El finlandés Aki Kaurismäki se ha convertido para muchos aficionados al cine en un director de culto, no tanto por estar considerado un director de moda en Europa, sino por la originalidad y la fuerza de su cine. Un cine aparentemente sencillo, conciso y minimalista pero que esconde una verdadera arquitectura interna capaz de conmovernos.

Un hombre sin pasado, es la segunda película de la Triología sobre los desheredados y los perdedores de la sociedad moderna, y compone con Nubes pasajeras de 1996 y Luces al atardecer de 2006, un interesante y poco usual cuadro sobre la presuntamente culta y rica Europa del Estado del Bienestar.

Con historias de gente que no siempre gana, de losers de la Finlandia de hoy, como es el caso del protagonista de Un hombre sin pasado, Kaurismäki consigue emocionarnos, removernos por dentro, llevarnos al territorio de la compasión y de la empatía.

Con la inestimable ayuda de actores como Markku Peltola (M) y Kati Outinen (Irma), esta última actriz fetiche del director y que ya protagonizó La chica de la fábrica de cerillas; Kaurismäki consiguió en 2002 el Gran Premio del Jurado en Cannes y el Premio FIPRESCI a la Mejor película en San Sebastián.
Podríamos citar algunas de las constantes del irrepetible cóctel Kaurismäki: la brevedad de los diálogos, los silencios, la música como transmisora de las emociones de los personajes que oscila del rockabilly al tango pasando por la música clásica o tradicional de Finlandia; una fotografía de colores contrastados, la contención de la puesta en escena de los actores, los planos largos, el humor negro...todo ello sobre una estructura clásica tan pura como el vodka más seco.

Sin embargo, la verdadera clave para entender sus historias y su mirada es dejarse llevar por ellas, convertirnos también como en este caso en hombres sin pasado, redimirnos a través del olvido y empezar de nuevo.

Una de las pelis de calidad más emotivas de los últimos tiempos, que pese a mis cautelas iniciales es más que sobresaliente. A veces el cine español tiene sorpresas como ésta.
Eduard Fernández, actorazo con mayúsculas, es capaz de transmitir una emotividad intensa y contenida; y Javier Cámara nos da el contrapunto necesario de comedia.
Una historia cotidiana de personajes donde el diálogo se vuelve casi verdad, a pesar de ser ficción.

Una mirada política y cercana sobre el engranaje del negocio de la comida rápida de la hamburguesa que deja a Super Size Me en clara desventaja.
Esta vez, la crítica no se basa únicamente en las consecuencias para la salud de los consumidores, sino que explora en las vidas de diferentes personajes que forman parte de la cadena de producción y como reza el trailer de la película: Miles de familias que consumen hamburguesas, millones de trabajadores sin papeles en sus fábricas, miles de adolescentes empleados en sus tiendas, millones de dólares en marketing...
A partir de este planteamiento, Linklater compone una historia coral con personajes algo desdibujados sobretodo en lo que se refiere a los empleados mexicanos, pero donde el montaje y la relación de las historias sigue una coherencia que ya quisiera una superproducción como Babel.
Con un metraje de 115 minutos, Fast Food Nation es un clásico descenso a los infiernos del convencido subdirector de marketing, protagonizado por Greg Kinnear al que ya vimos como pater familias en Pequeña Miss Sunshine; combinado con las historias de una adolescente cajera de burguer con pocos estímulos y una pareja mexicana que acaba de cruzar la frontera.
Un ejemplo de buen cine de denuncia en el que a pesar de su bajo presupuesto, Linklater ha sabido sacar partido con las destacables las colaboraciones de Ethan Hawke, Kris Kristofferson y Bruce Willis, que aportan su credibilidad como actores de prestigio para cimentar el mensaje de Fast Food Nation, desde la rebeldía, la resistencia o la integración en un sistema, donde como dice Willis: "Alguna vez, todo el mundo ha comido mierda".
Escenas como la reunión del grupo de activistas adolescentes, donde la cantante Avril Lavigne es casi una intelectual del movimiento ecologista o en la que Amber decide dejar su trabajo y ha de disculparse por renunciar a las grandes oportunidades que le ofrece la empresa, tienen la frescura y la cercanía de un contexto conocido; pero que sin embargo, en la historia de tres mexicanos que cruzan la frontera ilegalmente para acabar siendo empleados en Micky’s, con Catalina Sandina, conservan un cierto tono estereotipado sobre el sueño americano en contraste con la crudeza de las escenas del matadero.
De hecho muchas de esas escenas y las de la frontera de México fueron filmadas de forma semiclandestina y durante el rodaje se utilizó un título provisional para evitar que McDonalds y otras compañías pudieran ponerse en guardia poniendo trabas a la filmación.
Basada en el ensayo de Eric Schlosser, “Fast Food Nation: the Dark Side of the All-American Meal», Richard Linklater demuestra, como en las conocidas Antes del amanecer, Escuela de Rock o Antes del atardedecer, que es posible hacer cine popular con una mirada diferente.


La Señora Om

El Libro Negro ha sido uno de los mayores descubrimientos de una temporada de estrenos y superproducciones que se desinflan al salir de las salas.
Paul Verhoeven, conocido por títulos tan comerciales y de enorme éxito de taquilla como Showgirls, Instinto Básico, Robocop o Desafío total, se reinventa a sí mismo y, tras su aventura americana, vuelve a casa dispuesto a enseñarnos sin pudor las miserias de la supervivencia en tiempos de guerra.
En definitiva, El Libro Negro es un thriller histórico que destila una intensidad inusual, una arquitectura perfecta en las tramas siempre al servicio de personajes poliédricos y humanamente cercanos.

Verhoeven ha sabido aunar una reconstrucción histórica creíble de la ocupación nazi de Holanda donde nada es blanco o negro, con el punto de vista de una joven judía; un personaje magníficamente elaborado por Verhoeven y su antiguo colaborador, Gerard Soeteman, que dejando atrás el tópico de víctima, entra a formar parte activa del aquí y ahora histórico, evoluciona, crece y cambia con él.

Con esta película, el director holandés nos demuestra que la libertad creativa y de ideas, que lleva a recrearnos en una particular imagen del final de Segunda Guerra Mundial en Holanda, llena de engaños y guiños de erotismo, de sórdidas manifestaciones de poder y manipulación, de violencia explícita o pasiva; puede vestirse formal e impecablemente como una dama de la alta sociedad, de cine comercial y para todos los públicos. Porque quizá sea esa inmersión en la víscera, donde está el verdadero lenguaje universal del cine.

Un documental que no es más que un concierto bien filmado montado con algunas tomas rescatadas del pasado de los Stones, donde sus majestades dejan claro que siempre han querido ser unos tipos malos.
Sin profundizar en los integrantes de la banda, Shine a light inmortaliza los temas de dos conciertos de 2006 en el Beacon Theatre de NY,pero en ningun momento trata de documentar la trayectoria y personalidades de Jagger, Richards, Wood y Watts más allá del más puro estereotipo.
Las intervenciones "esterales" de Cristina Aguilera o Jack White no son más que otro intento de modernizar a la banda viejuna y de llevar el marketing más allá de lo imaginable.

Con Shine a light. Scorsese firma una obra menor en su filmografía que sin duda le dará más beneficios comerciales que prestigio, al igual que a los potentados Rolling que también producen la película.