Es evidente que en los años 60, Hollywood quiso ponerse al día y olvidarse de casi todo aquello de lo que siempre había alardeado, la América feliz, educada, decente y sin problemas graves. En aquella década que cambió el país y también el resto del mundo, favorecida por el legado de Presidente Kennedy y la lucha de Martin Luther King, entre otros, Hollywood, para no quedar desfasada ante la oleada de cine europeo de maestros como Bergman, Antonioni, Truffaut y otros, decidió volcarse en los problemas sociales del país, y a fe que lo consiguió con la película que comentamos.

“La jauría humana”, es una magistral y durísima película del genial director Arthur Penn, del productor Sam Spiegel y con guión de la gran escritora Lillian Hellman (La loba, La calumnia, etc.). Tomando como base una obra de Horton Foote, Lillian Hellman realiza una dramática y fortísima historia de clarísima denuncia social, que seguro habría encantado a Lars Von Trier para su “trilogía USA”.

Penn, Spiegel y Hellman, no hubieran podido realizar su excelente película, sin contar con la colaboración de un magnífico Marlon Brando, en uno de sus trabajos mas memorables, así como con un conjunto de actores enormes (Jane Fonda, Robert Redford, Miriam Hopkins, E.G. Marshall, Robert Duvall, James fox, etc.). Y la magnífica composición musical del maestro John Barry.

Es un film que ningún cinéfilo, debería dejar de ver. Grandiosa película. Un impresionante drama claustrofóbico a vueltas con la miseria de una sociedad podrida. Una historia sencilla, pero fiel reflejo de su tiempo, exponiendo todas las miserias y vilezas de los seres humanos.

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“La Duda” es una película notable, con un magnífico duelo interpretativo entre Meryl Streep y Philip Seymour Hoffman, es como una partida de ajedrez, que solo puede acabar en tablas. Ambos dan lo mejor de si mismos, en unos papeles diferentes y posturas constantemente opuestas. Y la verdad es que ninguno de los dos se come al otro, son ellos dos juntos los que se comen la pantalla, sus escenas conjuntas sirven para ver, escuchar y admirar. En un segundo plano, encontramos a Amy Adams en un papel que puede parecer sencillo, pero que de sencillo no tiene nada. Su forma de transmitir la ingenuidad, la bondad, pero también seguridad, y ésta seguridad de la jovencísima “Hermana James”, como contrapunto con el personaje de Meryl Streep, también nos deja excelentes momentos.

“La Duda” es una película con más contenido del que pueda parecer, todas las escenas tiene un sentido, de principio a fin. Un ejemplo claro de lo que digo, es que hacia el final de la película es imposible no recordar el sermón del inicio. Cada escena repercute en el global, todo esto tiene más merito si consideramos que la trama es totalmente lineal, y que todo sucede en la parroquia, es decir en un mismo espacio. Evidentemente, la naturaleza de “La Duda” (es una adaptación de una obra de teatro) da explicación de todo ello, pero precisamente le da más merito que funcione cinematográficamente. El gran trabajo de ambientación, y sobre todo el vestuario i la fotografía, también ayudan mucho más.

La película que estamos comentando, es extremadamente sobria, muy dramática y sin demasiadas concesiones, pero vale la pena: por su calidad, para gozar de un gran duelo interpretativo con grandísimos diálogos. Además, siempre se agradece que el cine nos haga pensar, y no todo termine con los títulos de crédito.

El Abuelo, Don Rodrigo de Arista Potestad, conde de Albrit, señor de Jerusa y de Polán, viejo y excéntrico personaje que pertenece a una clase aristocrática española (ya venida a menos), regresa de América completamente arruinado, pero mantiene todavía el orgullo de su nombre y el honor que los regios blasones de su escudo le confieren, honor que quiere dejar en herencia a los que por legítima descendencia les corresponda. Este es el comienzo de la magnífica obra “El Abuelo” de Benito Pérez Galdós, notablemente llevada a la pantalla por José Luis Garci.

Aparte del inmenso retrato, que de los personajes nos dejó Galdós y que son la base primordial de la adaptación cinematográfica, debemos destacar de la misma, los maravillosos exteriores, los decorados, la excelsa música que Manuel Balboa escogió para la película (que nos invita por una parte a la reflexión, pero por otra nos sumerge en ese mundo un tanto deprimente y sin sentido, en el que el abuelo intenta encontrar un último sentido a su vida), la fotografía, y lo más importante el enorme reparto de actores que merece un capítulo aparte y que a mí modo de ver, es un homenaje a la mayoría de ellos.

Fernando Fernán Gómez (memorable Don Rodrigo, faltan calificativos para poder honrar su trabajo), y es que todo le acompaña, su esbelta figura, su pobladísima barba, su lenguaje pulcro y preñado de tonalidades. Rafael Alonso (magnífico Pío Coronado, maestro y tutor de las niñas, de bondad excesiva, la expresión bondadosa de su rostro no la lograron borrar ni los años ni tampoco los pesares personales), Senén (soberbio Agustín González, siempre sobrio en su trabajo, en éste papel quizás lo está un poco más). A mí modo de ver en estos tres personajes se apoya parte de la obra, los tres tienen mucha fuerza aunque sin la figura de Fernán Gómez, quizás no existiría “El Abuelo”. El resto de actores todos cumplen a la perfección, evidentemente unos sobresalen por encima de los demás.

Todos ellos, arropados por una exquisita recreación de ambientes y un cadencioso montaje, dan como resultado una película cautivadora. Llena de matices, con unos diálogos superiores, con varias lecciones y lecturas que a muchos de nosotros nos iría muy bien aprender.

“El Club de los poetas muertos”, es una durísima crítica a toda esa sociedad, representada tanto por padres y profesores que solamente quieren hijos y alumnos modelo, que sean callados, sumisos y perfectos, que lleguen a triunfar en sus estudios, y que consigan las más altas cotas, sin pararse a pensar, que como seres humanos que son: tiene derecho a pensar por ellos mismos, libres de escoger su camino, vivir su propia vida, y lo que a ellos les corresponde es darles la mejor enseñanza, los mejores consejos, estar a su lado y ayudarles en conseguir su destino.

Si imponemos normas y conductas, sin dar opción a que sean comprendidas y contestadas, si no se escucha, ni se quiere entender sus razones y compartirlas, perderemos totalmente su confianza, y de seguro pasaremos a ser sus enemigos.

El 20 de junio de 1.964, Michael Schwerner, Andrew Goodman y James Chaney, llegaron a un Filadelfia, pequeño pueblecito del estado de Mississippi, como parte de un grupo de voluntarios del “Verano de la Libertad” que educaban y registraban a los afroamericanos. Jamás regresaron a sus domicilios.

Alan Parker, estupendo director aunque para muchos no es considerado de los grandes, logra plasmar en la pantalla, quizás su mejor película “Arde Mississippi” juntamente con “Midnight Express” y “El corazón de ángel. La mencionada película esta basada en un magnífico guión de Chris Gerolmo, que relata a la perfección todos los hechos ocurridos. Parker nos regala todo un documento de auténtica denuncia, como ya es costumbre en él cuándo se trata de denunciar hechos de la más baja vileza humana, realizando una escalofriante radiografía de ese racismo siempre presente en los Estados Unidos, cuenta además con una magnífica fotografía a cargo de Peter Bijou (con la que consiguió el Oscar), una muy buena banda sonora de Trevor Jones, y sobre todo unas soberbias interpretaciones de Gene Hackman y Willem Dafoe, en un duelo interpretativo que hace saltar chispas por su contraste de caracteres. El primero más rudo, impulsivo y con métodos mucho más expeditivos por ser sureño y conocer como actúa la gente del sur (Hackman está que se sale), y el segundo mucho más cerebral y queriendo actuar siempre dentro de la legalidad, y ambos metidos en la piel de Anderson y Ward, dos agentes del FBI., dispuestos a descifrar el misterio de una población totalmente dominada por el pánico y apunto de estallar. Sería inperdonable silenciar el gran trabajo de todos los actores de la película, pero hemos de destacar a Brad Dourif (ayudante del Sheriff), Gailard Sartain (Sheriff Stuckey), Michael Rooker (Frank Bailey) y sobretodo Frances McDormand, con una actuación que roza la perfección. En definitiva, una estupenda y escalofriante película, que refleja ese ambiente miserable de aquella América de los sesenta, y dudo que en la actualidad todo se haya resuelto.

Una película digna de ver, y de analizar las diferentes reacciones de todos sus personajes.