La prestigiosa revista Sight & Sound del Instituto Británico de Cine, solicita cada década, desde 1952, la opinión de un extenso grupo de importantes críticos cinematográficos para elaborar una lista con las mejores películas de la historia.

En 2012 se produjo la última votación y Vértigo encabezó por vez primera esa lista, tras 50 años de reinado continuado de “Ciudadano Kane”.

Vértigo, obra maestra indiscutible del genial Alfred Hitchcock, como toda obra maestra tiene múltiples lecturas y aproximaciones.

Desde el punto de vista argumental puede contemplarse desde su simple trama policiaca acerca del complot para el asesinato de una mujer, hasta una torturada reflexión sobre el deseo y la muerte, pasando por la historia de la obsesión patológica de un detective por recuperar el recuerdo de una mujer muerta.

Técnicamente está plagada de aciertos entre los que destaca su singular uso del código de colores, el verde para la evocación y el recuerdo y el rojo para la pasión y el deseo.

Es memorable en este sentido recordar la primera aparición de la enigmática Madeleine, bellísima Kim Novak, observada a hurtadillas desde la barra por el detective John 'Scottie' Ferguson, encarnado por James Stewart, en el lujoso restaurante Ernie’s de San Francisco, decorado hasta la saturación en un apasionado y destellante color rojo, ella aparece como un espectro, etérea e inalcanzable, vestida de azul con una estola verde y parece deslizarse, flotar, en lugar de caminar, igual que hacía la señora Dambers en “Rebecca”. Su aparición somete a Scottie a un hechizo del que ya no se podrá liberar.

O la reveladora escena de la recuperación del fantasma en la habitación del sórdido hotel Empire, en la que Judy, de nuevo Kim Novak) culmina su gran acto de entrega por amor y Scottie materializa su obsesión necrófila, iluminados por una fantasmal luz verde mientras se besan y la cámara gira alrededor de ambos participando de su pasión.

Vértigo, permanece también como referente por su magistral creación de atmósferas, desde la iluminación de una espectral y mágica San Francisco que jamás fue tan bien fotografiada como lo hizo Robert Burks, complementado por la inolvidable banda sonora del grandísimo Bernard Herrmann, sin olvidar los enigmáticos y sugerentes títulos de crédito diseñados por Saul Bass.

Vértigo se convierte así, en la expresión máxima del cine, un auténtico manual de cómo narrar una historia desde diversos puntos de vista, con imágenes envolventes, subyugantes y fascinantes, llenas de significados, sugerencias y dobles sentidos, en las que caben diversas realidades, la que denominamos tangible y la que existe en los profundos recovecos de la mente y del alma, allí donde anida el espectro de Madeleine.

La romántica historia de los hermanos Geste, narrada por P.C.Wren en la espléndida novela Beau Geste, que gira en torno al robo de un fabuloso diamante, a un pacto de honor entre hermanos y a la dureza de la vida de la legión Extranjera en el marco hostil del desierto norteafricano, queda reducida, en este innecesario remake, a un vulgar melodrama acerca de una estafa y un amor traicionado.

A pesar de ello, el film es una aceptable cinta de aventuras coloniales en apreciable technicolor y con una buena interpretación de Telly Savalas en el papel del sádico sargento, que se encuentra lastrado por ser el innecesario remake de una obra maestra absoluta del subgénero de aventuras coloniales, como es el film homónimo, dirigido por William Wellman en 1939, en el que brillaba el intrigante prólogo inicial en Fort Zinderneuf, la magistral dirección y el pulso narrativo de Wellman, la evocadora partitura de Alfred Newman, y las excelentes interpretaciones de todo el elenco actoral encabezado por Gary Cooper.

Película difícil de encuadrar en un género porque en ella confluyen varios.

Está promocionada como un western porque la acción sucede en las llanuras de Montana y se desarrolla entre vaqueros que tratan con ganado en los primeros años del siglo XX.

Utiliza recursos de melodrama para explicar la historia de dos hermanos de caracteres opuestos: el rudo y dominante Phil (Benedict Cumberbatch) y el apacible y apocado George (Jesse Plemons), y el conflicto que surge entre ellos cuando George decide contraer matrimonio con una viuda de la localidad, la sacrificada Rose (Kirsten Dunst).

El film se convierte en un thriller psicológico para narrar el acoso que sufren Rose y su hijo adolescente Peter (Kodi Smit-McPhee) por parte de Phil, para expresar su rechazo por sentirse abandonado y traicionado por su hermano.

Vuelve al territorio del western para narrar la extraña relación de aprendizaje y complicidad que surge entre Phil, el hermano violento y Peter, el hijastro de su hermano, auspiciada por los recuerdos del mentor de Phil en su adolescencia, un rudo vaquero llamado Bronco, cuya muerte parece que Phil no sabe superar.

La última parte del filme vuelve al melodrama y al thriller psicológico, si bien, prefiero referirme a ella en la zona de spoiler, para no dar ninguna pista que evite la sorpresa que el último giro del guion depara al espectador.

La directora ha calificado a su film como un western deconstruido, sin pretender quitarle la razón, diremos que tiene un ritmo algo lento y contemplativo, que huye de mostrar la violencia física, pero que está cargado de una gran tensión psicológica que se percibe en las miradas de los personajes, sin ayuda de ningún texto ni acción, gracias a la soberbia labor de los intérpretes.

Posiblemente sea la mejor interpretación de la carrera de Benedict Cumberbatch,que sabe dotar a su personaje de una masculinidad brutal que irá evolucionando progesivamente hacia una fragilidad emocional conmovedora, también resulta destacable la actuación de Kodi Smit-McPhee que también hace evolucionar al personaje de Peter desde el amaneramiento y la timidez hasta una determinación sobrecogedora, o las de Kirsten Dunst y Jesse Plemons, como sujetos pasivos y víctimas potenciales de la violencia doméstica.

Desde el punto de vista temático el film pretende abordar varios temas en si mismos delicados;

- Las relaciones fraternas y las relaciones de dominio o sumisión subyacentes.
- El encorsetamiento de la dureza masculina en entornos considerados tóxicamente viriles,
- Las pulsiones homosexuales inconfesables en esos entornos..
- La relación entre deseo sexual, su represión y la violencia.
- La impunidad de la violencia doméstica.
- La vulnerabilidad de los fuertes y la fortaleza de los débiles.
- La fuerza de los sentimientos de odio y venganza.

Todo ello mostrado con una sutileza exquisita y una visión alejada de los estereotipos tradicionales, en unos paisajes excepcionales que convierten las llanuras de Nueva Zelanda en los pastos de Montana, fotografiados con gran precisión y sensibilidad por la cámara de Ari Wegner, que también destaca al fotografiar los interiores del rancho de los Burbank, casi siempre en penumbra, expresando el aislamiento de sus habitantes.

Por todas estas razones parece que la película es firme candidata a los Oscar de este año, en especial, por las brillantes actuaciones de Benedict Cumberbatch y Kodi Smit-McPhee, y sus representaciones de la psique masculina, presentadas desde el incisivo punto de vista de una mujer.

Spider-Man: No way Home parece haber decepcionado, tanto a los más acérrimos fans del comic , el cual declaro no conocer más que superficialmente, como a los fieles seguidores de las, hasta ahora, tres sagas fílmicas, que se le han dedicado, entre los que tampoco me cuento.

Dicho esto, mi aproximación al film en este comentario, no puede ser más que como mero espectador de una saga más de moda, inspirada en el prolífico mundo de los comics de super héroes, pareciéndome que está por encima de otros productos de similares características.

El film muestra un interesante ejercicio experimental desde el punto de vista narrativo que detallo a continuación en la zona de "spoiler",para no desvelar ningún aspecto determinante de la trama para aquellas almas cándidas que aún no hayan visto el film.

Para su adaptación de la segunda parte del díptico sobre la obra inmortal de Alexandre Dumas, "Los tres mosqueteros", Bourboulon y sus guionistas, Matthieu Delaporte y Alexandre de La Patellière, deciden abandonar incomprensiblemente el relato original, para narrarnos una absorbente y entretenida historia de aventuras de capa y espada, ambientada en el sitio de La Rochelle, durante la guerra de los Treinta Años, muy bien filmada con el mismo tono realista de su primera parte, pero alejada notablemente del texto original.

Esta decisión que resta puntos a la valoración final de la cinta, equiparándola a otras empresas similares de la cinematografía internacional, como las de Lester, Borderie, Hyams o, la más reciente de Paul W. S. Anderson, se ve compensada por las soberbias interpretaciones de Eva Green, que compone una perfecta y matizada Milady de Winter, tanto en sus escenas de seducción como en las de lucha a espada, y de Vincent Cassel, interpretando al torturado Athos, que atraen la atención del espectador en todas las escenas en las que intervienen.

Destaca también en el reparto la espléndida pareja protagonista, un aguerrido François Civil y la encantadora Lyna Koudry en el papel de la dulce y abnegada Constance, o la pareja real, unos convincentes Louis Garret y Vicky Krieps, que en esta parte quedan limitados a apariciones esporádicas que impiden que brillen como en la primera parte.

Ante el abandono del director de lo que podría haber sido una obra canónica sobre el inmortal texto de Dumas, quedan como las mejores versiones filmadas hasta la fecha, la versión silente de Fred Niblo de 1921, interpretada por Douglas Fairbanks, la dinámica versión dirigida por George Sidney en 1948 con Gene Kelly en el papel protagonista, film concebido con acierto como un musical sin números musicales y la primera parte de este díptico que, como acertadamente señala Sibila de Delfos en su interesante crítica, parece presagiar con el final abierto de su segunda parte, una futura conversión en trilogía.