Las hordas de adolescentes que acuden en tropel a ver esta película hacen gala de los estigmas aparecidos en sus cuerpos como símbolos de la participación de sus almas en la Pasión por Mario Casas. Como “No es película para quinceañeras” se la pasan exclamando extasiadas: “Ay, que bueno está”, para después juguetear con los móviles y no parar de dar por saco al resto del personal.

Este es uno de los motivos por los que “Carne de neón” no está logrando el reconocimiento que merece lo cual es una lastima porque es un ejemplo increíble de que otro cine es posible en España. Ladrones de poca monta, chulos, putas, mafiosos, personajes que se mueven en un ambiente muy logrado donde se mezclan, en sus dosis justas, humor negro, violencia, escenas que te acongojan y casi te hacen llorar y unas interpretaciones que asombran y te alegran el día.

Es la primera película que he visto de Paco Cabezas, pero estoy segura de que no será la última. Han desaparecido mis reticencias sobre las cualidades interpretativas de Mario Casas porque realmente su Ricky es un personaje creíble, tierno y muy entrañable. El resto de actores no se quedan atrás: Genial y muy divertido Vicente Romero como “Angelito”; Macarena Gómez y su “Canija” conmovedora; Ángela Molina una madre nada usual, medio loca y fantástica….

¡Vayan a verla por favor, les gustará y mucho!, eso sí, ojala atengan suerte y acierten con una sesión a la cual no vayan las seguidoras del ídolo adolescente que ya despunta como un buen actor.

Fue empezar esta película (que para mi sorpresa mi amigo Juan enmarca en la definición “cine negro preciosista” ) y me sentí como si hubiera recibido un chute de rohipnol, fármaco ansiolítico de venta con receta, diez veces más potente que el Valium, (su existencia me es tan familiar por mi más que evidente afición a las películas, novelas y series de TV policíacas, donde esta droga siempre aparece relacionada con violaciones) y que puede producir caída de la presión arterial, pérdida de la memoria, somnolencia, mareos y malestar estomacal. ¡Tal era mi estado!.
Una cabaña en medio de la nieve, la cara chatilla de George Clooney hastiado y en guardia (cosa harto difícil de creer, puesto que aparece apaciblemente sentado frente al fuego y, a su lado, nos ofrecen un primer plano del culo de su acompañante) como corresponde al asesino implacable que supuestamente es.
Cuando lo descubren en ese entorno idílico y recóndito, contacta con el gerente de su ETT (recordemos que es un “terrible” asesino a sueldo) que le abronca por haberse llevado compañía y le aconseja esconderse mejor la próxima vez.
Viaja a Roma, probablemente el destino turístico más visitado del mundo, pero en vez de quedarse allí decide esconderse en un pueblecito pequeño de Los Abruzos, donde es el único extranjero en miles de kilómetros a la redonda y donde cualquiera que pregunte por ”L`Americano”, recibe automáticamente indicaciones de donde y como encontrarlo ¿???.
Solo hay una prostituta en el lugar y mira por donde se enamora de ella porque lejos de aparecer ajada, vieja o desengañada es prácticamente una top model. En la escena en la que, tras su primer encuentro sexual, el la ve entrando a una casa lo único que le falta a la mujer es pasarse el dedo por los labios en ese famoso gesto inmortalizado por los chicos y chicas Martini. A continuación es como si esperaras la aparición de los rostros de los componentes de “Depeche Mode”, de perfil, entonando su “Personal Jesus”. Todo muy VIDEOCLIP.
La película es letal pero por el aburrimiento que produce en el espectador. Se supone que los silencios y miradas del actor son una parte importante de la historia, pero no dicen nada. Eso si es un agradable recorrido paisajístico por Italia, plasmado en una fotografía de gran belleza.
George Clooney es poco actor para que en una película con poco diálogo, su lenguaje no verbal, su compostura y apostura (que yo no termino de apreciar, para sorpresa de la mayoría de mis colegas femeninas) traspasen la pantalla y llegue a un público que, en general en mi sesión, salía adormecido. Tal vez me colé en la sesión 3D y al no llevar las consabidas gafas lo vi todo plano.
Me quedo con la canción “Tu vuò fà l'americano", de Renato Carosone que, no me pregunten por qué, siempre me ha hecho mucha gracia:

“Tu vuò fa l' americano
mmericano! mmericano!
ma si nato in Italy!
siente a mme
non ce sta' niente a ffa
o kay, napolitan!
Tu vuò fa l' american!.”

… Si hasta Almodóvar dijo que el titulo de la película era estupido…¡Pues el contenido ni te cuento!. Poco habrás oído a los protagonistas hablar de ella con esas expresiones tan habituales (“ha sido un regalo”, “un caramelo que no pude rechazar", etc). Cuando han hecho algún comentario se referían a lo maravilloso que era trabajar con el gran Wody Allen… ¿???

¡No puedo con él!. No me gusta él, ni la voz balbuceante que siempre les ponen a sus personajes, no me gustan sus historias, no me hacen gracia sus diálogos y me parece que tiene un gusto pésimo para todo. El dudoso honor de hacer que me saliera de un cine, pocas veces en mi vida, lo tiene su pelicula “La rosa púrpura del Cairo”.

¡No lo soporto!. La película se supone que trata del amor, de la pasión, de una forma de entender las relaciones más libre y poco convencional…Solo se supone, porque en realidad lo que yo vi fue una historia de tres “habas” (a tal grado llega su expresividad e interpretación) que si enamorándose dan pena, follando ni te cuento. Hasta la musiquita de fondo es irritante y molesta. ¡Que sosería!.

Ni siquiera vale como documental que te invite a visitar Barcelona. Carece de pasión, de fuerza, de imaginación…. Estoy segura de que Barden se arrepentió de haber accedido a rodar con éste y haber rechazado la película que Coppola estaba rodando con Maribel Verdú y Carmen Maura.

Vamos que fui a verla, aun a sabiendas de que no me iba a gustar, porque pensé que de las que aún no había visto podría ser un poco mejor….pero no fue así. Forma parte de mi SECCIÓN TIRAR 6 EUROS, PERDER DOS HORAS Y SALIR CABREADA.

Para la ética discursiva el rasgo característico de los seres humanos es la racionalidad manifestada objetivamente en el lenguaje. En la acción comunicativa la racionalidad viene dada por la capacidad de entendimiento entre sujetos capaces de lenguaje y acción mediante actos de habla cuyo trasfondo es un mundo de creencias e intereses no explícitos comúnmente aceptados por las comunidades de comunicación. El uso arbitrario del lenguaje es, precisamente, lo primero que te llama la atención en esta película.

Giorgos Lanthimos nos muestra, de manera sorprendente y no exenta de un humor mordaz, como unos padres, que se niegan a que sus hijos reciban ninguna clase de influencia del exterior, manipulan su vida mediante la manipulación del lenguaje. Cambiando a su antojo el significado de las palabras, consiguen aislar más aún a sus hijos mermando su capacidad de comunicación con otros seres humanos. El resultado son unas escenas hilarantes que, al mismo tiempo, te producen estupor y cierta claustrofobia por lo que implican.

Al eliminar de la vida de los adolescentes la influencia de los otros dos grandes agentes de socialización, la escuela y el grupo de pares, queda en manos de la familia, tercer agente, la educación de los menores. Así esos padres irresponsables, decididos a ser la única referencia de comportamiento y fuente de información para sus descendientes, montan un sistema de normas y valores que los adolescentes no pueden cuestionarse porque carecen de referencias para comparar. Los padres deciden la diversión, la comida, el castigo…

La labor de control y aislamiento alcanza su máxima expresión en el código férreo que el padre inventa y que supone una condición sine qua non para poder abandonar el domicilio familiar. Y aquí, demostrando un extraordinario conocimiento del comportamiento humano y de los dilemas a los que nos enfrentamos a lo largo de nuestra existencia, Lanthimos nos muestra como lo que somos, no solo es fruto del proceso de socialización al que nos vemos sometidos nada más nacer, sino que es un compendio de éste, de las características personales de cada uno, aquellas que conforman nuestro carácter, y de nuestra experiencia vital.

Así, cuando la hija mayor, cuya curiosidad y ansia de saber no pueden domeñar los padres ni onsus mentiras ni con sus golpes, decide que ha llegado el momento de conocer mundo, de salir, lejos de infringir el código establecido por el padre lo cumple a rajatabla, aunque ello suponga lesionarse físicamente de manera brutal.

La película es tan original, tan sorprendente, tan divertida a la par que trágica, que aunque al principio ejerces como un espectador neutro porque no acabas de entender lo que estás viendo en pantalla, terminas totalmente rendido y entregado al buen hacer de este excelente director griego.

Terrence Malick plantea la existencia humana como resultado de una elección entre la religión (con sus dogmas de fe y sus dictados que no buscan agradar sino poner a prueba porque escapan a toda comprensión humana) y la evolución natural (que supone admitir que estamos en el mundo por puro azar, que no trascenderemos, aceptar la insoportable levedad del ser).

En un acto de contrición, los personajes entablan un dialogo sordo con Dios y consigo mismos, resultado de su incapacidad para expresar a los demás, ni con palabras ni con gestos, sus sentimientos. Así cohabitan en el mismo hogar, sin rozarse, el dolor de estar vivo y sentirte muerto; la ira que te empuja a desear la muerte de otros; el sufrimiento intolerable por la muerte real no deseada. Diferentes formas de enfrentarte a la pérdida: Pérdida de la confianza, del amor, de la inocencia y, por último, de un ser querido.

Malick es capaz de transmitir un tropel de sentimientos solo a base de miradas: Miradas fijas, vacías, extraviadas, soñadoras, que reflejan desconsuelo, desanimo, anhelo de ser aceptado, odio… Primeros planos que junto a la música, parte importantísima de la película, te hablan sin necesidad de palabras.

No es una película fácil. No es lineal en el tiempo y en la primera parte su explicación del “Big bang” (un caleidoscopio de luz, formas, ríos de lava, nebulosas), la gran explosión que dio origen al universo, para intentar entender el final de la existencia, aturde, confunde y también, es cierto, aburre un poco porque el director se regocija demasiado en ello.

Al igual que en la maravillosa “La delgada línea roja”, Malick intenta discernir el significado de la vida y de la muerte desde un punto de vista místico que aspira a ser universal, seas creyente o no.

Brad Pitt, excelente en su papel de padre tiránico y duro. Excelente Jessica Chastain, esa actriz pelirroja, frágil y etérea, como madre sumisa y a la vez nexo de unión familiar. Sean Penn es solo una sombra en el conjunto… ¡pero qué sombra!.

Una mezcla de música, imágenes, colores, silencios y palabras entrecortadas que, aunque de manera muy poética, te hacen ver lo dura que es la soledad. Sentí mucha tristeza.