que puso su VHS para meterse en un mundo ajeno al nuestro pero al que todos, al igual que Bastian, el protagonista y narrador omnisciente, podíamos llegar si conseguíamos desatar las cadenas de nuestra imaginación. Viéndola uno de crio, imaginaba que era él el que leía el misterioso libro, que era a él al que hablaban Atreyu, La Reina, y los demás personajes de esa Fantasía, y ahí radicaba la magia de esta película como lo era también del libro, en convertir al espectador /lector en un personaje más, y probablemente en el definitivo, el que salvaría al mundo de esa bellísima metáfora, La Nada, que se come nuestra imaginación, nuestra capacidad y ganas de soñar, nuestros deseos de ser niños para volver a esos rincones de nuestra mente donde lo lógico pasa a un segundo lugar, esa Nada contra la que hay que luchar, como Atreyu, galopando en su caballo y en su Dragón, o como Bastian, haciéndolo en las páginas de un libro deliciosamente interminable.
La historia interminable, la película, acertó en saber transmitir esas ideas y esos ambientes a imágenes, obra de un director tan poco valorado pero tan profesional como Wolfgang Petersen, que supo captar la magia de todos los parajes de Fantasía, desde los más desolados a los más espectaculares.
Vista hoy en día si es cierto que la cinta ha envejecido mucho, se nota que es una película que podríamos llamar para todos los públicos, con toda la previsibilidad y tópicos de estas, y dado el avance que ha habido en tecnología, la que vemos aquí se queda muy, muy atrás. Pero la cinta seguirá siendo recordada y disfrutada debido a la magia que conserva, que va mucho más allá de sus imágenes.

A los americanos les encanta el Béisbol. A los americanos les encanta creer que el Sueno Americano (valga la redundancia) existe. Por eso hay cientos de películas como esta, aunque no se si alguna memorable. Sinceramente creo que no, pues no recuerdo ni una sola.

Hardball es un producto prototípico de televisión sin ningún gancho visual o argumental. Por ahí andan un par de caras conocidas, y únicamente por eso se estrena en salas comerciales, evaluando así el tirón comercial de las estrellas. En este caso un Keanu Reeves poniendo cara de malo con su cara de palo trata de hacernos creer que es un bala perdida de la ciudad de Chicago por asuntos de drogas y ostias. Pero con fruncir el ceño no basta. El caso es que por unas razones de las que ya no me acuerdo debe entrenar a un equipo de niños negros, lo que, lógicamente, le cambiará la vida. Ah! Y por ahí anda Diane Lane (Siempre es un placer), con el personaje menos desarrollado de la década (exagero claro, pero es que la amo tanto que es insultante).

Pero tampoco hay que ofenderse con películas como esta, pues da exactamente lo que propone. Unas lagrimillas culpables, y al menos, hora y pico de entretenimiento.

Lo que no hace a Heredarás la tierra una gran película es algo muy claro: la apuesta por un director sin la menor originalidad, sin la menor inventiva visual, que se limita a poner a sus actores delante de la cámara y dejar que estos y el guión lleven toda la acción del film, sin preocuparse en absoluto por la artística labor del director, y por ello barnizando una historia interesante de un molesto tamiz digno de telefilm de sobremesa, más aún por la historia que cuenta.
Familia, cáncer, esterilidad, adulterio, incesto, rencor… se dan cita en esta película susurrada, en una historia de secretos a voces y gritos desalmados. La historia de tres hermanas y un padre que divide su propiedad para ellas evoca a El Rey Lear, pero sólo en el planteamiento, pese a que el curso de la historia deje bien claro que estamos ante una verdadera tragedia familiar, en la que la tierra y los secretos del pasado condicionan las relaciones y el futuro de sus protagonistas, el punto fuerte de Heredarás la Tierra, porque sin dos espléndidas Michelle Pfeiffer y Jessica Lange la cinta no sería lo que es, porque la inmensa energía y la mirada de la primera y la sutileza y las palabras de la segunda son lo que da fuerza, carácter y entidad a una relación como la raíz y la tierra, dos hermanas abocadas a enfrentarse a sus temores y a sobreponerse a las desgracias que les toca vivir con el único afán de sobrevivir. Ese es el logro, la esperanza.

Conforme la hermosa filmografía de Jeff Nichols avanza, se está estableciendo en todas su películas un tema constante en todas sus historias, que manteniendo cierto apego con el cine “realista” e idependiente, juega con el contexto gracias a los géneros. Ese tema es la relación entre los padres y los hijos, y los matices trágicos o de auténtico amor incondicional que se dan en esas relaciones.

En su ópera prima, Shotgun Stories, la muerte del progenitor daba lugar a la violencia sembrada desde la infancia de sus hijos, en un enfrentamiento rural con ecos de Peckinpah. En Take Shelter un hombre común trata de proteger a su vástago de un apocalípsis social y natural inevitable, más allá de su propia cordura. Mud era una aventura iniciática sobre un niño que pasa a ser hombre cuando sus padres deciden separarse, y encuentra un héroe (y a un padre) en un misterioso vagabundo. Y aquí, en Midnight Special, el personaje de Michael Shannon protege a su vástago nada más y nada menos que de toda su propia especie: el pequeño posee cualidades que no le hacen de este planeta, y con la crisis gubernamental que eso provoca, el padre tratará de encontrar el verdadero lugar (en este mundo o en otro) al que pertenece su hijo.

Aunque en Take Shelter Nichols ya había jugado con algún elemento de la ciencia ficción, aquella fascinante película era más bien un drama de denuncia social hacia el ahogamiento del hombre común, y las consecuencias mentales de esa agonía. En Midnight Special la ciencia ficción ya es un elemento absoluto, pero Nichols de nuevo mezcla géneros clásicos cinematográficos para hablar del tema tangente de su filmografía. Aquí es el westren fronterizo, de varios solitarios huyendo de y hacia lo inevitable, y con la interesante tesis humanista de plantear por qué un buen padre que ama a su hijo, debería ser perseguido simplemente por tratar de protegerle.

Nichols abre interesantes debates en base a las cualidades especiales del pequeño protagonista; es como si en una película de los X-Men, se analizase con seriedad y profundidad las consecuencias reales (a nivel político, científico, militar y filosófico) de que existiese alguien con esos poderes o cualidades especiales. Pero de nuevo Nichols vuelve a sus propios referentes y establece la mirada en los ojos de ese hombre cualquiera, que de corazón sólo busca lo mejor para su hijo.

Como es habitual en su cine, hay constantes que no cambian: la captación de los espacios inhóspitos, hermosos y solitarios de la américa rural; la construcción de atmósferas tensas en su cotidianidad captadas por la fotografía y la música; la capacidad de Nichols para convocar a repartos llenos de actores excepcionales (Joel Edgerton, Kirsten Dunst, Adam Driver, Sam Shepard, son todos grandes actores, y su genio aquí reside en hacer normal lo extraordinario, en su retrato de la gente común ante la inmensidad); y la presencia, el trabajo y el carisma de su actor fetiche, presente en todas las películas de su filmografía y un verdadero genio de la interpretación: Michael Shannon.

Porque de nuevo, Michael Shannon vuelve hacer un trabajo excepcional. Es de esos actores cuyo rostro y cuya voz emocionan con un solo gesto o con un solo tono, y de nuevo aquí resulta conmovedor asistir a su viaje por el amor hacia su hijo, asistir a su práctica inmolación sin hacer más preguntas ni decir más palabras de las necesarias. De nuevo su héroe construido para Nichols es un ejemplo del hombre corriente ante circunstancias extraordinarias, y su interpretación es tan buena, que siendo naturalista y sutil, adquiere carga expresionista y poética.

La dupla Nichols / Shannon sólo ha dado hasta el momento trabajos memorables en su sensibilidad y en su originalidad. Celebremos un nuevo triunfo con esta inusual película, que navega desde la paranoia extraterrestre hasta la sencillez del drama familiar abocado a la adversidad.

Entrevista con el Vampiro es, o debería ser por derecho propio, una película de culto. Responde a todas las exigencias de las cintas que entran dentro de esta clasificación, y además lo hace de un modo elegante y sorprendente. Los motivos por los que merece tal calificación podrían empezar por el propio género del filme, el género fantástico más que de terror, algo que se prodigia mucho en esas películas de culto, con todas sus virtudes y excesos, que en esta película se nos ofrecen como una auténtica cascada de emociones.
Al respecto, y como puntos flacos de la cinta, diría que hacia la mitad de la cinta, toda la parte europea y el innecesario epílogo final, son las partes más flojas de Entrevista con el vampiro, ya que pierden algo ritmo y coherencia narrativa conseguidas hasta entonces.
Pero la cinta de Neil Jordan posee muchas virtudes que merecen ser recordadas una a una, desde su impresionante diseño de producción, lujoso, decadente, profundamente barroco y gótico, que consiguen transportar al espectador visualmente con el flashback que es toda la historia, a un mundo oscuro y tenebroso poblado por poderosos vampiros en la sombra e ingenuos humanos a la luz de candilejas. La dirección, ya que Neil Jordan consigue dar un toque personal y profesional a una cinta en principio concebida como un espectáculo hollywoodiense pero mucho más arriesgada de lo que se creyó (sus escenas de masas son espectaculares, teniendo en cuenta que rueda en decorados, la manera en que rueda los encuentros entre Lestat y Loui y entre este y Armand están cargados de tensión y una extraña belleza violenta; sus secuencias de detalles como la vida familiar de los tres vampiros, el viaje a Europa o la maravillosa elípsis reservada para los amantes del cine y los amaneceres le sitúan como un auténtico genio), el guión, adaptado por la propia escritora Anne Rice, que supura fina ironía, tensión y amor perdido y las interpretaciones, Tom Cruise en un papel arriesgado que resuelve de forma camaleónica de una forma terrible e impresionante, en el papel menos agradecido de la función, gracias al patetismo y perdición, así como maldad y ambiguedad que lleva su personaje consigo; Pitt, como vampiro obligado a aceptar su destino eterno apartado de todos aquellos a los que quiso amar y no pudo; Dunst en la mejor interpretación de su carrera, infantil y malvada, pero cuyo personaje gracias a su portentosa inerpretación crece conforme avanza el metraje; y Banderas en un jugoso personaje oscuro y seductor.
Entrevista con el vampiro es además de todo esto una apasionante historia de bellas gárgolas con el corazón roto, perdidas no por su papel de asesinos en el mundo, sino por sus historias de amor, rotas, y eternas.