Creo que "Hable con ella" es la mejor película de Almodovar; que aún no llega a su obra maestra, pero estoy seguro que llegará, si no se deja llevar nuevamente por el facilismo de películas como "Volver" y se sigue arriesgando, aunque tenga tropiezos como "Los abrazos rotos".
En cuanto a la película de la presente crítica, me sorprendió como Almodovar manteniendo su sello visual (kitsh, en mayor o menor medida) y argumental (melodrama), logre una tan obra elegante, pausada y sin estridencias; a pesar de lo "políticamente incorrecto" del argumento. Cada plano está maravillosamente creado y con intención. El cortometraje de cine mudo que incerta en la película, al contrario de lo que algunos opinan, me parece que es totalmente acorde al significado e ideas de la película.
Encasillado como "director de actrices", Almodóvar, en ésta ocasión nos muestra a dos personajes masculinos especiales (pero no estrafalarios): un elegante Darío Grandinetti como Marco y sobre todo a un inquietante Javier Camara como el enfermero Benigno. Realmente su personaje resulta facinante para el espectador, debido a su ambiguedad moral y extraño comportamiento. En las actuaciones femeninas, más que actuación el bello cuerpo de Leonor Watling (por que tenía que ser bello, al ser el "objeto del deseo") y una Rosario Flores convincente en su rol de torera, que los españoles pueden considerar tópico, pero que era necesario para dar el contrapunto con la extrema sensibilidad del personaje de Marco. Por que la película rompe con los límites de lo femenino y masculino a nivel emocional, más que a nivel sexual. Por ello, al espectador le intriga: ¿que siente realmente el personaje de Benigno por Alicia? o ¿que siente por el personaje de Marco?....... ese es el misterio de la película (continúo en "spoiler).

Sin duda, "Cleopatra" de Joseph L. Mankiewicz, constituye una de las cumbres de la megalomanía de los estudios de Hollywood, en su falta de visión a la hora de derrochar dinero a raudales en pos de las millonarias ganacias y de satisfacer la egolatría de sus estrellas, directores y sobre todo de sus productores. Lo cual no ha cambiado hasta nuestros días.
La versión de "Cleopatra" de Mankievicz me parece anticuada para ser una superproducción de 1963; creo que ya era tiempo de tomarse las cosas más en serio en los "peplums", como ocurrió con "Espataco" (1960), película que ha envejecido mucho mejor, debido al moderno planteamiento dramático que le impuso Kubrick, donde se favoreció la narrativa y la construcción de personajes por sobre la mera espectacularidad. También, ya se había realizado una superproducción como "Lawrence de Arabia" (1962), que combinaba perfectamente la espectacularidad, la trama histórico-política y la compleja psicología de su protagonista. En cambio "Cleopatra", se centró en la mera ostentación de medios: miles de extras, cientos de vestidos para Elizabeth Taylor, enormes decorados, etc. Un claro ejemplo es la famosa escena de la entrada de Cleopatra en Roma (donde sólo faltó un desfile de drags queens). Pero se descuidó claramente la narrativa y la construcción de los personajes; a pesar de las pretenciones shakespereanas de los diálogos y del guión. Las actuaciones son débiles; con una Elizabeth Taylor desganada y casi como un maniquí para lucir el suntuoso vestuario (lejos de sus intensas interpretaciones en películas como "La gata sobre el tejado de zinc" de 1958 y en "De repente, el último verano" de 1959); tal vez los graves problemas de salud que la afectaron durante el rodaje perjudicaron su actuación; se ve hermosa, pero la Taylor era una belleza clásica de tipo anglosajón y el papel de Cleopatra requería (a mi juicio) de una actriz más "exótica" y misteriosa, como era Jeanne Moreau con el cabello negro. Como Marco Antonio, tenemos a un Richard Burton sin garra; pues al parecer la famosa química y la tensión sexual con Elizabeth Taylor fue sólo fuera de pantalla, por que en la película no se nota mayormente. Rex Harrison estuvo correcto en su actuación, pero estaba lejos de la leyenda del calvo y seductor Julio César (continúo en "spoiler").

Francois Ozon es un director más bien irregular, pero siempre sus películas tienen elementos interesantes, principalmente destacaría su capacidad para crear atmósferas, más que preocuparse por la acción dramática, y sostener una película sobre ésta base. Así lo demostró en la estupenda "Bajo la arena" (2000), también protagonizada por Charlotte Rampling. Pero bueno, en los tiempos actuales donde manda el videoclip y el efectismo en la pantalla grande, a muchos éste tipo de películas les pareceran aburridas y, por su puesto, utilizarán la palabra "pretenciosa".
En la película que nos convoca "Swimming Pool" al igual que en "Bajo la arena", Ozon sostiene la película practicamente sobre la base de la sutíl atmósfera de misterio y suspenso que logra crear y que mantiene atento al espectador, con un mínimo de acción dramática. A ésto contribuyen, sin duda, dos estupendas actuaciones: por una parte la muy británica Charlotte Rampling con su elegancia y mirada misteriosa, como la escritora de novelas policíales que va a una casa a sur de Francia a buscar inspiración para una nueva novela y, por otra parte, la muy francesa Ludivine Sagnier como la sexi y desenfadada hija del editor de la escritora.
Una vez instalada la escritora en la casa mencionada, Ozon por varios minutos no muestra ninguna acción y sostiene el interés en el simple hecho de como el personaje de Rampling se comienza a sentir cómoda en la solitaria casa, con un clima tan distinto al del frio Londres. Luego viene el quiebre que produce la sorpresiva llegada del personaje de Sagnier y como altera totalmente la paz de la casa con su presencia........(continúo en "spoiler").

Raúl Ruiz, cineasta chileno afincado en Francia desde el golpe militar de 1973, siempre ha sido un "cineasta difícil" o al que le gusta hacerse el difícil y no ser accesible al público masivo, y es una lástima ya que su estilo cinematográfico tiene grandes méritos artísticos.
Dentro de su irregular pero coherente cinematografía destaca, sin duda, esta magnífica película: "El tiempo recobrado"; parecía un reto imposible adaptar "En busca del tiempo perdido" de Marcel Proust manteniendo el espíritu de dicha "novela-río"; afortunadamente, el singular estilo cinematográfico de Ruiz es casi equivalente al estilo literario de Proust: ambos "no cuentan historias" en el sentido tradicional literario y cinematográfico, no hay un argumento central en sus obras: sino que ideas, emociones y sensaciones de sus personajes. Ruiz toma la idea central de la obra de Proust (centrándose en el último tomo: "El tiempo recobrado"): la memoria y como ésta distorsiona nuestros recuerdos según las emociones que nos evocan cada episodio de nuestras vidas. Cinematográficamente, ésta idea es genialmente representada a través del estilo de Ruiz, presentándonos una película de época nada convencional; vemos a Proust recordando los personajes que pueblan su memoria y que plasmará en su interminable novela. Desde el principio el director nos introduce en un laberinto de habitaciones y salones, con movimientos de cámara y efectos ópticos de una belleza hipnótica; donde todo, tanto los personajes como los decorados, están en movimiento (por su puesto con una fotografía, vestuario y dirección de arte magníficas). En este mundo creado por Proust y Ruiz basta un sonido, un aroma o la sensación de rozar una suave tela, para que los recuerdos se activen en la memoria del protagonista, aunque distorsionados por sus sentimientos.
Esa es la manera de Proust y Ruiz de retratar una serie de personajes de la aristocracia y alta burguesía parisina durante la Primera Guerra Mundial; sociedad a la cual parece no afectarle en lo más mínimo la guerra, salvo por el toque de queda. Los personajes son interpretados por actores de primer nivel como Caterine Deneuve, Emmanuelle Béart (bellísima) y un delirante John Malkovich, en el rol que mejor le queda: el de aristócrata depravado.
La película esta lejos de ser grave; al contrario, constantemente mantiene un sentido del humor irónico e ingenioso y momentos de hermosa melancolía.
En fin una gran película, que como dijo un critico: "es cine en estado puro". Por que, ¿cual es la esencia del cine?, ¿acaso es contar historias?: definitivamente no (también se pueden contar historias con la literatura). La esencia del cine son las imágenes en movimiento: imágenes que transmiten ideas, sensaciones y emociones; y eso es en definitiva "El tiempo recobrado".

"La edad de la inocencia", es uno de los trabajos más singulares de Martin Scorsese; acostumbrado a explorar la violencia del ser humano y particularmente en Nueva York. Esta vez, explora otro tipo de violencia en el Nueva York del 1870.
Haciendo gala de una magnífica y estilizada puesta en escena: suntuosa y colorida (pero sin caer en lo "kitsch"). Scorsese introduce al espectador en la alta sociedad neoyorquina de la época; desde la espectacularidad de las escenas en la ópera y el salón de baile, para llegar al intimismo en las casas de los aristócratas. Por otra parte, el director saca provecho de su habilidad con distintas técnicas cinematográficas (sobre todo, el detalle visual), para así poder transmitir al espectador información, que los personajes no pueden expresar. Así también, en éste sentido, es acertada la utilización de una voz en off femenina, que también informará al espectador, lo que los personajes no se atreven a decir. Todo esto, por que "La edad de la inocencia" es esencialmente una historia sobre la contención emocional y sexual, que debe sufrir la pareja protagónica; a causa de vivir en una sociedad hipócrita, que vive de las apariencias y que llena sus días con ceremonias y rituales sociales; vivivendo en una especie de burbuja que los aparta del mundo real. A mi juicio, ésta es la "inocencia" a la que hace referencia el título de la película: el hecho de que esta alta sociedad, vivía en ésa burbuja de apariencias; y no tenía idea, de los grandes cambios que experimentaría el mundo, en pocos años más.
En cuanto a las interpretaciones, es interesante como Scorsese hace un paralelo entre el desborde emocional, en el escenario de la ópera y lo contenido de las actitudes de los personajes; ya que cada gesto o saludo puede ser mal interpretado. En este sentido, es notable la interpretación de Day-Lewis como Archer; su personaje es contrario al estilo de vida de los de su clase, pero igual sigue el juego y acepta un matrimonio casi arreglado entre familias. En ésto, llega el personaje de la condesa Olenska, interpretado por la hermosa Michelle Pfeiffer, con su encantador acento francés y el atrevimiento de ser una mujer que abandonó a su marido; y se transforma en la chispa de libertad que el personaje de Archer esperaba. Esto dará comienzo, a la lucha interior del personaje de Archer, por seguir la moral de la aristocrácia o bien dejarse llevar por sus verdaderos sentimientos. En esto, es notable como el director, logra transmitir al espectador, la sensación de contención emocional del protagonista; a un extremo, que el espectador piensa, que en cualquier momento puede estallar emocionalmente y mandar a su esposa y a la alta sociedad al diablo. Destacable también, la actuación de Winona Ryder como May, la esposa de Archer, quién con su fragilidad, aparente inocencia y con acciones mínimas, logra manipular tanto a su marido como a la condesa Olenska. Continúo en "spolier"........