Conduce al espectador por unos espacios que irradian de horror y desconocimiento un relato totalmente atmosférico en un contexto espacial peculiar y terrorífico; una odisea donde la supervivencia es la clave. Su acercamiento continuo hacia lo inhóspito y lo sobrenatural se tiñe de un discurso sobre la visión de tesis del fenómeno alienígena, con una biología propiamente desarrollada sobre la imaginería de guion que comprende cómo podrían ser los progresos terroríficos de la civilización, y por consiguiente, un terror espacial y monstruoso a su altura.

Antes de que Spielberg demostrara que los alienígenas podrían ser bondadosas criaturas alejadas de constituir un riesgo para la humanidad, Ridley Scott construyó el arquetipo del alienígena más despiadado y amenazante de todos los tiempos: el Xenomorfo. Lo mejor de la cinta es su transcurso hacia el survival horror, con una formalización argumental que después se ajustaría en "Terminator" (1984) de James Cameron con un subgénero totalmente diferente y singular, pues en ambas producciones se sitúan los personajes como títeres de una primitiva y desconocida criatura o amenaza (en el caso de "Terminator", un cyborg) que transmite en la gran pantalla un horror incondicional.

Los efectos especiales de esta película capacitan la obra de Scott con un mayor universo y una elegante representación moderna y carismática de la filosofía arquitectónica y estrucutral (desarrollada de forma más plena en "Prometheus", 2012, de nuevo por Scott) del hábitat del nuevo y misterioso alienígena del cine de ciencia ficción. El uso de ráfagas de luz y estridentes ruidos en las escenas más aterradoras que acompañan al clímax de la película evidencian las nuevas fórmulas de creación de terror atmosférico y espacial, define la gran aportación del filme y se consolida como una de las mayores óperas primas del cine y del cineasta.

Frances McDormand encabeza una historia que se vale de la pura semiótica de las vallas publicitarias para expresar uno de los elementos más icóncios de la película y del personaje principal. Missouri cumplimenta ese ruralismo que define el contexto de la temática y al mismo tiempo coloca la idiosincracia de todos sus personajes. Sus diferentes caracterizaciones y estilos protagónicos ensalzan una historia más verídica que nunca y un sentimiento de venganza acompañado por la desesperada falta de justicia.

Los diálogos y sus secuencias hacia el pasado reciben un dramatismo que encaja en esta narración tan demoledora de un caso de violación que no ha encontrado al culpable, remontando la pérdida y la desolación emocional en la figura de McDormand. Sin embargo, también tiene un humor muy pueblerino, una especie de costumbrismo totalizador que cubre el trabajo actoral de McDormand de una cruda belleza y tristeza simultánea.

El tratamiento de la tragedia se siente con unos golpes de efecto y un plot twist increíbles, recuerdan en todo momento el significado de la desgracia y el inasumible conocimiento de no volver atrás, un arrepentimiento continuo. "Three Billboards Outside Ebbing, Missouri" es una cinta inesperada, pero mantiene en todo momento una linealidad discursiva latente dentro y fuera del guion que escribe McDonagh implacablemente: el odio no hace más que entorpecer un camino que es común a todas las glorias y desgracias que viven las personas, sólo solventaría esa desazón y esa rabia contenida el amor por cada momento pasado y presente. Una gran obra donde McDorman se proclama reina de toda esta moraleja dramática que se respira de principio a fin, acompañada por un Woody Harrelson crepuscular y un Sam Rockwell que domina el elenco secundario con un protagonismo creciente, arrollador, flamígero, igual que la película.

Shyamalan se dirige al espectador, retratando el reflejo del lector de cómics y del fanboy de los superhéroes. Su inicio es un esbozo directo y conciso de ese dualismo trágico que sobrevive en la mitología del superhéroe. La construcción narrativa de los personajes lleva aparejada consigo la historia del cómic y sus elementos más populares, demostrando un relato más maduro y artificioso hacia las conjugaciones del héroe y el villano.

La dualidad entre el bien y el mal comporta un telón de fondo para poner a prueba el género superheroico dispuesto a ser enfocado con este cine de tesis de Shyamalan. Posee todos los elementos identitarios de los géneros del superhéroe: el milagro, la superfuerza, las habilidades excepcionales, las debilidades y un gran villano construido de forma paralela en lo que se refiere al origen del convencionalismo psicológico y literario del desafío del héroe.

En ocasiones parece una exagerada puesta en escena más icónica que el medio y el género del que habla: su dramática ambientación, las sombras y los claroscuros de sus espacios son evidentemente el simbolismo donde se conjuga el ensayo más realista del carácter ficticio del superhéroe moderno nunca antes visto. James Newton Howard hace que toda la película soporte y revitalice el quehacer cinematográfico de un Shyamalan bastante imaginativo, con una tesis muy sutil que está más cercano a "Watchmen" (1986-1987) de Alan Moore y Dave Gibbons que cualquier otra futura adaptación.

"Unbreakeable" es todo aquello que necesita el cine de superhéroes: historias donde el carácter pulp de su condición más originaria no sea un impedimento para formalizar recursos metaliterarios con una madurez y un tono descentralizado del mainstream. Es por ello que Shyamalan es todo lo contrario al establecimiento comercial del cine de masas contemporáneo.

Está basada en una novela ilustrada de corte infantil de la mano de William Steig y se convirtió en un clásico dentro del cine familiar con ambientaciones totalmente hermosas, personajes narrados con un cariño enorme y una historia divertida y bonita de principio a fin.

Se permite establecer guiños y encajes a los cuentos tradicionales y a los elementos de la fantasía infantil, situándolos en una nueva saga cinematográfica, además de reírse de forma paródica de dichos elementos y pronunciarse como un viaje heroico con el rasgo de una buddy-movie.

Su humor sano, pulcro y diverso expresa una naturalidad a la altura de la construcción narrativa de los personajes, que se relacionan los unos con los otros para profundizar sus caracterizaciones. Ninguna otra película había roto tan bien el concepto tradicional del amor y había demostrado el encanto de lo imperfecto, por lo que verdaderamente importa cuando dos personas se enamoran alejados de los clichés eternos que rodean los valores culturales. Su enérgica puesta en escena y su sencilla historia de amor verdadero es el logro de unos Andrew Adamson y Vicky Jenson pioneros en tergiversar la fantasía infantil convencional y crear una ópera prima para todos los públicos.

Su dirección artesanal de un cine de Serie B no deja de suscitar una tremenda visión del misterio y del terror. Existe una especie de acopio al plano ocular de Leone, con un matiz vinculado al ejercicio cinematográfico en el género del terror. El éxito de películas como "El Exorcista" (William Friedkin, 1974) le vale para formalizar el espectro de la posesión en su forma más "novel", con el uso del maquillaje y decorados caseros pero usando la cerrazón espacial que condiciona el formato del filme.

Su incómoda atmósfera roza un `gore´atípico y singular en el género, Sam Raimi radicaliza los tonos con un montaje cubierto de salvajismo y repugnancia. Su mensaje no es tanto la habilidad en el guion sino en la deconstrucción de los tópicos, aportando una magia y una fantasía como premisa intuitiva. La tragedia no es tan vehicular, no es una construcción premeditada ni tampoco es la intención del filme contar una historia de peso.

Su manifestación es tratar el impacto en nuevas fórmulas para competir en un género muy marcado por directores como Friedkin, Craven y Carpenter. El filme, además, se caracteriza por la constante elucubración sangrienta y catastrofista, su dirección plantea unas nuevas formas más alejadas de lo que se había ido desarrollando y muestra una inspiración y una elaboración de la pieza escénica de su autor.

El aporte de calidad que obtiene el trabajo de los efectos visuales junto al magnetismo característico que demuestra Sam Raimi llevan el arquetipo protagónico hacia terrenos desconocidos, en un viaje personal dentro de los elementos más conocidos de la década de los 80 en las películas de terror, reconvertidos en pura expectación, dedicados a desconcertar al espectador y no saber qué está observando.