En un año en que la pelea por el premio más codiciado del mundo del cine parece estar más reñida que nunca, "El discurso del rey" aparece como una de las grandes favoritas.
La cinta de Hooper posee grandes cualidades desde el punto de vista técnico, me refiero a una elegante fotografía y puesta en escena, movimientos de cámaras sutiles que aportan un sello distintivo absolutamente inglés. Los preciosos acordes clásicos de su banda sonora junto a una preciosa fotografía y grandes actuaciones, en especial la de Firth, hacen de esta película una muy buena producción.

¿En que falla entonces? (según yo). Creo que la previsibilidad de la historia es un elemento que quita irremediablemente puntos. Al menos para mi saber lo que pasará en cada próxima escena, independiente si es basado en un hecho real, coarta mucho la evaluación que haré de dicha obra. "El discurso del rey" abusa de lo evidente y en ningún momento nos otorga un giro narrativo, ni siquiera un momento de sorpresa, todo en ella es políticamente correcto, y eso amigos míos, a mi modo de ver, es una carencia.

En todo caso es la típica película (junto con "La red social) que le gusta mucho a los críticos de la academia. Cumple con los cánones de calidad y obviamente es seria candidata. Yo por mi parte me quedo con otras cintas que al menos por un minuto me hicieron pensar y creer que el cine aún puede sorprenderme, y mucho.






PD: Sugiero a los usuarios de Filmaffinity que por favor no lean las demás criticas antes de ver una película o construir su crítica propia, creo que eso mejoraría la variedad de opiniones y visiones respecto a una cinta y además sería más entretenido y ameno leerlas...yo al menos lo hago siempre, no leo nada (salvo la reseña, a veces), luego la veo y después crítico. Mi humilde opinión es que se aprende más y se aporta mucho a la página.
Digo yo...

David O. Russell se consolida cada día más como un director de respeto. En los últimos años, sus películas “The fighter” (2010) y “El lado bueno de las cosas” (2012), fueron reconocidas y premiadas no solamente por la crítica especializada, sino también por el público. Su capacidad para construir historias realistas y con buenos diálogos es su sello distintivo.

Su última película, “American hustle” (2013), es otro acierto del director norteamericano. El engaño y la mentira, son el motor de la historia. Un guión que está inteligentemente bien construido, y sustentado por un gran reparto, que a diferencia de otras ocasiones, si funciona. En ese sentido, es destacable la labor del director para dirigir a los actores, sacando el máximo provecho a cada uno de ellos. Christian Bale realiza una muy buena actuación, esta vez irreconocible en apariencia física, sobre todo por esa gran panza, y la calvicie que disimula con un peluquín bastante descuidado. Amy Adams y Jennifer Lawrence dan vida a un duelo interpretativo impecable. Adams sobresale en la primera mitad de la película y Lawrence hace lo mismo en la última hora, logrando que ambos personajes, en general, tengan un peso y una presencia vital en la trama. Gran desempeño también de Bradley Cooper, que una vez más realiza una buena actuación, confirmando que lo de “el lado bueno de las cosas” no fue casualidad. Y por último, Robert de Niro, al cual es un placer siempre verlo, sobre todo en el tipo de papel que lo inmortalizó como actor.

Sin duda que las actuaciones son el punto fuerte de “American Hustle”, pero también hay otros elementos importantes que destacan. Como señalé antes, su guión es inteligente, y da vida a una historia que tampoco derrocha originalidad, pero entretiene y mantiene la tensión, sobre todo por algunos giros que se agradecen. La fotografía está impecable. Tonos amarillos y grises prevalecen, y combinan adecuadamente con los lentes de Bale. Se agradece también la banda sonora, que posee varios estilos, absolutamente acordes a la narración.

El mensaje de fondo de la película, es básicamente una crítica a las apariencias, la falsedad en las personas y en la sociedad. La mentira del sueño americano y la infelicidad que los individuos sienten respecto a las oportunidades y posibilidades que la vida entrega. A eso hay que agregar, la corrupción política, que se oculta y funciona detrás de fachadas construidas y avaladas por la ciudadanía, que elige a sus autoridades, que poco o nada practican los valores de transparencia y la honestidad que requieren sus actos. La mentira, también presente en las relaciones de pareja, con amantes legitimados por la propia relación. Matrimonios destruidos, pero maquillados con lujos, elegantes vestidos, fiestas y excesos que, en este caso, los personajes usan para ocultar su realidad. La película destruye, una vez más, el sueño americano, y lo define sin tapujos, como la gran estafa americana.

“American Hustle” es una buena película. Le falta quizás un poco de chispa, elemento necesario para subir a un nivel artístico superior. Quedó a un par de pasos de lograr la categoría de gran película, pero aún así se disfruta. Es una obra correcta, entretenida, con mucha calidad, y en mi opinión, recomendable.

La primera película de Wilder que vi fue "El apartamento", luego "Días sin huella" y "Testigo de cargo", después quedé maravillado con la gran "Perdición". Todas me parecieron obras maestras, y por ello es que me animé a ver más películas del maestro...es así como me encontré con las geniales "Irma, la dulce" y ""Con faldas y a lo loco".
Creo que la mayoría coincidirán en que después de haber visto semejante repertorio de películas es difícil que vea otra que las supere...y eso es justamente lo que me pasó. "En bandeja de plata" está por debajo de todas ellas. Lo digo responsablemente.

La película es buena, eso es indesmentible, pero no mejor que otras comedias nombradas anteriormente. Se extrañan algunas situaciones increíblemente cómicas de otras cintas, pero esta tiene lo suyo. Una lectura sobre el afán del dinero, y lo que somos capaces por ello, hasta el extremo de causar daños a terceros (Bum Bum, su propia madre). Y es que la reflexión sobre la ambición (de ambas partes, compañía y afectado) por los billetes es algo que es inherente al ser humano, aunque como bien nos muestra el genio Billy siempre habrá alguien que recuerde nuestro lado más humano y solidario.

Una buena comedia, recomendable como toda la filmografía del director cumbre del cine. Y la recomiendo aún más si es tu primera película que ves de Billy Wilder...porque de ahí para adelante no pararás de ver obras maestras.

La historia de los premios Oscar está llena de polémicas. A lo largo de sus ochenta y ocho ediciones son muchas las películas, directores y actores que han sido omitidos. Si bien es cierto que estos premios no necesariamente indican la calidad absoluta de una obra, sirven como reconocimiento y como gancho publicitario para que el espectador medio vaya al cine.

Injusticias podemos citar muchas. “Ciudadano Kane” (1941), “El gran dictador” (1940), “Las uvas de la ira” (1940), “Solo ante el peligro” (1951), “La naranja mecánica” (1971), “Taxi driver” (1976), “Apocalipsis Now” (1979). Ninguna de ellas obtuvo el premio a la mejor película. Charles Chaplin, Alfred Hitchcock y Stanley Kubrick tampoco nunca ganaron un premio de la Academia. Eso sí, Chaplin recibió dos Oscar honoríficos.

Si seguimos removiendo la historia, encontraremos que tres cintas han ganado solamente el premio a Mejor Película, perdiendo en todas las demás categorías en que competían. Estas son: “El motín de la Bounty” (1935), “Gran Hotel” (1932) y “La melodía de Broadway” (1929). En los tres casos, tenemos que remontarnos muchas décadas al pasado, cuando aún los premios no tenían la relevancia mediática y tampoco las bases del cine moderno estaban absolutamente instauradas. En la actualidad imaginar que una película se lleve solamente el premio a la mejor película del año, perdiendo en todas las demás categorías, o peor aún, no estando nominada en ninguna otra, parece a lo menos una idea descabellada y sin sentido.

Pues bien, terminando de construir el escenario y el contexto, me abocaré a la ceremonia recién pasada. La premiación se desarrolló en términos normales y predecibles, salvo en algunos hechos puntuales, pero no menos trascedentes, y que finalmente coronaron a “Spotlight” como la mejor película del año.

No me gustan las teorías de la conspiración. No creo en ellas. Me aburren. Pero lo que sucedió la noche del domingo en Los Ángeles, California, es a lo menos sospechoso. En primer lugar, la cinta ganadora tuvo un total de seis nominaciones, cuando en mi opinión, sobraban dos: Mejor montaje y actriz de reparto, ambos trabajos normales, nada del otro mundo. En segundo lugar, si bien es cierto que el guión de la película está bien construido, para que éste ganara era indispensable que los genios de la Academia sacaran de competencia a los mejores guiones de la temporada; Tarantino por “The hateful eight” y “Sorkin por “Steve Jobs. Y claro, así ocurrió. Dichos trabajos no fueron nominados dejando en bandeja de plata el Oscar a mejor guión para la cinta de Thomas McCarthy. Y teniendo un premio en el bolsillo, es mucho más fácil otorgar el premio mayor, y así se ahorran una polémica infinita o un escándalo histórico.

Finalmente, “Spotlight” se llevó esos dos únicos premios. No seré explícito en lo que quiero decir (para saberlo remitirse al título de este comentario), pero la resolución de aquella noche en el Teatro Kodak, es a lo menos debatible. A todo esto, ¿Tiene “Spotlight” los méritos para ser la mejor película del año?. Para contestar esa pregunta y siendo objetivo en el análisis, hay que decir que es una película correcta, bien escrita y bien actuada (en especial por Ruffalo), pero a la vez es una cinta fría, sin alma y poco valiente en cuanto al tema que trata (hace 20 años, quizás puedo haber impactado). En el cine, y como en todas las manifestaciones artísticas, uno de los aspectos más valorados de una obra tiene que ver con los riesgos que asume el artista para consumar su trabajo,asi como también, la innovación y la pasión con la que construye el producto. “Spotlight” carece de todo ello, y tomando en cuenta eso, “The revenant” e incluso “Mad Max: Fury road” asumen riesgos cinematagráficos con un éxito y un resultado espléndido, superando a la vencedora. Ya sabiendo la respuesta a mi autopregunta, y para finalizar, me limitaré a decir, que siempre la historia se ha encargado de colocar donde se merecen a las grandes obras y grandes artistas, así como también a los que no lo merecieron tanto. Esta no será la excepción.

"En el calor de la noche" es un reflejo de la sociedad norteamericana de los años sesenta y setenta principalmente.
Un asesinato muy misterioso se produce en un pueblo. Un hombre aparece muerto en la calle y ante la ausencia de sospechosos la policía logra arrestar a un hombre negro que esperaba el tren para inculparlo por dicho crimen. Este hombre resulta ser policía y ello cambia un poco la visión del jefe de policía el cual opta por dejarlo en libertad y que regrese a su casa, pero mientras tanto se dará cuenta que aquel hombre es el más indicado y competente para resolver el asesinato.
Es una película que posee una fuerte y cruda crítica social que nos muestra el racismo en todo su esplendor. Increíbles diálogos que nos reflejan la diferencia abrumante entre la raza blanca y la raza negra. Grandes actuaciones y un guión sólido para una película asfixiante que recuerda aquellas grandes obras de Polanski como "Barrio Chino" o "El bebe de Rosemary", me refiero al ambiente claustrofóbico que logra magistralmente el director.
Sin duda que esta es una gran película, premiada como la mejor del año en 1967 y que tiene el mérito además de provocar una conciencia social en una Norteamérica que de eso tenia bien poco.