Nicolas Winding Refn debería aflojar con el consumo de estupefacientes, urgente. El director de la trilogía ‘Pusher’ se muestra, en ‘Only God forgives’, obsesionado por pertenecer al lugar cinéfilo donde lo puso la crítica luego de la aclamada ‘Drive’, esto es, un cine “profundo” (vaya a saber uno que significa esto) donde la narración queda muchas veces supeditada al mero hecho contemplativo, el cual, supuestamente dice algo más allá de lo que muestra. El problema de Refn es que se ha vuelto pretencioso con esta idea, queriendo pasar gato por liebre, intentando vender como “cine intelectual súper cool” una película de disfrutable (por momentos) despliegue visual (y musical), pero carente de toda lógica narrativa, sentido argumental y vida en sus personajes.

Momentos, así se recuerdan los films. La mayoría de las veces, con el paso del tiempo, uno se olvida la línea argumental de las películas, sus personajes y hasta el final, sin embargo, siempre recuerda algún fragmento. En el caso de ‘Drive’, recuerdo la escena que tiene a Ryan Gosling, Carey Mulligan y Jeff Wolfe en un ascensor. Romántica y relajante primero, impactante y repulsiva después. En ‘Only God forgives’ Refn confunde la primera parte de la mencionada escena con impasibilidad mientras mantiene la parte repulsiva para ofrecer violencia explícita estilizada, como Tarantino, pero sin gracia, “profundo”. Y Ryan Gosling agota con esa actitud de mirarse al espejo y poner cara de tipo sin sentimientos, como en ‘Drive’, como en ‘The place beyond the pines’.

‘Solo Dios perdona’ es una excusa para mostrar, de manera fragmentaria y con un despliegue estilístico de autor, la violencia de personajes impiadosos, fuera de la ley, vengativos, perversos y degenerados. Fragmentos que se alternan con otros, oníricos y surreales, que todavía están buscando ser metáfora de algo.

Lee más en www.quecinemirar.blogspot.com.ar

Las comparaciones son odiosas, dicen, pero Brandon Cronenberg deberá entender -durante un buen tramo de su carrera- que es inevitable traer a colación a su padre. La portación de apellido podrá serle un peso con el que tendrá que lidiar, aunque también será, seguramente, una entrada desmalezada al centro de la "selva" cine, entrada que muchos talentosos sin apellido no logran atravesar nunca.

Algunas características/elementos/figuras del cine de David Cronenberg presentes en ‘Antiviral’: gente culta con una pequeña obsesión que acapara toda su vida; representación de sueños y alucinaciones de manera tan real que dificulta diferenciarlos; cine físico/biológico, cine del cuerpo (o la falta de control del cuerpo); uso del gore para hablar de la muerte (a diferencia del gore que puede verse comunmente en peliculas de terror o acción); instinto sexual animal, erotismo aberrante; cierta ambigüedad en la posición sobre el tema tratado.

Syd March es un ejecutivo de cuentas que, en lugar de trabajar en un banco, lo hace en una empresa que vende virus de celebridades (o sea, la celebridad se enferma, la empresa le compra una muestra de sangre u otra cosa, aísla el virus y lo reproduce para vendérselo a los fans). Si, así de loco es lo que plantea Brandon Cronenberg: una sociedad que ha llegado al punto de comprar las enfermedades de sus ídolos con tal de sentirlos cerca, dentro, o lo que fuere. ¿Es tan loco? Por un lado es ciencia ficción pero, por otro lado, si lo tomamos retóricamente -hipérbole, sarcasmo, sátira- no esta tan lejos del estúpido "fan de Wanda", de los tarados/taradas que se luquean a lo Kiss, Madonna, Justin Biever y demás artistas de turno que pasan por el Monumental, del atrofio cerebral que produce todo el farandulerío o, mucho más grave, de la anorexia que sugestiona la moda occidental y los cánones estéticos actuales.

"Ella es perfecta en algún sentido" le dice Syd March a sus clientes, mientras vemos una gigantografia de la modelo blonda en cuestión y, paso siguiente, les vende (por una buena suma de dinero) lo último en enfermedades, para que los fans estén a la vanguardia de las gripes, herpes, salpullidos, etc. Y los fans se enferman, y la sociedad está enferma. Cronenberg contrasta la belleza de las celebridades con su repulsivo protagonista, el blanco teta pecoso y esquelético actor Caleb Landry Jones, quien es un vendedor legal, un vendedor pirata y un consumidor (si bien parece que lo hace para mantener su negocio, en un punto también comparte la obsesión de sus clientes). "Desde la perspectiva del virus, el ser humano es irrelevante, lo importante es el sistema que permite que funcione". Syd March representa al hacedor de este sistema, sino al sistema mismo.

Y Brandon Cronenberg lo plantea interesantemente. Primero porque acentúa el carácter alegórico al proponer -al margen de la tecnología y cierto minimalismo que podrían dar la sensación de futuro- una película de ciencia ficción en el presente (o algo muy parecido al presente, por las ropas, los interiores, los edificios, lo poco que se ve de la ciudad, etc.). Segundo porque logra mantener una lógica interna y una trama que permite seguir el film como si fuese un thriller de ciencia ficción, con suspenso, un conflicto claro y un personaje que debe llegar a algo. Es decir, logra imbricar airosamente ficción y lectura social, y de paso, se regodea en la plasticidad del cuadro llevando el film también al cine arte. Es difícil seguir la trama sin detenerse a reflexionar sobre sus posibles sentidos, y viceversa, así como tampoco se puede dejar de apreciar un estilo llamativo que tiene, entre otras cosas, lo biológico del cine de su padre y una estética minimalista y fría. Ficción, ensayo, arte... un futuro prometedor, otro Cronenberg para esperar ansiosos.

LEE MAS EN http://quecinemirar.blogspot.com.ar/

Teniendo en cuenta que se trata de un film de acción protagonizado por Nicolas Cage hice el esfuerzo de empezar a mirar 'Stolen' sin prejuicios. A los pocos minutos, mi esfuerzo quedo estéril entre el rostro tuneado a lo Guido Süller del actor de 'Con Air', el patético detective interpretado por Danny Huston y Josh Lucas haciendo de un taxista pelilargo teñido como el Bambino Veira, con un parche en la mejilla, una pierna choreada a Terminator y un tatuaje en la mano que dice "evil"... too much.

Recibí varios reproches por mi defensa a 'Los Indestructibles 2', un film que me pareció genial por su carácter de comedia autorreferencial, por su idea de reciclar desde el humor a los "tipos duros" de finales de los '80 y '90. Por supuesto, 'The Expendables 2' es una película mala si se la piensa como a las películas que refiere (casi todas las de sus protagonistas) o como un film que plantea seriamente la idea de este grupo de mercenarios (un poco lo que paso con la precuela, probablemente por la poca habilidad de Stallone para hacer humor desde la dirección). Y esta veta que Simon West encontró después del fracaso de Stallone, es la que decidió omitir en 'Stolen', una película que plantea seriamente la existencia de sus grotescos personajes y se propone verdaderamente como un thriller policial de acción, con persecuciones, tiros, autos destrozados y una misión que cumplir en poco tiempo para salvar la vida de un familiar... muy original.

'Stolen' es un producto que sale de estas fábricas de hacer chorizos donde los productores usan los mismos moldes y van cambiando de personajes y motivos. Estructuras donde están definidas de antemano la duración (90' en promedio), los minutos exactos (fíjense alrededor de los 15', 30', 70' y 85') donde tienen que pasar cosas que definan hacia donde sigue la trama (puntos de giro) y que dividan al relato en cinco actos, el tipo de cierre, etc. El problema es cuando estas plantillas predeterminadas se rellenan con personajes truchísimos, malos actores haciendo malas interpretaciones (he visto a estos mismos malos actores haciendo buenas interpretaciones en otras películas) y diálogos ultra berretas. 'Stolen' hubiese sido mala aun hace 20 años, donde los malos como Vincent también revivían una y otra vez previo al clímax, porque es un problema no solo de desconsiderar la renovación del público, sino de mal gusto, ese que llena la película de grasadas como los sombreros del Detective Harlend o la biaba de Will Montgomery.

LEE MAS EN http://quecinemirar.blogspot.com.ar/2013/04/contrarreloj-2013-usa.html

“Si, en el curso de su trabajo como creador, siente que se desliza por el terreno de la duda y de lo confuso, refúgiese en lo verdadero y en lo que ya ha sido experimentado («run for cover»)” (Alfred Hitchcock)


Robert Zemeckis ha vuelto. Ya sea porque formaba parte de un “plan mayor” (o por algo de esta cuestión divina que impregna ‘Flight’) o porque estaba confundido y decidió refugiarse en lo ya experimentado, el director de ‘Volver al futuro’ (1985), ‘Forrest Gump’ (1994) y ‘Náufrago’ (2000) abandona los films de animación que venía dirigiendo desde 2004 para volver a poner a un personaje de carne y hueso a lidiar con sus propios demonios.

‘El vuelo’ empieza con todo: Whip Whitaker (Denzel Washington) no sólo es un alcohólico que aspira una línea de coca para arrancar la mañana, sino que es el piloto del avión que está a punto de despegar y, desnudo incluido, la chica que lo acompaña en la habitación del hotel es una de las azafatas. En el aire, el avión sufre un desperfecto mecánico pero, gracias a lo excepcional piloto que es, logra aterrizarlo y salvar a 96 de las 102 vidas que había abordo. No hay dudas, Zemeckis es claro: Whip no tiene responsabilidad en el accidente y, además, es un héroe. Y son estas las cartas sobre la mesa, y el juego del director es incomodarnos al hacernos lidiar con un héroe alcohólico y drogadicto.

Con el accidente consumado, el film se centra en el drama de la vida de un adicto y, a diferencia de ‘Náufrago’, donde Tom Hanks luchaba contra sus demonios en soledad, Whip se relaciona con Nicole (Kelly Reilly), otra drogadicta, el representante del sindicato de pilotos Charlie (Bruce Greenwood) y su abogado Hugh Lang (Don Cheadle). Al estilo ‘Pare de sufrir’, ‘Flight’ muestra cómo las adicciones de Whip estropearon su familia, sus relaciones y cómo lo convirtieron en un mitómano egoísta y arrogante, porque él sabe que ningún piloto, por más sobrio que estuviera, hubiese podido aterrizar ese avión, y se lo refriega a cada personaje que tiene que declarar ante la agencia que investiga el accidente, con un cinismo desagradable.

Celebro esta vuelta de Zemeckis aunque ‘Flight’ ni se asome a sus mejores trabajos. Creo que le sobran las últimas escenas (se estira mucho lo de la cárcel y el encuentro entre Whip y su hijo está totalmente de más) y se pierde de vista al personaje Nicole, que empezó como central (al punto de alternar su historia con la del accidente) y terminó como una foto. Me quedo con el humor de las escenas donde aparece el grandioso John Goodman, con un banda sonora atinada y divertida, y con una puesta en escena notable de la doble moral.

Seguir leyendo en http://quecinemirar.blogspot.com.ar/2013/01/el-vuelo-2013-usa.html

Como siempre, la valoración de una película se irá acomodando con la suficiente distancia, cuando las pasiones inmediatas, producto de algo tan esperado, dejen lugar a un análisis más sereno. Por el momento, ‘Django Unchained’ (estrenada el 25 de diciembre de 2012 en USA, prevista para fines de enero en Argentina) aparece como otra gran película de Quentin Tarantino, con todo lo que eso implica. Y es que, cuando el estilo lo es todo, el público devoto no va a buscar algo que esté fuera de la propuesta, aunque esto haga muchas veces que la unidad de medida de un film sea “sólo” cuanto del estilo respeta. En este caso, lo bueno del estilo del director de ‘Pulp Fiction’ es que ofrece no sólo violencia visual, como a veces se lo quiere chicanear, sino una idea de cine que puede combinar denuncia, estimulación, humor y entretenimiento malicioso, todo sofisticadamente en exceso y desmedido.

De principio a fin, la esclavitud, el racismo, el dinero y la venganza son los motivos que guían a una película que trata sobre la recuperación de la libertad y el amor. Por supuesto, con Tarantino pesan más los motivos que los temas, el estilo que la trama, el desarrollo que el desenlace. Y es entonces cuando partes de la trama sirven de excusa para diálogos irónicos o la parodia (como el uso de las máscaras tipo Klu Klux Klan), para hacer referencias y homenajes (al spaguetti western de Leone por ejemplo), para la acción sangrienta y para jugar a corromper las reglas del cine “serio”. El estilo lo es todo: cierres de plano repentinos, la nerviosa movilidad de la cámara, el artificio de los chorros de sangre más fucsia que roja, el gore, el contraste de colores vivos, el color y tipografía de los títulos y créditos, la contraluz, el anacronismo musical y de ciertos elementos, las constantes referencias y remisiones, la metatextualidad (El Dr. King Schultz hace también de guionista y director de actores), la aparición del propio director en su film, los motivos, el humor irónico y ácido. Una vez más, la fuerza se apoya en la figura del malo: como Lucy Liu en ‘Kill Bill’ o el mismo Christoph Waltz en ‘Bastardos sin gloria’, acá Di Caprio se roba las miradas en más de una ocasión. Con Tarantino, hasta los flashbacks parecen particulares, como en ‘Kill Bill’, parecen “micro films” insertados.

Seguir leyendo… http://www.quecinemirar.blogspot.com.ar/2013/01/django-sin-cadenas-2013-usa.html