Película muy interesante que, evidentemente con asesoramiento técnico-médico, maneja muy bien el tema del Alzheimer (en este caso, una variedad más rara, el Prematuro). Moore como una Lingüista (me recordó a otro film muy sensible sobre el tema, "Iris" de Richard Eyre, del 2001, donde es también alguien que trabaja con la palabra y su significado, en este caso la escritora Murdoch, y pierde su herramienta de aprehensión de la realidad y del mundo). Esta especialista, Alice (siempre -será, aunque sea para la el Otro- Alice, como remarca muy bien el título), trabaja en la indagación del origen "genético" del discurso lingüístico-gramatical (su estructura). Un aspecto con el que no estoy de acuerdo en absoluto, pero como sólo es anecdótico, dejo pasar para concentrarme en el proceso de degeneración cognitiva que sufre; en definitiva, en la muerte del lenguaje verbal. La Moore, espléndida como siempre, sale al campo de batalla con la cara lavada, contando con sus armas de gran actriz para el reto. Y sale vencedora. Y el espectador muy triste. Es un personaje que se clava en la retina sólo por la gestualidad, sin ninguna concesión al melodrama.
Es, desgraciadamente, un drama cotidiano y el director nos muestra la decadencia de ese día a día que nos lleva al final. Todos los actores muy bien y al servicio de la Moore, mansamente espectacular. No es un film redondo, tiene algún defecto en el punto de vista narrativo pero queda olvidado por el resultado. Recomendable para el espectador sensible.

Dejo de lado el tema que, parece, es el más importante de la película de Brizé (la que sigue a la interesante "Madame Chambon") para dedicar mi atención a lo que creo es la verdadera intención del director, la compleja relación entre una madre y un hijo, dos moles indestructibles (magníficos Vincent y Lindon), de los que no se sabe nada más que lo que trasmiten los fríos y escuetos diálogos. En efecto, puede haber opiniones enfrentadas respecto al núcleo de la historia, pero si se sigue con atención la narración (prescindiendo de un hecho que impacta y eclipsa la "lectura" ) dicho "núcleo" sería sólo el hilo narrativo que engarza las diferentes y fenoménicas escenas que hacen a la historia. Un retrato de dos seres humanos, ya lo dije, de los que sólo conocemos las poca (casi) "señales" que emiten con dificultad, con falta de coincidencia. Todo configura un cine de espacios silenciosos, de gestos repetidos hasta tal punto que queda huecos, sin significado, sólo interrumpidos por algún tipo de violencia verbal, más en el hijo ( en este sentido algo bien masculino porque, por lo menos, canaliza un atisbo de su su ser); la madre, en cambio (el origen de toda esta afectividad reprimida) es más cerrada, más sinuosa, más imposibilitada de manifestar sus verdaderos sentimientos ( en este sentido su manipulación "veterinaria" del perro es ejemplar). Pero también, un cine sensible y verosímil (¡ese naturalismo francés!), delicado y duro, frágil y cruel. Un fragmento, muy importante, pero fragmento al fin en la vida de dos seres condenados, por sus propios impedimentos, a la soledad. Frizé utiliza la cámara con sencillez, en función de la historia, en una sucesión de escenas que ilustran el trozo vital que es una muestra microscópica de dos vidas imposibilitadas por sus propias formas de ser en el mundo; de dos seres solitarios, en el sentido del auto encierro, incapaces de abrirse, de salir del cerco del que, tal vez, sólo puedan romper una vez. En definitiva, una obra dura, dolorosa que logra en el espectador (por lo menos alguno) una cierta sensación de tabique ante una situación vital imposible de modificar. Filmada con empatía, con conocimiento de causa, con comprensión no exenta de lucidez, es realmente recomendable para los espectadores sensibles a la humanidad.

Tuve una profesora genial en dibujo que cuando, muy joven, utilizaba el Nro. 2 de Faber y trazaba una linea intensamente fina me regañaba, furiosa: "¿no tienes la tinta China? Usa el lápiz con toda tu fuerza: cada cosa en su lugar". Creo que esto fue lo que me molesto en la primera, furibunda, visión. Anoche, ya curado en sorpresa, reconocí los valores y clarifique los errores, que son y/o afectan al discurso fílmico. El dúo Wright/Stoppard (al que, por otra parte, admiro), estén en el orden que sean, fallan. Primero, de entrada, el teatro dentro del teatro no es para el cine (salvo en una adaptación tipo extrema, como "Marat/Sade"); segundo la la transformación de personajes y lugares mediante "ayudantes" no tiene sentido: existe la elipsis. Todo produce un regusto de afectación, de "para que". Dejo aparte la "coreografizacion" (valga la palabra) de varias escenas, bellísimas visualmente: los frecuentes bailes, el maravilloso (casi "pas de deux" de Knightly y Johnson cuando cambian la misma silla. Es una lástima, porque el film es hermoso y el simbolismo funciona aunque algo gastado, sobre todo el de contraponer ficción/pautas sociales (y mas en un imperio que poco más de medio,siglo después se derrumbaría) con la literalmente realidad de la vida campesina, muy importante en la novela (¿entiende el "pegote" el que no la leyó y tiene a Garbo y Leight en la memoria?), lo mismo que la historia de Tostoi, que el film respeta al máximo, supongo que como nunca en el cine (me dijeron que la Anna de Sophie Marceau da a luz, pero yo no vi la película). En definitiva, técnicamente buena, como lo es el trabajo de Wright, hermosa visualmente y una narración -la lineal- correcta y elegante. Muy bello el vestuario y como siempre perfecta la música de Marinelli. Beto

Esta película de Eran Crevy tiene un comienzo engañoso que confunde a dos niveles: argumental y fílmico. Me explico. La cámara y el clima, ambos muy "modernos", y los diálogos e imágenes, hacen que el espectador (dejando de lado el manido "luego todo cobrará sentido") dude de lo que ve y de parte del significado de apertura. Planos encadenados, la cámara lentificada, la presencia de un actor, por cierto el espléndido -y reciente descubrimiento, en "Expiación", James McAvoy- con su breve, y aparentemente críptico, diálogo-monólogo inicial más el contexto, hace que el espectador crea estar en una narración de cuasi ciencia-ficción. Se sabe que es un robo importante, si, pero los negros traje, las aparatosas máscaras anti-gases y las motos resultan muy, muy extraños, más cercanos -como un ejemplo no muy acertado- y, salvando mucha distancia, a "Minory report" y no a un claro caso de thriller de ladrones y policías. Pero no. Todo es simplemente un globo afectado, snob, que se diluye en situaciones "reales" que, a veces, rayan casi en el absurdo. En fin otra muestra cinematográfica, muy actual, "originalmente audaz", que resulta un fíasco. Y van...

Estoy de acuerdo con la opinión crítica de mi compañero hp Bordon, pero no, por supuesto, con la que hace a otra (a la que él distingue con un pseudónimo calificativo, "Cannibal girl", de una misoginia imperdonable) realizada por otra compañera. Me explico. Es evidente que ver, como parece, una sola película de Rohmer (!) puede dar lugar a malas interpretaciones fruto del desconocimiento (desconocimiento que, como es obvio, impide un juicio objetivo, sea del signo que sea). Porque, yo que amo su cine: prácticamente vi (hablo sólo de sus largometrajes) sus, desde 1959 hasta su muerte, 29 películas. Historias donde, bajo la influencia de Pascal, La Bruyere, La Rochefoucauld, Stendhal, con libretos propios y ajenos (por ejemplo "La Marquesa de O" de Heinreich von Kleist), da la posibilidad de conocer, entender, todas las claves de su cine y de la opinión que se pueda tener sobre sus principios estilísticos. Principios que parten de una premisa: para el cineasta "moral" (que da nombre a una serie de 6 "cuentos morales") no tiene el sentido corriente, sino que, bajo la advocación de los autores antes citado, la entiende como "investigaciones psicológicas sutiles del pensamiento y sentir de los personajes" que sobrepone a lo fenomenológico del actuar. Y esto se capta en la verbalización (contradictoriamente, es por lo que muchos espectadores le critican la superficialidad verborreica, sobre todo de sus mujeres). Unas conversaciones, que, como una epifanía, el espectador con "training", descubre gozoso estas pequeñas maravillas que son los tres "cuentos" de "Les rendez vous de París (estoy hablando del que ame a Rohmer), con sus contradicciones, dudas, falsas seguridades, equivocaciones. Un Rohmer completo, perfecto en el tramo final de su carrera, en la técnica, en su ritmo y con sus actores descocidos o casi. Sólo le planteo una sola objeción al film: la del hilo que une las historia, el dúo de músicos callejeros, un recurso algo anticuado, cursi. Por lo demás, todo una pura maravilla; la maravilla de descubrir a esta altura un "nuevo" Romher.