El cine argentino sigue demostrando su capacidad analítica para observar la realidad a través de diferentes prismas y transformarla en interesantes propuestas cinematográficas que siempre suelen usar la comedia negra y el humor satírico para envolver contenidos mucho más profundos y reivindicativos, a menudo relacionados con los problemas político -económicos que han acosado este país desde hacia varias décadas.

No me parece mala la idea de utilizar la enconada contienda de los dos protagonistas por una cátedra en la universidad como un espejo de las dos sociedades que luchan por sacar adelante el país, pero no termino de encajar los elementos de comedia algo grotescos que aparecen en la primera mitad de la película, pueden acercar a espectadores menos avezados en dobles lecturas pero restan credenciales al peso global de la película, sin aportar nada a cambio.

Lo mejor: Actuaciones fantásticas de todos los actores, desde ambos protagonistas hasta papeles más secundarios como el de la señora Amelia y su sirvienta.

Lo peor: La sensación de que el cine argentino (con proyección internacional) ya nos ha contado lo mismo muchas veces y en diferentes formatos.

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Algunas películas funcionan por por el boca-boca, pero "La estrella azul" funciona por el corazón-corazon, por esa extraña energía vital que fluye desde el corazón de su protagonista y desde el equipo que ha hecho posible esta película hasta el corazón del espectador, que se para y acelera al ritmo de una música e imágenes rebosantes de admiración y de respeto por la historia de Mauricio, incluso de cierta ingenuidad en su planteamiento.

Desde el punto de vista musical, se percibe una absoluta melomanía que sostiene toda la película y le proporciona un ritmo y calidez en los momentos donde el guion tiende a ser más laxo y relajado. Por otra parte, todas las road-movies intentan describir la transformación de sus personajes pero la mayoría de las veces las circunstancias del viaje toman las riendas y la metamorfosis queda en un segundo plano; en este caso vuelve a percibirse el gran esfuerzo hecho para transmitirnos esta historia, y la particular estrella azul que ha supuesto para todos aquellos que han colaborado en este proyecto tan hermoso y vitalista.

Lo mejor: Es una buena idea derribar la cuarta pared al final de la película para mostrarnos un par de escenas adicionales sobre el casting y el rodaje, consiguen que la historia traspase la pantalla y todo lo visto sea mucho más cercano y vivido.

Lo peor: Algunos personajes importantes para Mauricio como su hermano o su madre, resultan algo borrosos en su definición.

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Una propuesta muy interesante donde todos y cada uno de los apartados del película brillan con luz propia pero que no consiguen ensamblarse de la forma adecuada para que la película consiguiera la aclamación absoluta que se merece.

La primera sorpresa es el planteamiento de la película al mostrarnos Auschwitz en el "fuera de campo" más grande que se haya concebido cinematográficamente, sólo el sutil audio que sobrevuela continuamente por todas las escenas nos conecta con los horrores que se producen al otro lado de la valla que separa la Residencia Höss del mayor campo de exterminio de la Segunda Guerra Mundial.

El lenguaje cinematográfico es tan elegante como moderno, disecciona de forma casi quirúrgica, la anodina vida de los Höss en contraposición de lo que no se muestra pero todos sabemos (ojo al póster donde queda definida esta idea a la perfección), todo se nos muestra desde ópticas ajenas, en ocasiones como si fueran las grabaciones de un sistema de videovigilancia.

Quizás el problema puede ser que la película no plantea ningún conflicto (excepto el que no se nos muestra...) incluso de ciertos cambios de ritmo de la película, ya que algunas elipsis sobre temas tan interesantes como los engaños entre el propio matrimonio son muy sutiles y haberlas desarrollado un poco más podían haber servido para contrarrestar otras partes del guion que se hacen demasiado alargadas, incluso reiterativas. Ya sabemos que el mal tiene también su parte anodina pero no hay necesidad de insistir en ello.

Lo mejor: Todo lo relativo al audio de la película, protagonista casi absoluto de muchas de las escenas, incluidas la apertura y el cierre de la película.

Lo peor: No consigo encajar la pieza del epílogo de la película donde vemos las operaciones del mantenimiento del museo Auschwitz en la actualidad...

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Parodiar y satirizar el cine de superhéroes es un reto que a muchos se les ha atragantado y se han quedado en el intento, pero Quentin Dupieux ya ha demostrado moverse bien en aguas tan pantanosas y consigue poner en pie una película tan divertida como disparatada, no apta para mentes cuadriculadas y ancladas en los encorsetados patrones del cine más academicista.

Se hace difícil de recomendar este tipo de cine porque el despiporre está mal visto en ciertos círculos donde no se valoran características como la frescura, la imaginación o jugar con los límites de lo políticamente incorrecto. Y este es el verdadero valor de esta película, creer en este tipo de proyectos y lograr sacarlos adelante para que un sector del público los disfrute. Porque hay que reconocer que este tipo de cine, o se disfruta intensamente o se te hace bola al tercer fotograma.

Lo mejor: los minirrelatos incrustados en la película son unas joyas con vida propia, pero me quedo con el relato de la trituradora, sin ninguna duda la parte más divertida de la película.

Lo peor: que no llegues a disfrutar de una película como ésta, simplemente porque elegiste mal el momento para verla.

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Efectivamente, Borgman no trata de una home-invasion. Lo que estamos viendo es una mind-invasion en toda regla. Me gusta pensar en los Borgman como en los personajes de la fantástica Inside-Out de Pixar pero diseñados con el patrón de una película de Haneke.

Los Borgman son unos diminutos entes que están dentro de nosotros (bajo tierra), suelen estar aletargados, pero en ocasiones hay algo que los agita y hace que que se remuevan de sus madrigueras y salgan a flor de piel (a veces la Iglesia y sus ideas también puede tener relación con esta revolución como sugiere el inicio de la película).

Los Borgman de Marina se activan el día que ve a su marido propasarse sin motivos con un extraño. De repente ese día le ve con otros ojos, como si fuera un desconocido, ya no es el mismo, ya no será el mismo. Aunque hay un Borgman que pone en alerta a Marina, luego aparecen otros a la llamada: el miedo, la soledad, el rencor. A los Borgman les gusta mucho jugar con los sueños, los utilizan para desestabilizar un poco más a Marina y van ganando fuerza con artimañas emocionales.

Curiosamente ahora Marina percibe mejor la realidad de su alrededor, los Borgman le han hecho ver que su marido le maltrata física y psíquicamente, que está perdiendo el contacto con sus hijos y se rebela ante todo ello. Pero los Borgman también hacen que no seamos conscientes de nuestros actos y que a veces paguemos las consecuencias con las personas que nos rodean y que menos culpa tienen, como es el caso de los jardineros (se envenena su relación con él y lo despide, lo saca de su vida, lo arroja al pozo de los recuerdos olvidables).

Como pasa en muchas ocasiones, la vida no ayuda en estas situaciones y despiden al marido de Marina (que a estas altura ya debe tener también sus Borgmans bastante agitados), nuevos Borgmans aparecen y no ayudan precisamente. Como pasó con los jardineros también culpabilizamos de todos los males al novio de la niñera y corre la misma suerte que los anteriores.

Y al final llega lo inevitable, y le toca el turno a Richard, tiene que desaparecer de su vida, pero ¿y los niños? ¿serán también pasto de los Borgman? ¿serán de nuevo los perjudicados de una situación que es ajena a ellos? ¿esta situación hará que los propios Borgman de los niños que ya se han instalado dentro de ellos se empiecen a agitar?

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