Permítanme encabezar el título de esta crítica con una de las bromas privadas más visitadas respecto al origen del grupo, y es que una vez más, los prejuicios raciales entran en juego, en este caso, suponiendo que su acrónimo (NWA) hacia referencia a un desprecio por los blancos, lo cual nunca fue así sino más bien orgullo de pertenencia, ese nada políticamente correcto Niggers With Actitude, que deja las cosas meridianamente claras respecto qué es el grupo, y de dónde proceden.

El rap como fenómeno musical, aunque su origen data de fechas pretéritas, tuvo su máximo apogeo en el final de los años 80 y el comienzo de los 90 y gracias, en mayor o menor medida, al talento de estos 6 tipos que revolucionaron la escena y rompieron todos los esquemas preconcebidos hasta el momento en la industria musical, como que un grupo de chavales procedentes de barrios bajos tuviera el talento y la actitud de crear un mensaje que trascendería la proclama revolucionaria y se estacionaría en el movimiento social de clase en una sociedad tan clasista como la americana.

La película sigue los cánones de cualquier biopic musical que se preste, a saber: origen de los integrantes, conexiones, éxito, choque de egos, confrontación, punto dramático y separación. Pese a todo está rodada por F. Gary Gray de manera muy ligera, hábil con la cámara y con un estilo casi hermanado con el género documental. Los actores están absolutamente perfectos y es que son copias casi gemelas de los raperos originales, pero con unos años menos, es muy fácil sentir que estás viviendo una especie de regresión al pasado y no un biopic, consiguen que el espectador se lo crea en todo momento y que, en ocasiones, tome partido por unos u otros según transcurren los acontecimientos.

Tengamos en cuenta que el grupo contó con Eazy-E, máximo exponente del gansta-rap y un tío con una pose chulesca pero con fraseos por balas; Ice Cube, un tipo con tanto talento que de hecho coqueteó abiertamente con géneros tan dispares como el trash o el rock y creó su propio grupo, Bodycount, además de convertirse por méritos propios en una estrella de Hollywood; y por supuesto, Dr. Dre, probablemente el componente con más talento y uno de los productores más increíbles de la industria, además de una carrera en solitario inmaculada, suyas fueron producciones con, entre otros, 2-Pac, Notorious Big y el apadrinamiento de estrellas ahora mundialmente consagradas como Eminem o Snoop Dog.

Inesperado film que colmará las expectativas de fans del género y de todos aquellos curiosos, como es mi caso, que se acercaron para ver qué tal trataron a estas leyendas de la rima.

Hany Abu-Assad quien ya obtuvo cierto reconocimiento internacional gracias a esa maravilla que es “Paradise Now” se pone a los mandos de esta producción sencilla en la apariencia y tremendamente profunda en su fondo, una historia de amor que se desarrolla a los dos lados del muro que separa Israel de Palestina.

El cine palestino (por lo menos las pequeñas muestras que he tenido la oportunidad de degustar) es cine con esencia, hecho desde el corazón pero con mucha cabeza, historias mundanas y cotidianas pero que saltan de un género a otro sin seguir ningún tipo de protocolo y reconociéndose como fábulas inspiradoras y que dejan huella en la retina.

Esta es otra muestra más de cine comprometido, valiente y una auténtica coctelera de géneros, en esencia es una obra de amor, de amor escondido, de ese que está prohibido a los ojos de la gente. Poco a poco el film se desarrolla y nos trae drama (como no) pero también thriller, ciertos toques de política e incluso una escena que hubiera querido rodar el mismo Tarantino.

La pareja protagonista desprende química y magnetismo y están arrebatadores ambos, en especial Adam Bakri quien lleva el peso de todo el fin y se desenvuelve a gran altura pero también su contrapartida femenina Leem Lubany, quien roba todas y cada una de las escenas en las que se deja ver, bellísima y con mucho carácter.

Buena muestra de cine palestino.

Adaptación de una obra de Emile Zola, clásico sin parangón de la literatura francesa y uno de los máximos exponentes del naturalismo, “La Bestia Humana” pone de manifiesto los deseos ocultos y las inhibiciones del ser humano y su condición de ser imperfecto, atormentado y poliédrico usando como medio transmisor el costumbrismo y la realidad cotidiana de la sociedad de la época.

El encargado de la adaptación no es otro que Jean Renoir, soberbio director francés, uno de los referentes del cine europeo e hijo del grandísimo pintor impresionista Pierre-Auguste Renoir que hace suya la historia y consigue plasmar en el celuloide la esencia de la misma. No estaríamos hablando de una de sus obras culmen como pudieran ser las perfectas “La gran ilusión” o “La regla del juego” pero sí de una de sus películas que fácilmente ocuparían plaza de honor en el podio junto a “Esta tierra es mía”, “French Cancan” o “Los bajos fondos”.

El argumento refleja sin ambigüedad el lado oscuro de la condición humana, desde la soledad a la incomunicación, pasando por la incapacidad de amar o el egoísmo y la ambición que se reflejan a la perfección en ese personaje a lo femme fatale que encarna a la perfección Simone Simon (inolvidable en “La mujer pantera” de Tourneur).

Con varias escenas que muestran la vida cotidiana en el mundillo ferroviario de la época, el film podría casi considerarse como un fidedigno testigo histórico de aquellos años ya que están rodadas con un estilo realista casi documental, la historia se va enmadejando para desembocar en un final que respira carbón, humo y fuego como no podía ser de otra forma.

Especial mención para la interpretación de Jean Gabin, quien ofrece con su contención una visión de su personaje delicada, adornada de múltiples matices y todo desde la expresión del hombre común, Gabin se me antoja de una especie de actor única, hablo del hombre corriente, el tipo de la calle, que puede ofrecer varios niveles de interpretación desde su mirada sencilla, solo al alcance de un puñado de elegidos como Spencer Tracy o Jack Lemmon.

Maravilloso cine clásico europeo.

Con “Queimada” Brando cerraba la que para mí es su década de plata, los 60, dejando atrás interpretaciones tan icónicas como las de “Rebelión a bordo”, “Morituri”, “La jauría humana” o “Reflejos en un ojo dorado” y teniendo por delante su papel culmen en la historia del cine como Don Vito Corleone (“El Padrino” (1972)), lejos quedaron aquellos personajes de los 50 que le situaron en el primer puesto del ranking de mejores actores del momento (y a la postre, apostaría que de la historia).

La película es puro cine 70’s anticipada a su tiempo, por la composición fotográfica, los encuadres, esos intervalos musicales de la mano del gran Morricone y por la temática elegida, poniendo en marcha un thriller político de alto calado con un trasfondo de revoluciones campesinas.

Brando está excelente, dando a su personaje esa catadura de doble moral que lo hace más cercano a Maquiavelo que a un instigador revolucionario, siempre pendiente de sí mismo pese a sus intenciones más o menos amables. En este film recibe la contrapartida de Evaristo Márquez que se desenvuelve a las mil maravillas y consigue una dinámica de personajes principales realmente excelente.

A la dirección se encuentra Gillo Pontecorvo, a quien se le recuerda por realizar solo un puñado de películas pero todas ellas excelentes (destacando “La batalla de Argel”, la dolorosa “Kapo” y la muy nuestra “Operación Ogro”). Su estilo de dirección deja espacio a la historia y se centra en sus personajes, dotándoles de momentos realmente logrados.

Una pequeña joya a descubrir, en especial para los fans de Brando.

Situémonos, estamos en la década de los 80, en pleno “boom” del cine italo-trash, herederos directos del Spaguetti-Western, un puñado de directores y guionistas se centraron en traer versiones menos afortunadas de los grandes éxitos de USA a Europa. Gracias a ellos contamos con cientos de sub-referencias sobre zombies, bélicas, escualos y otros animales gigantes, cyborgs, mundos post-apocalípticos a lo Mad Max...

Entre ellos por supuesto destaca Enzo G. Castellari un auténtico artesano de la caspa y la serie B más zaparrastrosa entre su producción destacaría el interesante Spaguetti “Keoma” con un gran Franco Nero como protagonista, “Aquel maldito tren blindado” cuyas referencias en “Malditos Bastardos” de Tarantino hablan por sí solas, “Tiburón 3” que no tiene nada que ver con la saga que comenzó Spielberg pero se aprovechó de ella para conseguir tirón comercial y la dupla de pelis a lo “Mad Max”: “1990: Los guerreros del Bronx” y la que nos ocupa “Los nuevos bárbaros”.

Recapitulando: en esta peli está ambientada en una era distópica post-nuclear (en 2019 sic), contamos con un puñado de coches tuneados (con plastiquetes varios, el presupuesto es el que es), un antihéroe protagonista con nombre molón (Escorpión) que tiene una relación inexplicable con la heroína de turno. Además de la inquietante presencia de un niño mecánico que no se sabe muy bien qué pinta en este engendro y el siempre formidable y molón Fred Williamson haciendo las suertes de un Rambo kitsch que a buen seguro colmará las expectativas de cualquier cinéfilo trashero que se precie.

Hay escenas ultraviolentas y gratuitas como se podría esperar, efectos especiales de baratillo, explosiones con saltimbanquis y una escena que a mi por lo menos me dejó noqueado por lo fuera de lugar que está. Esta película es diversión pura si no se tiene ningún tipo de expectativa y se conoce lo que se va a ver.

Dios bendiga a la serie B italiana, a todos esos visionarios que plagiaron (perdón, homenajearon) las grandes producciones hollywoodienses de la época. Los 80 fueron unos años insuperables en cuanto a la cantidad de morralla de videoclub, bendita morralla.